Perro Come Perro: Entrevistas, Reseña y Fotos de la Premiere
abril 17, 2008
Entrevista a Carlos Moreno, Director de la Película:

Entrevista a Marlon Moreno, Protagonista:

Saludo de Andi Baiz, Director de Satanás a los lectores de CineVista:

EN RESUMEN:
Perro Come Perro sigue el camino de las últimas películas colombianas en su intento por mostrar historias mucho más universales. Es un thriller complejo, bien terminado, con un guión audáz y un humor negro agudo poco sutil.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:
Director: Carlos Moreno
Género: Thriller
Guión: Carlos Moreno y Alonso Torres
Reparto: Marlon Moreno (Victor Peñaranda), Oscar Borda (Eusebio Benitez), Blass Jaramillo (q.e.p.d) (El Orejón), Alvaro Rodríguez (Silvio Sierra), Paulina Rivas (Iris, La Bruja)
Duración: 1:46 Min
Página Oficial: Perro Come Perro

Trailer: PCP
País: Colombia
Año: 2008

SINOPSIS
Vengar la muerte de William Medina y la prisa por recuperar unos dólares perdidos, son el pretexto inicial que une a los protagonistas de este relato, quienes tienen que someterse a las órdenes de ¨El Orejón¨, un poderoso empresario devoto de la brujería, deseoso de vengar la muerte de su ahijado y obsesionado por encontrar su dinero. Sin conocerse, Peñaranda y Benítez son contratados para un confuso operativo del que tienen pocos detalles. Comparten la habitación de un céntrico hotel, donde deben permanecer atentos y a la espera de instrucciones telefónicas.

RESEÑA CRÍTICA
Ayer CineVista tuvo la oportunidad de asistir y realizar algunas entrevistas en la premiere de esta nueva película que sin lugar a dudas llega mañana a la cartelera colombiana pisando fuerte y con la presión de generar en el público altas expectativas, gracias al reconocimiento otorgado a Marlon Moreno como Mejor Actor en la sección de Largometrajes Iberoamericanos de Ficción del Festival de Cine de Guadalajara y el gran balance obtenido en otros festivales como el de Sundance en donde la película logró quedar escogida dentro de la selección oficial del World Dramatic Competition, compitiendo entre más de 900 films, además de su paso por el Miami International Films Festival donde la película causó gran impresión.

Perro Come Perro es una historia adaptada de un relato corto del caleño Alonso Torres llamado “Los Malditos” y quien también colaboró en el guión de esta cinta. El director del film también es de Cali, una de las cinco ciudades más importantes de Colombia; razón por la cual este es el espacio donde se desarolla el relato. La escogencia de la “Sultana del Valle” a pesar de ser una decisión “arbitraria” ( como nos lo explica su director en la entrevista), es un hecho que no en vano le otorga a la cinta mayor credibilidad, pues hay que recordar que Cali y Medellin han sido las dos ciudades cunas de fenónemos como el sicariato y la mafia, dos elementos vitales de la película. La influencia que ha ejercido esta región del país sobre el director, es evidente y se hace notoria en muchos detalles del film, como el hecho de la escogencia del título, que hace parte de una estrofa del salsero y sonero Henry Fiol y la escogencia de algunas canciones de salsa como “El Forastero”, ritmo que caracteriza la ciudad.

Para comprender esta película mejor, se hace necesario tener presente antes que todo, que Perro como Perro es una película de género, es más que nada un thriller que incluye tópicos conocidos con creces por todos los colombianos que han sido manipulados, unas veces endiosados y otras veces satanizados y que hacen alusión a la violencia. Sin embargo lo interersante aquí, es el manejo distinto que se le da a través de un guión audaz cargado de humor negro y en muchos casos innovador a lo antes visto. La violencia con todos los “anti-valores” que carga a cuestas, no es un aspecto que lleve al espectador a generar en él reproche o repudio, es por el contrario, un aspecto con el que el público se puede reir dado el humor negro y cruel que lo envuelve. Otro de los ingredientes novedosos que le dan ese toque característico de los thriller es el uso de la brujería en su más pura y aterradora expresión: la magia negra. Un elemento que sin ser lo suficientemente escalofriante, llega a impactar y genera cierto estupor, además porque quien hace el papel de “bruja” es una actriz natural, una mujer que ya sobrepasa los sesenta años dotada de un gran misticismo.

Perro Come Perro tiene en general una estructura narrativa bien definida, llama la atención el ritmo que es continuo pero pausado (algo extraño), alejado totalmente de aquel ritmo frenético con que se caracteriza a las películas cargadas de balas, traición, hechizos y/o sangre. La fotografía no resultó ser tan especial como lo esperaba, pero logra salir avante. La escenografía plantada en espacios reales le ayuda a ese ambiente tropical, malsano y raído del siniestro mundo en el que andan metidos sus personajes. Por otra parte, el reparto es también un buen acierto de esta ópera prima de Carlos Moreno. A la cabeza como protagonista está Marlon Moreno, un actor reconocido del país por su alta calidad, quién nos regala un papel trabajado con mucha inteligencia, con una frialdad pasmosa, que no obstante ya le hemos visto en papeles similares realizados en televisión y que ha sabido explotar de muy buena forma este tipo de personajes. Por esta pequeñísima y tal vez frívola razón, no sé si logre impresionar su interpretación realmente al público colombiano, al que ya tiene acostumbrado (no cansado) a este tipo de papeles. Esto claro está, no es motivo alguno para desmeritar su trabajo y el galardón recibido, que lo que hace es demostrar que su trabajo es digno de ser reconocido fuera y dentro del país. Otro de los actores es Oscar Borda quien me causó muy buena impresión (y confieso que no lo esperaba tanto). En la película podemos ver con grata sorpresa a un Oscar Borda metido por completo en el papel, creíble totalmente. Es tal vez para mí el trabajo más maduro, más laborioso, estudiado y exigente que haya hecho este actor hasta el momento. Borda realza la parte misteriosa de la película con un muy buen trabajo psicológico y fue definitivamente a quien le tocó el trabajo sucio; entendido como el que le tocó abordar su personaje desde lo más profundo de su ser.

Esta cinta a pesar de ser para mi 100% caleña, utilizando las calles populares de esta ciudad y con acento caleño, sin ser el acento exagerado y fastidioso que vemos en televisión, es una historia que sin duda es universal. Este solo hecho hace que esta cinta se valore aún más y considero que es una de los factores que la han hecho ser tenida en cuenta (por lo menos) en los festivales internacionales. En Colombia ha habido una reiterada intención de llevar a la pantalla gigante temas alrededor de lo que concierne a la violencia, por lo que el cine ha sido uno de los testigos fieles de lo que, gracias a ella, refleja la sociedad; sin embargo, Perro Come Perro se arriesgó a usarla para mostrar otra cara, para de cierto modo burlarse de ella y la usa no como su elemento principal, sino como símbolo de algo mucho más complejo, más tenebroso y no menos real y latente a los fenómenos que hacen parte cotidiana de la cultura colombiana. Perro Come Perro es una película difícil de entender desde esta perspectiva, díficil de asumir o abordar como thriller puro y no como una cinta de carácter social.

FOTOS DE LA PREMIER EN BOGOTÁ

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Carlos Moreno, El Director

Marlon Moreno, Protagonista

Oscar Borda, Actor Reparto

Andi Baiz, Director de Satanás


Petróleo Sangriento – Relato no tan oscuro del crudo
marzo 4, 2008
Si lo prefieres escucha aquí esta reseña:

RESUMEN
La Academia reconoció lo único por lo que se debe reconocer a esta película, Mejor Actor Protagónico. Petroleo Sangriento le faltó la esencia que convirtió a la novela “Oil” en el mejor relato de la California del siglo XX.

