Cartelera de Cine

SINOPSIS
Adela es una adolescente desubicada y rebelde, que recientemente fue arrestada por mal comportamiento; su padre teme que ella afecte su campaña para Jefe de Gobierno, así que la ingresa en la escuela para señoritas más prestigiosa de la ciudad, cuya estricta directora garantiza que la convertirá en una “Diosa Doméstica”.

Junto a las comedias Lifting de Corazón de Argentina, Mi Mejor Amigo de Francia y El Regreso del Todo Poderoso que al parecer se rehusa a salir de carteleras, se está presentando esta nueva comedia mexicana producida por vez primera por Columbia Pictures, que además, fue rodada totalmente en dicho país, durante casi dos meses.

Niñas Mal es un filme que reúne a un equipo con mucha trayectoria y reconocimiento en ese país. Comenzando desde su director, Fernando Sariñana, un gustoso de este género, con películas como “Todo el Poder” de 1994, hasta el reparto que cuenta con famosos actores, actrices y cantantes de la tierra de los aztecas como: Martha Migadera, la protagonista, que ha sido distinguida con importantes premios como el “Diosa de Plata”, como actriz revelación de cine y por esa misma razón dos premios más: el “MTV Movie Award Latino” y el “Palmas de Oro”. Blanca Guerra, quien interpreta a Maca, una actriz con mucho recorrido en el séptimo arte mexicano, ha participado en más de 80 producciones, al igual que Zaide Silvia Gutiérrez que también se ha hecho partícipe en más de 30 producciones. Finalmente las jóvenes actrices y cantantes Camila Sodi y Ximena Sariñana, entre otros.

Por el estilo que guarda Niñas Mal y su producción, a los pocos minutos de estar viendola, no es difícil caer en cuenta que la película parece estar emulando las típicas comedias americanas. Y sin dudarlo es así, aunque yo no la juzgaría duramente por este aspecto, pues a pesar de hacerse muy notoria su intención, considero que no es una copia tan mala; además, este producto no logra hacernos temer que la cinematografía mexicana comenzará a producir cine menos auténtico, tradicional y basado en sus raíces y cultura.

Niñas Mal es una comedia extramedamente light, con un target muy limitado; es decir, el adolescente. Considero que díficilmente esta cinta va a logar sobresalir entre el público diferente al de esta edad. Como igual pienso que este filme resulta menos irritante para un público extranjero que para los espectadores de su propia casa, quienes están saciados con las historias de la exitosa serie Rebeldes, por citar un único ejemplo. La película entretiene y goza de varios momentos cómicos que hacen sacar unas generosas carcajadas, además las actuaciones que en términos generales la hacen soportable sin que se logre destacar alguien en especial, incluyendo dentro de este grupo a la premiada actriz principal. Su temática hace un llamado a la convivencia y tolerencia, sin embargo, al estar lleno de chistes tan simples, se pierde un poco esta intencionalidad. Creo que los valores que se quisieron expresar, serán a la final, los menos recordados de la película. Por el contrario la selección de más de 10 canciones que se realizó, son un muy buen acompañante a lo largo de su metraje. Entre dichas canciones están: “Niñas bien, niñas mal” de Pombo, “Niñas Mal” de Nikki Clan y “Como Soy” de Ximena Sariñana que interpreta el papel de Valentina, una lesbiana.

A pesar de todos los detalles que les he mecionado, a mi no me pareció un ejercicio tan desagradable el que quizo experimentar el cine mexicano junto a Columbia Pictures. Esta cinta mal que bien, será una nueva ventana que acercará aún más el cine de México a otros países, justamente por su naturaleza de comedia típica al estilo americano, que parece ser desde hace largo tiempo, el punto de referencia para este género. Obviamente no es la mejor película, pero igualmente lejos está de ser la peor.

Lo que más me gustó de la cinta: la música

Lo que menos me gustó: un comedia demasiado ligera

SINOPSIS
La vida de Linda Hanson (Sandra Bullock) es perfecta hasta que recibe una devastadora noticia: su esposo Jim ha fallecido en un accidente de tránsito. Al despertarse a la mañana siguiente, Linda descubre que su esposo aún esta vivo. En un principio, Linda cree que el accidente ha debido de ser una pesadilla hasta que ocurre de nuevo. Algunos días Jim sigue a su lado cuando se despierta, pero otros debe enfrentarse a la realidad de haberse quedado viuda. Por alguna razón inexplicable, los días están desordenados. La traumática premonición de Linda, desencadena una serie de extraños sucesos que alteran el tiempo. En un intento desesperado por salvar a su familia, Linda lucha furiosamente contra el tiempo y el destino para intentar conservar todo lo que ella y Jim han construido juntos.