FICHA TÉCNICA
Calificación de CineVista:

Título Original: There Will Be Blood
Director: Paul Thomas Anderson
Género: Drama
Reparto: Daniel Day-Lewis (Daniel Plainview), Paul Dano (Paul Sunday/Eli Sunday), Kevin J. O’Connor (Henry), Ciarán Hinds (Fletcher), Dillon Freasier (H.W.), Randall Carver (Sr. Bankside), Coco Leigh (Sra. Bankside), Sydney McCallister (Mary Sunday), David Willis (Abel Sunday), Kellie Hill (Ruth Sunday)
Guión: Paul Thomas Anderson
Duración: 2:38 Min
Página Oficial: There Will Be Blood
Año: 2007
País: USA

SINOPSIS
Cuando Plainview recibe el misterioso dato de que hay una pequeña ciudad en el Oeste donde mana del suelo un océano de petróleo, allí se encamina junto a su hijo H.W., para probar suerte en la polvorienta Little Boston. En esta ciudad marginal donde la mayor diversión gira en torno de la iglesia Pentecostal del carismático predicador Eli Sunday, Plainview y H.W. dan su golpe de suerte. Pero aun cuando el pozo de petróleo incrementa sus fortunas, nada será igual a medida que los conflictos crezcan y cada valor humano – amor, esperanza, comunidad, creencias, ambición e incluso los vínculos padre-hijo – se vean en peligro a causa de la corrupción, el engaño y el fluir del petróleo.

RESEÑA CRÍTICA
De las ocho nominaciones que obtuvo esta cinta en los Premios de la Academia de este año, logró obtener dos siendo la más significativa la de Mejor Actor Protagónico que sin duda y después de haber visto todas las películas nominadas a la categoría Mejor Película, este premio es para mí el el único botín “justo” que merecía obtener.

El director Paul Thomas Anderson recordado por su película Magnolia del año 1999, un drama que contó 9 historias paralelas cuyo punto en común era el entorno donde sucedian, trae a la pantalla gigante como adaptación y como ya se había hecho, una de las tantas historias oscuras, como el crudo, de los magnates en este campo. La segunda fuente de producción de California, aparte del cine, es justamente el petroleo. Fascinado este director y guionista con el libro “Oil”, novela escrita por Upon SinClair y clásico de la literatura estadounidense nos presenta una historia narrada en 4 tiempos distintos: 1898, 1902, 1911 y 1927 acerca de Daniel Plainview interpretado magistralmente por Daniel Day-Lewis. Este personaje creado posee varios referentes reales que poco se esmeran por ocultar en la novela. Hablo por ejemplo de la historia de Edward Doheny, una vida plagada de éxitos y a su vez de varios escándalos de corrupción.

Filmada en Marfa Texas con nativos de la zona y con la utilización de algunas máquinas antiguas reales que les fueron concedidas, Petroleo Sangriento tiene en su estructura narrativa un principio curioso, pausado y firme, un nudo que se torno más tedioso, pesado, fatigoso y un final conmovedor y envolvente. Varios son los excesos en los que incurre la cinta: la lentitud con la que ocurre cada hecho, estamos hablando de un metraje de 2:38 para un filme que no es de acción ni aventuras, la reiteración de los eventos en cada escena dentro de un espacio-tiempo. Una y otra vez vemos llegar el día como anunciante de una nueva jornada de escavación y la noche como elemento distractor para refrescar la historia con uno que otro baile y descanso profundo sin que le aporten mucho a la trama, situaciones repetitivas que se pudieron excluir para darle una mayor impresión de agilidad. También incluyo dentro de los excesos a la banda sonora. No recuerdo hasta ahora, una banda sonora que hubiese cobrado tanta importancia dentro de una cinta como en Petróleo Sangriento se hace. La música hace parte en la mayoría de las escenas, es sin duda un personaje más. Pero para mi gusto personal se hizo tan notorio que inquieta y distrae en demasía.

Indiscutiblemente, el pilar sobre el que se soporta Petróleo Sangriento es la actuación de Daniel Day-Lewis que una vez más sorprendió no solo Academia sino también a los espectadores. Un personaje extremadamente bien elaborado y estudiado que se expresa no solo a través de las palabras sino que trasmite mucho de su personalidad a través del lengujae corporal. Lewis de forma clara dibuja este personaje y nos muestra fielmente lo que es el ser ambigüo e indeterminado de una personalidad que se mueve entre el bien y el mal. La intencionalidad de mostrar valores de poder, ambición, corrupción, esperanza y amor están dadas gracias a la lectura y el toque que le imprime este actor. Otro que también logra destacarse, es el coprotagonista Paul Dano, recordado por su papel de hijo y hermano en la Pequeña Miss Sunshine , un personaje que me sorprendió en aquel entonces por su interpretación tan natural y que vuelve hacerlo ahora con el papel de Paul Sunday/Eli Sunday. Una actuación más elaborada que la de la Miss Sunshine, más exagerada que inteligentemente se queda entre el límite de lo cómico y lo drámatico.

A pesar de la gran interpretación de Lewis y Dano, la película no alcanza a trasmitir la esencia que conviritó a la novela “Oil” en uno de los mejores retratos literarios de California en el siglo XX jamás contados. Abudan en la novela las historias de corrupción, de como se evaden los controles de la polícia, las relaciones convulsionadas con lideres sindicales, banqueros sedientos de poder, actrices dispuestas a vender su alma y políticos fácilmente vulnerables, que son hechos que reflejan con más claridad el lado oscuro que encierra este negocio de miles y miles de millones de dólares, además de ser relatos mucho más apasionantes.

Lo Mejor de la Película: La Interpretación de Daniel Day-Lewis

Lo Peor: La Banda Sonora

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Algunas de las Nominaciones de la Película en los Oscar y Globo de Oro

Mejor Actor Protagónico, Mejor Fotografía, Mejor Pelicula, Mejor Director, Mejor Guió Adaptado, Mejor Fotografía, Mejor Dirección de Arte y Mejor Motaje.

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

Crítica Película Soy Leyenda – Cómo crear esperanzas inexistentes
enero 17, 2008
Si lo prefiere puede escuchar esta reseña aquí:

LA FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:
Título Original: I’m legend
Director: Francis Lawrence
Género: Drama, ciencia-ficción
Reparto: Will Smith (Robert Neville), Alice Braga (Anna), Dash Mihok (Macho Alpha), Salli Richardson (Zoë), Willow Smith, Charlie Tahan (Ethan)
Guión: Mark Protosevich y Akiva Goldsman; basado en la novela de Richard Matheson
Duración: 1:41 Min
Página Oficial: Ver Aquí

Trailer: Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007

LA SINOPSIS
La acción se situa en Nueva York en el año 2012 tras una guerra biológica donde un hombre, el único que sigue vivo, intenta sobrevivir combatiendo contra una especie de mutantes nocturnos.

LA RESEÑA CRÍTICA
Una vez más y por tercera vez, se lleva a la panatalla gigante la novela de ciencia ficción de Richard Matheson, con igual nombre, que se creó en 1954. En aquel entonces Matheson construyó una novela sumamente interesante, futurista en la que se imagino la terrible situación por la que pasaría el último hombre sobre la tierra en los años 70 y en los Ángeles, California gracias al exterminio de sus habitantes por un virus mortal. Virus que los convierten en una especie de vampiros o zombies.

La primera cinta que quiso llevar esta historia a la pantalla gigante en 1964 fue “El Último hombre de la Tierra” de Italia. Una película que contó con la adaptación del guión del propio Matheson, por lo cual es la que más se asemeja a la novela y la que verdaderamente explora y refleja intensamente el aspecto psicólogico del personaje central. No muy lejano a esta primera producción, en 1971, se lleva a cabo la segunda película llamada “El Último Hombre Vivo”, conocida también como “Omega Man”. Esta ha sido la versión que se aleja casi totalmente de la novela original que incomodó mucho a los seguidores del libro. Muchos la calificaron de desafortunada y poco brillante en cuanto a historia y técnica. Lo cierto es que revisándola a grandes rasgos, porque la realidad es que no resistí terminarla, esta versión es un punto de referencia para no mencionar.

Ahora tenemos la oportunidad de ver esta tercera adaptación, dirigida por Francis Lawrence con esta su segunda película después de Constantine de 2004, en la que se conserva en esencia la idea de la novela, en la que la situación se agudiza más que en la historia creada por Matheson al presentarnos una circunstancia de un futuro inmediato, a solo 5 años de que suceda en nuestro tiempo real, pero que se plantea una salida absolutamente distinta que nos hace pensar en el interés por crear un espectáculo netamente comercial y el deseo por imaginarse o inventar mañozamente, en el cine actual, futuros esperanzadores a situaciones o caos sumamente complejos en terrenos practicamente desconocidos.

Desde el descubrimiento en 1892 por el científico Dmitry Ivanovsky, la “maquinaria” biológica capaz de reproducirse vía celular, conocida comúmente como VIRUS, ha sido la razón de sigilosos estudios por parte de biólogos y ha sido también, la causante final de muchas teorias especulativas acerca del fin del hombre como especie en materias que van desde la religión, la ciencia y la astrología. Y es por esta razón que la hace una temática digna de este género en la que se puede plantear mil salidas a lo que aún no se ha descubierto con exactitud. Género además, que ha encontrado como uno de sus máximos representates al actor Will Smith, curtido ya en este tema con películas como Yo, Robot, Hombre de Negro I y II y El día de Independencia.

Esta última versión que logró desilusionarme a tal punto de escribir sobre ella tardíamente pues la vi el día de su estreno, no puedo dejar de medirla bajo el ojo de lo que fue la primera adaptación. En Soy Leyenda hay una evolución notoria de su personaje principal y los vampiros. Ya el modo de defensa no son los espejos, las estacas y las cadenas de ajo, que se ven todo el tiempo en El Último Hombre en la Tierra, sino las armas, lo que sin duda es un acierto. Aunque la versión vampirezca creada por computador para esta versión en algunas escenas es irritante y prefiero quedarme con el último prototipo de esto seres, creada en la película “30 días de Noche”.

Soy Leyenda se centra en cómo el último hombre en tierra tras 3 años de convivencia en soledad, se ha adaptado a su entorno y pasa sus horas cazando animales, enviando comunicados haber si alguien lo escucha, ejercitándose en medio o mejor “encima” de aviones militares (je,je,je) y defendiéndose en las noches de los monstruos en los que se han convertido el resto de los humanos. Una convivencia en la que se pretende envolver al público en el aspecto psicológico del personaje a través de miradas lánguidas, la tristeza de un rostro notoriamente agotado y el uso de flashbacks moderados pero poco explicativos en comparación a la historia real, sin que se llegue a cumplir dicho objetivo realmente. A diferencia de la primera basada en la novela, no hay dilemas a ciencia cierta, no hay verdaderas situaciones de crisis, no hay temores profundos, ni llantos ni risas explosivas del último hombre en tierra que lo involucren a uno en sentimientos de emotividad profunda, reflexión y moralidad caracterísiticos de las cintas psicológicas.

A diferencia de la novela, hay una larga relación con un perro pastor alemán, llamado Abbey en la vida real, con la que pretende generar una emotividad falsa en el espectador mas que otra cosa, pero que sin refutarlo lo logró, pues la actuación de este animalito es excepcional y consigue compungir el corazón, gracias a su destino final. Sin embargo son estas innovaciones en la historia, junto a su parte final las que no me convencieron y por las que se evidencia un interés sensacionalista y comercial un tanto fastidioso.

El problema aquí no es la actuación de Will Smith, ni el deseo porque hiciera su debut su pequeña hija de 7 años, Willow Smith, pues no se cuestiona el enorme esfuerzo que realizó por construir su personaje, la disciplina que tuvo al hacerlo, que incluyó bajar alrededor de 10 kilos e intenso entrenamiento físico para verse más esbelto. De hecho, gracias a su interpretación y el enorme e indiscutible carisma que posee, la cinta no resulta peor. Tampoco recae sobre la diseñora de producción que tuvo un enorme trabajo al construir en medio de un escenario real del tamaño de una ciudad como Nueva York, calles absolutamente e increíblemente desoladas en donde la maleza y los animales salvajes son los reyes. Este es el punto que más se disfruta de la cinta, su mayor actractivo y fue un gran logro utilizar escenarios reales, que incluyen lugares donde nunca antes se habían autorizado filmar que se reflejan de buena forma, gracias a la fotografía, también hay que mencionarlo, en el producto final. Tampoco es el ritmo, que por cierto es muy bueno, ni la estructura narrativa.

Definitivamente es la adaptación del guión que se le hizo, que por momentos afloja y deja evidenciar detalles “bobos” en la historia, vacios que no se cuidaron. A este punto retomo su final del que hablaba en un principio. Un final esperanzador que refleja más un deseo por generar o dejar a la expectativa una secuela, que las ganas de ser congruentes con la crítica situación que vive un hombre al quedarse casi solo sin muchas posibilidades de subsistencia. Veo más un deseo por crear de esta historia a una “héroe” disfrazado de leyenda que nos salvó, dando como Jesús, la vida por nosotros.

Con el excelente recaudo conseguido a solo 33 días de haberse estrenado de un poco más de 464 millones de dólares, nos toca esperar la secuela, confiando en que la supere. Debo reconocer que es entretenida y se deja ver absolutamente, razón por la cual no agoto las esperanzas de que la siguiente versión si lo conseguirá.

Insisto mucho en su final, pues aunque no soy pesimista es bueno ver finales en donde también los humanos pierdan y se de realmente el holeocausto final. Esos finales rosas, llenos de esperanza ante situaciones tan extremas son algo agridulce para mi y más aún viendo la primera versión en la que el “héroe” cae abatido por esa especie de vampiros-zombies que resulta a la final, un desenlace triste pero justo con su historia.

Lo Mejor de la película: El diseño de producción y la actuación de Will Smith

Lo Peor: La adaptación

Les dejó los enlaces de la dos versiones creadas anteriormente de esta novela.

El Último Hombre en la Tierra: Ver Película

Omega Man: Ver Trailer

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Me despido no si antes decirles que nuestro próximo CineVistazo será para la película EL REINO. Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Soy leyenda dice: “Para los que hayan leído el libro la desilusión es total, ya que tan sólo comparte con la obra el título y el nombre del protagonista pero unos humanos que, lejos de ser vampiros, tan sólo sufren una severa alergia al sol para que podamos disfrutar viéndoles chamuscarse a la luz del día”.

Tucumanga dice: “Después de ver Resident Evil y un montón de películas similares, ésta no aporta mucho salvo escenarios y efectos especiales que deben haber costado millones de dólares y que las otras producciones no se pudieron pagar. En realidad, la película se encuentra en una constante cuerda floja entre ser “buena” (apenas) y el haber malgastado nuestro dinero”.