En las principales ciudades de Colombia se está presentando la tercera película de suspenso de la queridísima actriz Sandra Bullock después de “La Red” del año 1995 y “Tiempo de Matar” del 2000. Premoniciones o Siete días como se ha titulado en otros países de habla castellana, no logra poner de acuerdo a la crítica que la acusa de predecible y lenta en su trasegar.

Antes de escoger al director que finalmente realizó la cinta, fueron 35 los directores que tuvieron en sus manos el guión de esta película. Pero fue el director, actor y productor alemán Mennan Yapo quien tomó las riendas de Premoniciones, escogido tras su película “Soundless”, un thriller psicológico con características similares a las de su nuevo reto, que se convirtió en el año 2000, en todo un éxito taquillero en Alemania y fue aclamada por los críticos internacionales.

La película toca un tema que sin duda es muy interesante y causa por su realismo mucho temor, a parte de referirse a un fenómeno del que no tenemos mucha explicación lógica y que en gran porcentaje, es una historia del gusto del público. Estamos hablando de las precogniciones que su protagonista Bullock sufre de forma reiterativa. Las precogniciones son esa capacidad de ver hechos futuros con gran detalle; tal como sucede en la cinta, a diferencia de las premociones que son esas sensaciones o presentimientos que algo va a suceder, desconociendo que es realmente. Es por esto que la cinta motiva verla a simple vista.

Entrada ya en Premoniciones, no me molestó la forma como el director mezcla géneros como el drama y el romance con el suspenso; de hecho me pareció muy valido, interesante y que le agrega mucho más realismo a la historia. Pero el problema es que estos géneros no se delimitan claramente en la cinta, causando confusión y dejando que la esencia de la película; es decir, el suspenso, pierda su valor. Es fácil a lo largo del filme involucrarse sentimentalmente y tomar partido más con la parte humana de su personaje principal y su familia, que por los fenómenos tenebrosos que le ocurren a ella. Adicionalmente, para agregarle complejidad a Premoniciones, el guión se entremezcla en dos tiempos y genera una “maraña” que aunque parezca compleja guarda mucha simplicidad; pues como el lego para los niños, el director va dejando pistas con una cámara de mano asegurándose así, que el público los note. Sin embargo, lo que parecía complejo y simple a la vez, termina por enredar a Yapo, quien crea muchas escenas con fallos evidentes, situaciones ilógicas, alargadas y con cierto cliché innecesario.

Resalto también, la atmósfera de pueblo pequeño que se creó para la cinta rodada en Shreveport, Lousiana, como la buena actuación de Bullock que entendió a la perfección el peso que sobre sus hombres recaía, demostrando que si es buena para este tipo de género más allá de lo bueno o malo que resulte ser este filme. El cambio a una cámara de mano cada vez que Linda, interpretada por Bullock, sufría un evento extraño, está también a favor de este película, al igual que su estructura no lineal. 7 Días es una cinta que pienso es del gusto de los espectadores promedios que van a cine solo como medio de diversión y no desean percatarse o ahondar en los detalles adicionales.

Confieso que soy amante a este tipo de historias, pero fue un poco desilusionante su resultado final. No obstante, la película se deja ver gracias a la presencia de la adorable Bullock. Un recomendado más para disfrutar en casa con un género complicado de definir.

Lo que más me gustó: La estructura no lineal y la actuación de Sandra Bullock

Lo que menos me gusta: La dirección

SINOPSIS
“El Flaco” huye hacia Londres debido a las amenazas dirigidas a su madre. Unos meses después regresa y encuentra a la ciudad igual como la dejó. Sus mejores amigos “Caliche”, “Comadreja” y “Malala”, junto con “Pipe”, un adicto a las drogas van a recogerlo al aeropuerto en su “Bola de Nieve”, una van que se ha convertido en el refugio de todos ellos y en la que han recorrido kilómetros juntos.

Inspirado en la desaparación de un amigo que viajó a Ginebra, Suiza a estudiar artes, sin que hasta ahora se tenga noticias de él, el director, guionista y comunicador social colombiano de esta cinta, Javier Mejía, creó Apocalipsur como excusa para homenajear la vida de su amigo y recreó toda una historia alrededor de la Medellín oscura de finales de los 80 y principios de los 90. Mejía ganador del premio de periodismo C.P.B y el Premio Nacional de Cine, recibió aportes por más de 50.000 dólares para su posproducción y 6.500 de dólares más para su participación en festivales internacionales como los de Chile, Brasil, Estados Unidos, México entre otros, por parte del Ministerio de Cultura. De hecho esta película se presenta a los colombianos después de llevar un largo recorrido de exhibiciones a nivel internacional.