Crítica Película 30 Days of Night – 30 Días de Noche
diciembre 6, 2007
LA FICHA TÉCNICA
Calificación de CineVista:
Género: Terror
Director: David Slade
Reparto: Josh Hartnett (Eben Oleson), Melissa George (Stella Oleson), Danny Huston (Marlow), Ben Foster, Mark Boone Junior (Beau Brower)
Guión: Steve Niles, Stuart Beattie y Brian Nelson
Duración: 1:53 Min
Página Oficial: Ver Aquí
Trailer: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007

(Abstente de leer y/o escuchar esta reseña si no haz ido a verla y piensas hacerlo. Comento algunos detalles con el fin de poder dar mi opinión)

Si lo prefiere, escucha esta reseña aquí:

LA SINOPSIS
Barrow es un pequeño pueblo de Alaska que cada año sufre 30 días de completa oscuridad. 30 días de noche narra los hechos que tienen lugar un año en el que un grupo de vampiros, conociendo esta peculiaridad geográfica del pueblecito, deciden hacer una “visita organizada” a la localidad, aprovechando que durante 30 días podrán campar a sus anchas sin preocuparse de la luz del sol, mientras que el sheriff del pueblo y su esposa (que es también su ayudante) intentan mantener con vida a los habitantes del pueblo, conseguir ayuda del exterior y buscar un modo de acabar con los vampiros para salir con vida.

LA RESEÑA CRÍTICA
Han sido muy pocas las cintas que logran quedarse en mi memoria del género zombie y/o de vampiros. Sin embargo 30 días de Oscuridad es la excepción a algo que ya consideraba una regla personal. Esta película que se estrenó en Estados Unidos en la pasada temporada de Halloween, es la versión cinematográfica de un cómic de Steven Niles que participó del guión para esta versión y Ben Templesmith cuya idea inicial fue pensada para ser llevada a pantalla gigante pero ante las negativas recibidas, se convirtió en un exitoso cómic cuya primera publicación se dio en el año 2002. En países como Estados Unidos y España, las entregas de este cómic han superado ventas impensables, convirtiéndola en el 3er cómic en formato más vendido en el mundo.

En esta ocasión los vampiros se toman a Barrow en Alaska, que es la región más septentrional de los Estados Unidos y la población ubicada más al norte de todo el mundo para hacer de las suyas, tomando ventaja del evento que año tras año ocurre ahí, al quedarse la población dos meses, exactamente, en completa oscuridad durante la temporada de invierno. Por tanto las condiciones naturales de Barrow, convierten a sus habitantes en el festín ideal para estos vampiros, impresionando el ambiente claustrofóbico que se genera a causa de la ausencia de luz.

Es una 1:53 minutos donde se evoca el género del terror a la antigua y donde el suspenso se planeó estratégicamente en cada una de las escenas con un ritmo ágil que contradice lo que algunos comentarios mencionaron anticipadamente al respecto. Seduce la caracterización aterradora que se le hizo a esta “especie” y el idioma no entendible en el que se comunican. En este punto, me sumo a las voces que resaltan esto y mencionan que el idioma extraño que hablan los vampiros, le de más credibilidad a la cinta, a diferencia de muchas otras películas, en donde seres venidos de mundos lejanos o incluso del nuestro pero totalmente aislados a nuestra forma de vida, pueden entendernos y aún mejor entablar conversaciones con nosotros. Además como seres que actúan casi como animales la utilización de este recurso para bien de film es mínima.

En 30 días de Oscuridad o de Noche como se tradujo en Colombia, no hay cabida para la salvación religiosa, pues ningún instrumento santo es válido para darles por terminado. Aquí solamente es acabarlos sanguinariamente y de forma despiadada como ellos mismos lo hacen con los humanos. Por tal razón, la sangre rueda por todas partes pero no hastía. En una de los apartes de la película, vemos como hasta los niños no se escapan de caer presos por esta especie y como una aparente “dulce niña” les complica por algunos minutos la existencia a los que áun sobreviven. Me agradó la astucia con la que el director, David Slade, con éste su segundo thriller, resuelve este problema, dejándole su exterminio a manos de un joven y no de un adulto. De hecho, el director se encarga de dejar bien en claro la incapacidad por razones morales, tanto del protagonista y otros personajes, por acabar con la niña ahora convertida en un monstruo. Y tras toda esta seria de aciertos y acontecimientos bien manejados, llega su final inesperado, alejado de cualquier terminación rosa pero con una gran belleza a su vez, con lo cual uno sale satisfecho del cine y con un muy buen sabor de boca.

Como toda película de héroes y villanos, la batalla se da, pero no se le sacó el provecho suficiente. Este es su mayor fallo. La lucha entre el protagonista, un alguacil y el vampiro rey de la manada, se da de forma insulsa y bastante sencilla a diferencia de lo que según los seguidores del cómic ocurre. Por lo demás y gracias a la participación del mismo creador en el guión de la película, se distingue la uno de la otra solo por algunos detalles. El otro punto, son sus actores principales, Josh Hartnett que aún no suupera su aclamada actuación en Black Haw Derribado de 2001, pero que sorprede por su versatilidad ya que lo hemos visto en diversos papeles en casi todos los géneros y Melissa George recordada por su papel en la pelicula Turistas del año pasado, pues ambos hacen su trabajo aunque tampoco logran sobresalir, especialmente Mellissa cuya actuación resulta poco espontánea.

30 días de Oscuridad no termina por estrenarse en todo el mundo y hará parte de la cartelera de muchos países el próximo año, así que la recomiendo pues es una versión vampirezca bastante tenebrosa y entretenida. No alcanza hacer la versión de culto que muchos podrían esperar, pero si se convertirá sin duda, en un nuevo punto de referencia para copiar y considerar a la hora de realizar una nueva versión.

Lo Mejor de la Película: El final

Lo Peor: La batalla entre el héroe y el villano

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Conversar de Películas dice: “No se la recomiendo a todos, pero pienso que sí tiene aspectos muy positivos. La caracterización de los vampiros es estupenda (no es para menos, es de los mismos neozelandeses que “maquillaron” a los orks en El Señor de los Anillos)”.

Lucas Robledo dice: .. “una historia de vampiros llamativa y original por 2 motivos: primero, el hecho de que atacaban en Alaska, un lugar donde durante 30 días es de noche, por una cuestión geográfica. Y el segundo, era el tipo de dibujo, sobre todo el plasmado de sus colores, semejantes al óleo, con interesantes contrastes y personajes exageradamente morbosos en cuanto a su diseño..”


Otras Películas del Director:
Película: Hard Candy
Género: Terror
Año: 2005

Crítica Película Vacancy – Hotel Sin Salida
diciembre 4, 2007
Calificación de CineVista:
Título Original: Vacancy
Género: Thriller, Terror
Director: Nimród Antal
Reparto: Luke Wilson (David Fox), Kate Beckinsale (Amy Fox), Frank Whaley (Mason), Ethan Embry (mecánico)
Guión: Mark L. Smith
Duración: 1:25 Min
Página Oficial: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

Si lo prefieres escucha aquí esta reseña:


LA SINOPSIS
Un desvío tarde por la noche lleva a una inimaginable pesadilla cuando el auto de una pareja se descompone en una carretera remota. Encontrándose desamparados en una obscura y desierta carretera de dos carriles, David Fox y su próxima ex esposa Amy son forzados a pasar la noche en un sórdido motel administrado por un extraño pero aparentemente inofensivo propietario.

Antes de comenzar la crítica de esta película, les anticipo que durante este mes de diciembre, haré reseñas de filmes que se me quedaron en el tintero porque no los vi en su momento, porque no me llamaron lo suficientemente la atención para comentarlas o porque los vi pero no alcancé hacer la crítica correspondiente. Todo esto tomando ventaja del poco cine que llega a mi país por esta época y para aprovechar y hacer un recuento de las cintas que nos llegaron y las que no. No siendo más, entonces dediquemos a lo que nos compete.