Apocalipsur, nombre con el que se denominó a la innumerable cantidad de asesinatos de jóvenes paisas (gentilicio de los nacidos en Medellín, Antiquia ) en la tierra del capo de capos, Pablo Escobar, ocurridos entre 1989 y 1991, ha sido la película ganadora del 47º Festival de Cine de Cartagena, el más grande de mi país. Su elección es una de las más polémicas pues en palabras de los expertos Apocalipsur es una cinta a la que “se ama y se odia” y que ha sido finalmente la triunfadora más por su temática que por reunir todos los elementos cinematógraficos, por encima incluso de la taquillera “Soñar No Cuesta Nada” que se encuentra en estos momentos en las carteleras del cine español.

Así como la época de Hittler ha servido de inspiración a muchos cineastas, no podemos esperar cosa distinta con la Medellín en la época del narcoterrismo, para nuestros cineastas criollos. Y bajo ese orden de ideas, estoy muy de acuerdo con el apelativo con el que se sintetíza en buena parte el sentimiento que trasmite este filme a sus espectadores. Apocalipsur es a lo largo de su metraje y lenguage usado, una película acida, cruda, vulgar, inquietante, a ratos fastidiosa e irritante que intenta a través de una alta dosis de puro humor negro, anestesiar la forma tan escueta como su director nos narra esta violenta y triste historia. Yo les confieso que su temática me deprimió a pesar de su humor, como también la vida de sus personajes que es triste, lamentable y nos adentra en los más profundo de la bajeza humana.

Lo valido de esta filme sin duda, es la forma tan realmente distinta como se aborda el tópico de la Medellín narcotizada, que veía a Escobar como un “duro”, un héroe capaz de comprar a media Colombia y que ayudaba a los más desfavorecidos de su tierra, dándole así a esta película, un sello propio que pienso se debe reconocer y diferenciándola de otras cintas, como por ejemplo, las creadas por el también director colombiano Victor Gaviria con su “Rodrigo D”, “La Vendedora de Rosas” entre otras. El grupo de 5 actores que hicieron parte de esta historia, sin ser reconocidos agudizan esta tragicomedia cumpliendo a cabalidad su objetivo. Finalmente, estoy de acuerdo también con la crítica que menciona que Apocalipsur es más valida y fue reconocida más por el transfondo de su historia que por su forma, pues los aspectos técnicos no son tan destacados como para hacerla el filme ganador del festival de cine colombiano más importante.

Lo que más me gustó de la cinta: la acidez de su humor negro

Lo que menos me gustó: Aunque que no es excesivamente larga (1:42 min), yo la hubiera preferido como cortometraje y así me hubiese resultado menos irritante y depresiva.

Después de la exitosa película Narc del año 2002 que narraba la corrupción de un organismo policiaco y que hizo merecedor a su director, Joe Carnahan, al premio Espíritu en el Festival de Sudance, retorna con la cinta Ases Calientes del cual y al igual que la anterior, es su director y guionista. Narc fue una película obasionada por la críticos de reconocidas medios escritos como “The New York Times”, “Detroit News”, “The New Yorker” entre otros.

La anterior película de este director fue catalogada como un drama bastante complejo y con ese mismo apelativo podemos calificar esta nueva cinta. “La Última Carta” título con el que se conoce en mi país, es un filme cargado de información, con un ritmo endomoniadamente agil, frenético y con una acción al 100%. Desde el inicio, ya se hace inevitable el hecho de evocar cintas como “Pulp Fiction” de 1994 y las sagas de “Kill Bill” 1 y 2 de los años 2003 y 2004, ambas de Quentin Tarantino. Esto ocurre no solo por la intríngulis que esta maneja, sino por recursos como el humor negro y el gore que en ambos casos, quedaron tan bien delimitados y el uso fue tan suprementamente sutil que nunca llegan hacer incómodos para el espectador; de hecho, le brindan un condimiento más a esta película cargada de muchos elementos a la vez. No soy la única que al ver “Smokin’ Aces” ha recordado los filmes de Tarantino, pero si son muy pocos los que valoran el hecho de que el director se haya atrevido a sacar su propia versión del género tarantinesco y por tal razón lo ven como una copia más. A mi particularmente me gustó mucho por que convirtió a La Última Carta en una venganza a la americana muy bien elaborada y nos enseña que introducir el recurso gore de forma sutil es valido para quienes no somos tan gustosos de el.