LA RESEÑA CRÍTICA
Vacancy, Hotel sin salida o Habitación sin salida como ha sido traducida en diversos países, es un film que tuvimos la oportunidad de ver en Colombia varios meses atrás y que actualmente hace parte de la cartelera de España. La dirección le corresponde a Nimród Antal un joven director americano, reconocido por su ópera prima llamada Kontroll del año 2003 y que ganó varios reconocimientos en distintos festivales como el de Cannes, Filadelfia, Chicago y Varsovia en el 2004.

Habitación Sin Salida es una película que combina varias cosas interesantes para su género. Podemos ver que la historia está enmarcada dentro de un thriller psicológico, elemento que funciona muy bien en las películas de suspenso y terror y que para fortuna de Vacancy, no es la excepción, que además basa su trama en un tema que genera por si solo repugnancia y mucho temor con es el caso de los videos snuff que ya ha sido explorado en el cine y que incluso pudimos ver este año con la segunda entrega de Hostel (Ver Crítica) producida por Quentin Tarantino. La diferencia con Hostel es que este joven director incorpora, para mi gusto, el elemento gore de forma muy sutil y estrictamente limitada; dándole así gotas de realismo a la historia.

La atmósfera creada en Habitación Sin Salida es muy bien lograda, al igual que la escenografía que tomó un realismo asombroso. El hotel y la gasolinera fueron totalmente construidos en el mayor estudio del mundo, donde se han filmado grandes películas como Spiderman y El Mago de Oz, que le pertenece a la Sony Pictures. Puedo decirles entonces, que son estas dos cosas; la atmósfera y escenografía o ambiente, lo que más sobresale de esta película.

Basado en una buena historia que se le ocurrió al guionista 8 años atrás viajando por una carretera secundaria de México junto a su esposa, la película no conlleva a buen término la intención que se propone. Los primeros minutos son atractivos y hacen suponer que el film va a prometer, pero se hizo necesario 20 minutos de su corto metraje (1:25 Min), para entrenarnos en diálogos entre una pareja a punto de separarse que a ratos cansan porque ya los conocemos como la palma de nuestras manos. Sin embargo, son 20 minutos que a pesar de su letargo, se dejan ver pero se convierten en su peor enemigo, pues la acción que el director reprime en el espectador necesita ser doblemente saciada en los minutos siguientes. Desafortunadamente, el desenlace y aún mucho más su final, son la peor cosa de esta película, pues comienza a comportarse como un thriller barato más, que se vuelve absolutamente predecible y que toma todos los clichés del cine de este género con el detonante de manejarlos precariamente.

La cuestión aquí no recae exactamente en los actores, aunque tampoco se les notó mucho esfuerzo por convencer. Estoy hablando de Luke Wilson, más recordado por sus papeles en la comedia y Kate Beckinsale que ha tenido la grandiosa oportunidad de actuar en super producciones como, Aviador de 2004, las dos partes de Inframundo de 2003 y 2006, y Pearl Harbor del año 2001.

Hotel Sin Salida es muy poco recomendable y debió quedarse sin posibilidades de salida como película para televisión.

Lo Mejor de la cinta: La atmósfera, iluminación, ambiente, escenografía

Lo Peor: El ritmo que la hace eterna a pesar de su corta duración


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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Ktarsis dice: .. “Sin tener que buscar mucho en la filmoteca, uno se pregunta cómo este tipo de locales sigue haciendo negocio”.

Desde un blog dice: “Evítense la pena de ver esta película que es un gran churrazo… una perdida total de tiempo. Si no hay nada mas en el cine y no les queda otra que ver, entren pero ya los advierto que es un fraude para ser una película de terror”.

Reducto Cinéfilo dice: “En definitiva una película olvidable, solo para fans del cine fantástico en general, y del slasher en particular (aunque apenas hay sangre en pantalla), la cual tiene algún puntual acierto de puesta en escena y argumental, pero que resulta tan llena de tópicos que a medida que avanza la película se sigue por inercia más que por ningún interés, porque se hace absolutamente previsible”.

Otras Películas del Director

Nombre: Kontroll
Género: Thriller
Año: 2003

Crítica Película Bee Movie – Historia de una Abeja
diciembre 3, 2007
Calificación CineVista:
Título Original: Bee Movie
Género: Animación
Directores: Steve Hickner y Simon J. Smith.
Reparto /Doblaje: Jerry Seinfeld (Barry B. Benson), Renée Zellweger (Vanessa), Matthew Broderick (Adam Flayman), John Goodman (Layton T. Montgomery), Chris Rock (Picacuernos), Kathy Bates (Janet Benson), Patrick Warburton (Ken), Barry Levinson (Martin Benson), Megan Mullally (Trudy), Larry Miller (Buzzwell), Rip Torn (Lou Lo Duca).
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:30 Min
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí (en inglés)

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LA SINOPSIS
Una abeja llamada Barry B. Benson acaba de graduarse de la universidad, pero le invade la desilusión cuando comprende que sólo tiene una opción profesional: la miel. Entonces sale por primera vez de la colmena y transgrede una de las reglas cardinales del mundo de las abejas al hablar con un ser humano, una florista de Nueva York llamada Vanessa. Barry se queda atónito al averiguar que los humanos llevan siglos robando la miel de las abejas, y, de este modo, descubre cuál es su auténtica vocación: restablecer el orden y demandar a la raza humana por robar la miel.

LA RESEÑA CRÍTICA
Bee Movie o Historia de Una Abeja es la nueva cinta de DreamWorks después de Shrek Tercero de la pasada temporada vacacional de mitad de año, con la que se estrena el aclamado cómico estadounidense Jerry Seinfield en la pantalla gigante. Él fue el guionista, productor y protagonista de esta cinta que se originó por casualidad en una reunión que sostenía el cómico con Steven Spielberg desde hace cuatro años atrás. Todo partió del título, Bee Movie, cuya pronunciación se asemeja, en el ingles, a las películas de clase B; es decir, aquellas que tienen un bajo presupuesto. Y desde este pequeño pero igual importante detalle, comienza a notarse en Historia de una Abeja el sello que impone este novato guionista y productor.

Este film logró reunir también un importante grupo humano tanto en voces como las de los conocidos actores Renée Zellweger y el cómico Chris Rock, como en producción, entre los que se cuenta el luminotécnico colombiano William Arias y con los cuales se consigue una cinta técnicamente impecable. El género de la animación cada día nos sorprende más de forma muy grata y se ha convertido en uno de los mayores atractivos del cine norteamericano. Justamente es este aspecto el que más se puede disfrutar de la cinta. La textura de los cabellos, la tez de sus personajes, la fabulosa e increíble espesura de la miel, que por cierto representó un gran reto para la producción y que gracias al apoyo de la HP pudo lograrse, al igual que el aleteo de las abejas en la que fue necesario mejorar la tecnología usada en la madrina de Shrek para incorporarla a este proyecto en su versión mejorada. También se rescata el gran esfuerzo para lograr las escenas entre sus personajes principales, desiguales en estatura, ya que como sabrán algunos, esto representa todo un reto poder capturarlas en un mismo fotograma cuando se filman a la vez.

El “tinte” cómico de la película, aspecto infaltable conociendo los antecedentes, fue manejado con una sutiliza encantadora. El cómico aprovecha su gran talento para satirizar el comportamiento humano natural, al creerse el único poseedor de los bienes de la naturaleza. La capacidad creativa de Seinfield para idear y llevarnos a ese mundo imaginario de las abejas, es muy grande. Somos muchos los que en diversas ocasiones pensamos o inventamos en nuestra mente la forma como piensan diversos animales: las hormigas, los gatos, los perros, etc y Seinfield, supo hacer esto a la perfección llevándolo a la realidad más cercana que podemos conocer sobre este aspecto: el cine. Además de este modo consigue saciar el sueño de quienes solemos crear este tipo de historias pero que se quedan reservadas al plano netamente personal. Realmente se logró plasmar en imágenes como piensan las abejas, que hacen las abejas, como sienten y como nos ven. Creer como abejas, pensar como abejas fue una premisa fundamental en la historia que fue cumplida a cabalidad.

Pero se hace inevitable compararla con la extraordinaria película de Pixar, la dura competencia de DreamWorks, “Ratatouille” (leer aquí la crítica), que impuso un punto muy elevado en el género de la animación y que desde que la vi, anticipaba que difícilmente podría lograrse, al menos por este año, algo que la superara ya que Ratatouille combina magistralmente la técnica con la historia, algo que le falta a Bee Movie. Historia de Una Abeja se queda en cuanto a trama y narración se refiere, pues se cuentan de una forma tan despreocupada que se pierde hilaridad y cohesión, es fácil ver como de un suceso se pasa a otro restándole gran importancia a las explicaciones. Es más, pude incluso encontrar un gran parecido físico entre los personajes animados femeninos de ambas cintas que me causó mucha curiosidad y perspicacia. Como también me pregunté: Será que estaremos dando los primeros pasos a la etapa en la que crearemos verdaderas actrices animadas? Y no me refiero a los ya creadas como Peggy, Deysi, etc. En cuanto a esto les dejo las fotos para que juzguen ustedes mismos, además por loco que suene todo es posible. Bee Movie ha logrado recaudar después de su estreno en Estados Unidos el 2 de Noviembre y a hoy en diversos países, un total de 137 millones de dólares; mientras que Ratatouille se acercó a los 610 millones, por algo será.

Historia de una Abeja a la final me quedó debiendo más emoción y carisma a la hora de narrar la trama y por tal razón no me resultó tan atrayente y completa, pero probablemente hará parte de las 3 finalistas a disputar el premio Oscar dentro de esta categoría gracias a su factura técnica. Es una cinta que recomiendo ver poniendo atención con lupa a los detalles de cada escena sin preocuparse por perderse de su floja estructura narrativa.

Lo que más me gusto: la animación

Lo que menos me gustó: la narración

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Maxicine dice: “Una película infravalorada en su país de origen, que no llega a ser obra maestra, pero igualmente, no es la bazofia que los americanos se encargaron de vapulear..”

El blog de RG dice: “A pesar de haber sido recibida fríamente por la crítica norteamericana en una injusta
comparación con la ambiciosa Ratatouille, Bee Movie cumple de sobra con su propósito: hacer reír”.

Crítica: Leones Por Corderos
noviembre 18, 2007
Calificación CineVista:
Título Original: Lions for lambs
Género: Drama político
Director: Robert Redford
Reparto: Robert Redford (Dr. Stephen Malley), Meryl Streep (Janine Roth), Tom Cruise (senador Jasper Irving), Michael Peña (Ernest), Andrew Garfield (Todd), Peter Berg (teniente coronel Falco), Derek Luke (Arian)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:36 Min
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

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LA SINOPSIS
Cuenta la historia de varios individuos en distintas situaciones personales al finalizar la guerra de Afganistán: un político, intentando tejer una de las últimas “estrategias exhaustivas” alrededor de una periodista de una agencia de noticias; un catedrático idealista intentando convencer a uno de sus alumnos más prometedores de la necesidad de cambiar el curso de su vida; y dos hombres jóvenes, cuya necesidad de vivir una vida con cierto sentido les llevó a enrolarse en el ejercito americano y en la guerra de Afganistán.


LA RESEÑA CRÍTICA
Después de lo ocurrido el 11 de septiembre de 2001, la historia y sobre todo la de los norteamericanos se dividió en dos. En los últimos años hemos podido disfrutar de varias cintas que toman de forma directa o indirecta este hecho que aún le duele al mundo entero. Pero dentro de todo lo elaborado hasta el momento, destaco este nuevo filme dirigido, producido y actuado por Robert Redford que desde hacía 7 años se encontraba ausente del tema de la dirección de películas después de la cinta “La Leyenda de Bagger Vance”. Y es que dentro de todo lo realizado esta tiene un carácter político y de cierta denuncia interesante, audaz, atrevido y muy inteligente que tras de todo, nos pone sobre la mesa los elementos necesarios para enfocarnos en una reflexión profunda.

Leones por Corderos se estructura dentro de un momento supremamente actual, tomando sucesos, involucrando personajes e instituciones o sistemas vitales y espinosos en los eventos que hoy por hoy, se han desarrollado como consecuencia del 11S. Tres específicamente son estos elementos que Redford pone en juego: como lugar, utiliza la guerra de Afganistán, como sistema la política con el peso de todo su poder y como personajes a un político, una periodista y un profesor idealista. Con ellos construye una película donde se plantea a cada minuto la importancia de tomar acciones frente a lo que ocurre a nuestro alrededor y castiga nuestra indiferencia y desidia por afrontarlos y ser verdaderamente parta de ellos, porque realmente lo somos. Estos tres personajes representan un contraste de nuestra sociedad, sin lugar a dudas, pero que en esencia, encierran el alma de las 3 profesiones que más pueden influenciar la mente y el pensamiento colectivo.

El mismo Redford encarna uno de estos personajes, el profesor idealista, el resto lo componen la 2 veces ganadora al Oscar Meryl Streep y casi vitalicia en las nominaciones que hace el papel de periodista y quien comparte por primera vez set con Tom Cruise, productor además de este proyecto. Con ellos se construye unos diálogos muy buenos, largos y pesados que no han de ser del agrado de todo el público pero que encierran planteamientos que van más allá de una discusión superflua sin sentido. Involucrar la importancia que cobran los medios en este tipo de problemáticas es algo trascendental. Un leve sentimiento de culpa deja entrever esta cinta a los corderos de los medios de comunicación a la hora de asumir con responsabilidad el poder que manejan. Responsabilidad que a pasado desapercibida, pues no debemos desconocer que los leones politiqueros han coartado la estricta libertad que los medios de comunicación poseen. Un contrasentido debatible de la película por la razón que les acabo de exponer.

Otro de los planteamientos interesantes es el del profesor idealista que pretende con su sapiencia producir cambios o ser un hilo conductor de las dispersas mentes juveniles. Pero que a su vez se contrapone al final de la película, como consecuencia de la decisión que dos de sus alumnos toman de actuar con cordura y responsabilidad frente a la sociedad. Es este punto el que más controversia e inquietud genera al salir del cinema. Preguntas como: ¿Vale la pena salir de la comodidad para luchar por unos ideales confusos en pro de adquirir la paz a como de lugar?, ¿Vale la pena dejar, aunque sea por algún tiempo, nuestra vida cotidiana: estudio, trabajo, etc, para luchar con garantías limitadas? Y si interiorizo más esta problemática, podría preguntar: ¿Dejaría a un hijo enfilarse dentro de una guerra, como dura cuota que la sociedad me impone por hacer parte de ella?, son algunos de los cuestionamientos que fácil y profundamente nos deja esta cinta.