Por otra parte rescato mucho la forma como el director nos cuenta la historia; él arma toda una maraña en la que involucra a una infinidad de personajes con los que enriquece la trama, personajes unos más famosos que otros pero con un perfil muy bien marcado y trabajado. Desde los experimentados Andy García, Ryan Reynolds, Ray Liotta, Jeremy Piven hasta la novata y cantante hip-hop Alicia Keys gozan en términos generales de buenas interpretaciones. Nada mal el debut de Keys por cierto. Cosa diferente con Ben Affleck a quien ni menciono pues su aparición en el filme es poca y definitivamente no me convence. A propósito de Piven quien interpreta a Body, debió ser entrenado por un experto y para ello contaron con la asesoría de un ilusionista escocés R.Paul Wilson e incluso como parte del entretamiento fue integrante de uno de los shows más populares de Hollywood en el Club “The Magic Castle”. Gracias a esta ardua preparación, podemos disfrutar de escenas reales en las que este actor nos muestra su habilidad adquirida con el manejo de las cartas. El montaje y fotografía también son aspectos a destacar de la película. El rodaje guardó su magia al filmar en Lake Tahoe, un inmenso y cristalino lago ubicado entre California y Nevada y que fue además escenario de Coppola en la película El Padrino II, como también lugar de esparcimiento de Sinastra y sus más íntimos amigos. Lo grandioso de la cinta es que a pesar de armarse todo una trama enredadísima con la que a veces se trata de confundir al público, al final no decepciona, pues con la inmensa facilidad con la que las abuelas desenredan los hilos de una costura, Carnahan nos devela el final con un increíble factor sorpresa.

A pesar de que se hace uso de muchos aspectos vistos en otras películas, esta historia goza de mucha autenticidad, es notoria la huella que le quiso imponer e imprimir su director. Una película que recomiendo para aquellos amantes al género políciaco y de acción. Ojalá se la vean más de una vez para disfrutarla y entenderla mejor.

Lo que menos me gustó: la carga de información puede resultar excesiva y un tanto agobiante para el espectador, generándole vacíos sobre todo por su ritmo. Pero por sugerencia les digo que por este aspecto no se deben guiar cuando la vayan a ver.

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SINOPSIS
La película arranca seis meses después de que el virus ha asolado Gran Bretaña. El ejército de los Estados Unidos declara que la guerra contra la infección ha sido ganada y que la reconstrucción del país puede dar comienzo. Con el regreso de una primera oleada de refugiados se produce la reunión de una familia que se vio separada por los terribles acontecimientos que se produjeron, aunque uno de sus miembros porta, sin ser él consciente, un terrible secreto. El virus todavía no ha desaparecido y esta vez, es aún mucho más peligroso.

Después de 4 años esta en la mayoría de pantallas de nuestro país la película “Exterminio 2” o “28 Semanas Después” secuela de la cinta “28 Días Después” un thriller que aterrorizó medio mundo marcando un éxito importante de su tiempo y el regreso al género de los zombies que sirvió, además, de inspiración para otros filmes más.

Crear una segunda parte de esta película era algo esperado, pues la primera nos presentó una historia que en su parte final nos dejo muchos interrogantes que valían la pena ser resueltos en otra cinta. “28 Días Después” fue un filme que me gustó mucho pues reunió varios aspectos interesantes: una muy buena historia, peculiarmente novedosa a través de un género renovado. Es decir que representaba no solo por la taquilla sino por la historia, un punto de referencia bastante alto. Por tal razón, la producción asume el riesgo primero de cambiar el director, dándole la oportunidad al español Juan Carlos Fresnadillo, un prometedor cineasta que se dio a conocer internacionalmente gracias a su nominación en los Oscar por el cortometraje “Esposados” del año 1997 y posteriormente por su ópera prima la película “Intacto” ganadora del premio Goya en el 2002 y segundo, la implementación del discutible elemento gore. Un elemento que no es del disfrute de todo público pero que se trae a colación en la cinta excusados bajo el género de esta.

Fresnadillo cumple en buena parte los objetivos primarios de “28 Semanas Después”: impacto, tensión, un ritmo continúo, muchas escenas bien logradas, una ambientación impresionante y la utilización de una música que ayuda en cada uno de estas características. El resultado de todos los elementos que incorporó este director dan como consecuencia un filme que es incómodo, brutal y agresivo visualmente para el espectador que casi en su totalidad se grabó con cámara de mano y que como ya lo hemos dicho, permite meter aún mas al público dentro de la historia. La creación de un ambiente apocalíptico junto a una atmósfera raída son muy bien llevados a cabo, generando en efecto terror y espanto tan solo por imaginarse una realidad semejante y es mi caso lo que se convirtiría en el mayor atractivo de la cinta.

Desafortunadamente, la historia en esta oportunidad no es tan poderosa y por tanto goza de unos vacíos, de falta de cohesión e incoherencias increíbles que le restan credibilidad e importancia al trabajo bien realizado de su director que sale avante con esta segunda parte. Solo criticable por el excesivo uso que le dio al elemento gore que cansa, hastía y confunde. 28 Semanas Después por tal razón no es para todo tipo de público y en esta ocasión si se quiere disfrutar de esta secuela, se debe ver desde la perspectiva netamente visual y obviar todo lo demás. Es aceptablemente entretenida.

Lo que más me gustó de la cinta: La ambientación y fotografía

Lo que menos me gustó: la historia