Sorprende la mesura con la que se exponen teorías total y absolutamente subjetivas acerca de la política exterior de los Estados Unidos. Sin embargo, es esa misma subjetividad, la que puede incomodar a muchos espectadores que ven ella un film politiquero, adecuado solamente como recurso o casi un grito desesperado de los retractores de Bush, próximo a terminar su segundo mandato presidencial. En este aspecto, puedo decir que Leones por Corderos recrea una situación muy íntima de los norteamericanos y su sistema político que es un altavoz de un porcentaje considerable de aquellos que no comparten la guerra absurda que les ha costado infinidad de dólares y que los ha sumergido en deudas impensables años atrás, así sea que se realicen bajo la excusa de aplicar justicia a un hecho que costó la vida de más de 2.000 personas inocentes. Además considero que más que discutir las decisiones de un gobierno, esta película pone de manifiesto, la primerísima necesidad de poner frente a todo lo que sucede en nuestro entorno y nos despierta sobre la importancia de tomar acciones como parte de un grupo al que pertenecemos, es para mí un “basta ya de ignorar”, deja de ser cordero y conviértete en un león furioso que defiende con compromiso los intereses propios y los de los demás bajo principios de armonía y paz.

Por otra parte, al centrar la trama en 3 espacios distintos, la narrativa de la película se pierde un poco, además de plantear un ritmo propio para cada situación lo que “enloquece” de cierto modo al público y lo que le quite los puntos necesarios para ser una película perfecta. A pesar de ello, rescato de esta cinta el esfuerzo por alejarse de aquellas producciones tradicionales de la cinematografía comercial de la mayor industria del cine y dejarse ver como una película casi de tipo independiente a costa de los riesgos que ello implica. De hecho a una semana de su estreno ha logrado recaudar poco más de 20 millones de dólares.

Reconociendo que no es una película para todo tipo de espectadores, la recomiendo pues es interesante, genera debate, es ética, tiene una capacidad inmensa para ponernos a pensar y reflexionar sobre nuestras actuaciones y para muchos críticos hará parte de las nominadas en los próximos premios Oscar con aspiración verdadera a llevarse alguno. Veremos que sucede.

Lo que más me gustó: Los diálogos, el guión

Lo que menos me gustó: El ritmo, la narrativa.

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Sin pelos en la lengua dice: ..”sin duda alguna, el principal logro de la película es el especial énfasis que Robert Redford da al hecho de que no hay un único culpable ni para éste ni para ningún otro conflicto, pues la indiferencia, la desidia, la apatía y la indolencia nos hacen, en buena parte, cómplices de todo aquello por lo que nos quejamos, sin tratar de hacer nada al respecto”.

24 por segundo dice: “Como una gran película, o te gusta, o te disgusta, pero si te disgusta te disgusta mucho. He leído por ahí que esta es como una película de Michael Moore, pero sin gracia, sin ir tan a saco y sin dar datos reveladores. Puede que sea así, pero refleja el momento actual y la realidad de una manera apabullante, con un realismo extremo, cosas que Moore parece que cuente medio en broma medio en serio”.

No me parece dice: “… Leones y corderos” no es la típica expresión de corrección política de la izquierda de Hollywood y plantea dilemas reales sin pintar como villanos a los de su vereda de enfrente a pesar de que fue acusado de eso”.

Otras Películas del Director


Película Género Año
El hombre que susurraba a los caballos Drama 1998
La leyenda de Bagger Vance Drama 2000
Película El Cantante – Ídolo o antiheroína?
noviembre 15, 2007
Calificación CineVista:
Género: Biopic, drama, musical.
Dirección: Leon Ichaso
Reparto: Marc Anthony (Héctor Lavoe), Jennifer Lopez (Puchi), John Ortiz (Willie Colón), Manny Perez (Eddie)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:56 Min
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

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LA SINOPSIS
La película relata la vida del cantante puertorriqueño Héctor Lavoe, conocido como “Cantante de los cantantes”, que introdujo la música salsa en Estados Unidos en los años 70, y cuya carrera quedó truncada por su adicción a la heroína.

LA RESEÑA CRÍTICA
Desde el pasado 30 de Julio en uno de los CineVistAZOS, anunciaba la llegada de este cinta a las carteleras del cine norteamericano a partir del 1ro de agosto, tras su presentación en el Festival de Cine de Toronto. Ahora 3 meses después llega esta película a la pantalla gigante de nuestro país cargada de noticias desesperanzadoras y una taquilla pobre que no sobrepasa los 8 millones de dólares, pero que como lo decía desde aquel entonces, para aquellos amantes del género y conocemos el legado de Héctor Lavoe se hace inevitable verla.

La película El Cantante inició su rodaje en New York el 05 de diciembre de 2005 y lo finalizó durante las primeras semanas de febrero de 2006. Marc Anthony encarna entonces a “el cantante de los cantantes”, don Héctor Pérez Martínez, nombre de pila del conocido, recordado y admirado Héctor Lavoe mientras que Jennifer López, productora además de este proyecto, encarna a Puchi su esposa que falleció en el año 2002 antes de que López pudiera conocerla. Su interpretación cobro vida gracias a diversos videos y entrevistas que JLO analizó sobre ella. Por otra parte León Ichaso, reconocido por dirigir en algunas ocasiones el show “Saturday Night Live”, series como “Miami Vice” y películas para televisión como “Un beso hasta morir”, fue el responsable de darle un sentido y finalidad a este film, de otorgarle credibilidad a la actuación de Marc Anthony y dirigir a esta pareja de esposos que participan por primera vez juntos en una película.

Admiro la ambición de JLO y Marc Anthony al querer realizar una película biográfica de un artista tan admirado y venerado como lo es Héctor Lavoe, pero a su vez tan complejo que aún hoy mueve a centenares de seguidores que año tras año celebran su vida y música. Inmiscuirse en los terrenos de unos fanáticos, independientemente a lo buena o mala que resulta la cinta, es algo complicado, muy difícil de manejar y es lo primero que de entrada rescato y me merece por lo menos en mi caso, media estrella. Tal es el fanatismo que genera el cantante de los cantantes que al momento de recrear uno de los instantes más importantes y emotivos de Lavoe; estamos hablando de su concierto en el Madison Square Garden, la producción no necesito de tanto esfuerzo y todo salió naturalmente gracias a la admiración de su público. La escena se recreó en Puerto Rico donde fueron invitados la gente del común como extras. Todos llegaron vestidos de la época, con pancartas y sin ser requeridos, gritaban y coreaban “Que salga Héctor”, momentos que sin duda son emotivos y que solo se logran por artistas que dejan huella en su gente. La caracterización que se le hizo a Anthony fue casi perfecta tanto en maquillaje y vestuario, como en interpretación; sus ademanes y expresiones fueron muy bien calcadas. Finalmente está la música bien interpretada por Anthony que acompaña los momentos cruciales de esta historia y que se convierten en lo mejor de esta película.

Cuando el proyecto se creo, la producción pensó en realizar un film que celebrara la vida y música de este artista y además revelara su vida no solo como arquitecto de la salsa sino también dentro de su conducta autodestructiva. Esta última intención se cumple a cabalidad, pero la primera al paso del desarrollo de la historia se pierde totalmente. Al final de la cinta lo que te queda es un triste resumen de un Lavoe melancólico, triste, sin coraje casi un antihéroe que para quienes no lo conocieron deja interrogantes y dudas sobre su fama y legado. Hubo en la cinta cierta manía por recrear y ahondar más sobre su pasado oscuro, casi al punto de auto culparlo, regalándole al público una razón escueta y hasta justa de su muerte.

Sin que se quiera desconocer la cruda realidad de este artista, la cinta falla al intentar desmitificar la gran admiración que los fanáticos sienten por él, además desconocer los aspectos positivos por los cuales sigue siendo recordado, que sin duda, debieron ser más fuertes que sus defectos de carácter, para que aún hoy sea tan venerado y seguido por tanta gente incluso de generaciones posteriores. A parte de ello, el ritmo se me hizo soso, lento y con falta de narrativa. Desconozco hasta que punto se contó con la participación de su público seguidor, pues estos hubiesen sido los mejores guías para descubrir y develar en la película, el lado humano de este súper artista y así reivindicar ambos aspectos. Yo no imagino una película de Diego Armando Maradona en donde solo se destaque su adicción a las drogas para justificar su condición actual. Esto es algo que no se pensó en la producción definitivamente. Además fueron muy osados al dejar como causa de su muerte el sida, pues es un tema que hasta hoy se sigue debatiendo, como también el hecho no hacer mención alguna de la hija del artista llamada Leslie. Estoy de acuerdo con las palabras que expresó Willie Colon en su página web tras conocer el film: “Los responsables de la película perdieron la oportunidad de hacer algo relevante para la comunidad hispana”.

Lo que mas me gustó de la cinta: la interpretación y caracterización de Marc Anthony

Lo que menos me gustó: el enfoque y el ritmo

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Otras Películas del Director

Película Género Año
Poder, Pasión y Crimen Drama 1984
Verónica Clare Intriga 1991
Zooman Drama 1993
Sugar Hill Drama 1995
Azúcar Amarga Drama 1996
Execution Drama 1999
La Ministra Inmoral – Inmoral pero para el Cine Colombiano
noviembre 8, 2007
Calificación CineVista:
Género: Drama
Director: Julio Lizardo y Celmira Zuluaga
Reparto: Ruddy Rodríguez (Gilma Zuleta, La Ministra), Claude Pimont (Simón), Catalina Lago (Andrea), Valeria Esteban (Paula), Maria Fernanda Martínez (La tuerta), Miguel (Giovanni Ramos), Hernando (Julio César Herrera), Alirio (Hebert King)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:50 Min
País: Colombia
Año: 2007

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SINOPSIS
En un gobierno cualquiera, se distinguió una exitosa mujer Gilma Zuleta, Ministra de la República que con su inteligencia y belleza lo alcanzó todo menos el amor. Al encontrarse en la cúspide de su carrera, la Ministra sufre una enfermedad bipolar que le desequilibra el litio en su organismo ocasionándole una profunda depresión con fuertes cambios de comportamiento que la induce a tomar la decisión de quitarse la vida. No siendo capaz de suicidarse por su propia mano, encuentra la forma perfecta para no empañar esa imagen que pasaría a la historia y es ahí cuando Alirio, un ex sicario rehabilitado en su Fundación y su servidor de confianza durante años, es utilizado por la Ministra bajo engaños y una fuerte suma de dinero para que la contacte con un asesino a sueldo y así lograr darle fin a sus días.


RESEÑA CRÍTICA
Esta es la primera película de la libretista colombiana Celmira Zuluaga que se basa según lo ha expresado a diversos medios en un caso real que además, hace parte de un libro escrito por ella misma y con igual nombre. La Ministra Inmoral es la primera cinta colombiana en ser distribuida y comercializada por Sony Pictures, hecho que ha sido marcado como un hito en la historia del cine de nuestro país. Lo cierto es que este film no solo marcará un hito por tal suceso, sino que también lo hará por el hecho de ser una de las películas más malas que ha producido Colombia. La suerte que tuvo esta cinta al lograr ser distribuída por la Sony, no ratifica en lo absoluto su condición de buena película con una buena calidad al analizarla con detenimiento.

Después de haber visto a comienzos de año la desafortunada cinta “Al Final del Espectro” (click para ver el comentario de CineVista), yo pensé que nada más, al menos por este año, iba ser capaz de superarle, pero muy a mi pesar nos topamos con el estreno de esta película que narra una historia que siendo real, se aleja totalmente de este aspecto a tal punto de hacer pensar que pareciera increíble que haya sido tomada de hechos vividos por alguien. Son muchas las cosas que se pueden calificar de absurdas en esta película comenzando entonces por su historia y lo mal narrada que resulta. Los argumentos que soportan la sinopsis son nulos, carecen de coherencia y no existe el mínimo esfuerzo por dar explicación a los acontecimientos que desencadenan la trama, hay muchas situaciones que se manejaron de forma aislada. Se hace notorio una incapacidad de traducir en imágenes el propósito que muy probablemente tenga el libro; es decir, la intencionalidad tampoca se logra. De hecho uno se entera de la enfermedad de la ministra gracias a la sinopsis y no porque en la película lo proyecten claramente. En ella se hace mención a los desniveles del litio, pero quienes no conozcan sobre el tema, sencillamente quedará como una pieza suelta mas dentro de la historia y particularmente considero que quienes no conozcan de los detalles de la enfermedad bipolar, no estan cometiendo una falta contra lo que todos debemos saber de “cultura general”.

Aunque ha sido catalogada como drama, entremezcla varios instantes de comedia que rayan en lo ridículo y que le quitan peso y seriedad al drama que vive esta mujer y aunque hayan incorporado este elemento gracioso en la cinta sin necesidad, no logró arrebatarme risa alguna. Y es que pareciera como si la comedia ya hiciera parte del manual de toda película colombiana, así esta sea la más terrible de las tragedias para poder ser viable. El ritmo es también toda una montaña rusa que lo que hace es agobiar al espectador al igual que la fotografía y el uso de la cámara. En general, las actuaciones son estereotipadas, exageradas y no se interiorizó en ningunos de los personajes, nisiquiera en el principal, lo que se refleja fielmente en la cinta. Pero esto no es culpa de los actores, sino más de las ordenes de la dirección. Algunos comentarios aseguran que La Ministra Inmoral es valida pues al final tiene un factor sopresa que la rescata y la hace distinta al final del libro; sin embargo yo no puedo ni siquiera resaltar este elemento diferenciador, pues hacia la mitad de la película ya se hizo evidente quienes eran los buenos y los malos, a pesar de que le dan un rodeo aburridor a este hecho.

La Ministra Inmoral es el típico caso de las historias sumamente interesantes con las que se encuentra un director, pero que a la final no logran ser bien llevadas a la pantalla gigante. Pienso que hubiera funcionado mucho mejor, si se hubiese explotado más el tema de la enfermedad bipolar y se hubiese convertido en un verdadero drama “psicológico” alejado de la comedia y aprovechando además, las grandes dotes histriónicas y carisma de Ruddy Rodríguez.

No es justo para el cine de nuestro país y para sus espectadores que se produzca este tipo de producto que lo que hace es demostrar con creces que estamos en punto nulo y que nos falta un trecho muy grande para seguir avanzando. De acuerdo estoy con los que dicen que esta cinta es una novela más de las que a diario se ven y que esta totalmente alejada de lo que podemos llamar ARTE. Una lástima, una verdadera lástima.

Lo que más me gustó de la película: nada

Lo que menos me gustó: la narración y la duración

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Lee Comentarios de Otros Bloggers sobre la película

Francisco Bermúdez Guerra dice: “La película tiene facetas cómicas, otras escenas no se entienden muy bien, y al final una moraleja que puede tranquilizar pero que también inquieta. Felicitaciones para los realizadores de esta película, ya que hacer cine no es fácil”.

Juan Manuel Rocha dice: “Ayer fui a ver la tan mencionada película “LA MINISTRA INMORAL” tuve que salirme faltando el fin pero creo no haberme perdido de nada. Que mala película, me sentí viendo los comienzos del cine colombiano, la edición un desastre, el sonido creí porque lo visto en otras películas había mejorado y los actores parecían presentando el examen de graduación de una academia de actuaciónAyer fui a ver la tan mencionada película “LA MINISTRA INMORAL” tuve que salirme faltando el fin pero creo no haberme perdido de nada”.

Carlos Ardila dice: “La historia es como sacada de una de esas leyendas urbanas y en verdad el tema se puede explotar, pero en la película creo que no se hizo muy bien. Muchos personajes sueltos sin explicación clara de su papel en la película…”

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