Feb 6 2018 00:12

Entrevista a Amat Escalante, director de La Región Salvaje, su primera película de fantasía y terror

	Por Sandra M Ríos U
	Twitter: @sandritamrios

Terror, fantasía y ciencia ficción, son las tres palabras que constantemente se repiten en la conversación con Amat Escalante, y es que con “La Región Salvaje” el cineasta mexicano hace un salto rotundo y arriesgado al cine neto de género, eso sí, sin dejar de ser fiel a la temática que desde el hiperrealismo ha abordado en su filmografía: la violencia.

Su cine ha encontrado en los festivales como el de Cannes, Venecia y San Sebastián un espacio para darse a conocer internacionalmente y donde ha logrado dos importantes premios de dirección por “Heli” y “La Región Salvaje”.

El primer acercamiento de Escalante en la fantasía vuelve a contar con su buen pulso para dirigir un drama social que gira prontamente al elemento fantástico al presentarnos una criatura muy vívida que despierta en sus protagonistas los instintos más básicos y los lleva a confrontarse, revelarse y buscar su esencia. Ese ser venido de otro mundo ofrece a una joven madre y su hermano, un enfermero con una doble vida, la solución primitiva a sus conflictos a través del placer. De ellos depende que esa fuerza enigmática alimente su deseo de darle un cambio a sus vidas.

Otra de las características de este cineasta es la forma cruda, explícita y directa con la que muestra la realidad. Aquí esa realidad se transforma en esta criatura que podemos ver de forma detallada, que no nos la oculta como parte de un rompecabezas, sino que podemos verla muy pronto en la película. El cine de Escalante incluso desde la fantasía y la ciencia ficción continúa siendo tan vital como honesto.

Editaba Heli en 2013 cuando apareció la idea de esta película. ¿Cómo fue?

El origen de esta película se produce por dos acontecimientos. Uno llamado el “Caso Lucero”, que ocurrió localmente en donde vivo en Guanajuato, y el otro era una portada de periódico donde aparecía un hombre ahogado.

¿Cuáles son los detalles de esos acontecimientos?

En el de Lucero, sucedió que un conocido de ella se ofreció a llevarla en la noche después del trabajo y envés de dirigirse a su casa se la llevó al bosque y trató de acosarla, de agredirla. Ella se defendió, lucharon y terminaron ambos en el hospital donde los pusieron en el mismo cuarto y posteriormente una juez determinó que la mujer era culpable por haberse ido con un hombre, en un coche, sola. Eso señalaba algo importante para mí de la sociedad. En el otro caso, lo impactante fue el encabezado donde se burlaban de él por su sexualidad y que había sido asesinado por esa misma razón. Detallando en esa publicación vi que era un hombre que trabaja en el hospital ayudando a gente, pero en su muerte fue difamado, agredido, ridiculizado. Este caso también significaba algo para mí sobre la sociedad. Ambos temas no están directamente en la película, pero sí el espíritu.

La película justo llega a salas en momentos en que se habla tanto de acosos y abusos sexuales y revictimizaciones.

Sí, exacto. En esos dos casos se ve lo que es la revictimización y que definitivamente viene de una cuestión cultural y de la parte moral que está afectada por la religión, el conservadurismo hipócrita.

¿La película no está basada directamente en esos dos casos, sin embargo, el enfermero sería una clara referencia a uno de esos dos personajes al igual que la escena en el agua?

Así es, y esa imagen la traté de replicar exactamente como la vi e incorpora la idea de un periódico que para hablar de él lo agrade y habla de esa forma del personaje.

¿Cómo comenzó a transformarse eso en el guion?

Después de surgir la idea de esas dos historias me contacto con Gibrán Portela para escribir el guion. Él es un dramaturgo mexicano que ha escrito dos películas mexicanas estrenadas, “La Jaula de Oro” y “Güeros”, y con él la escribimos hasta cierto punto en el que siento que le hace falta algo, que me falta algo de inspiración y en ese momento es que aterriza la idea de tener un elemento fantástico en la película y llevarla a un ámbito más de terror, de suspenso y de género en sí.

Cuando uno ve la película, el título puede ser un juego de palabras y su significado aplica bastante bien tanto para la parte realista como para su aspecto fantasioso. ¿Cómo lo halló?

En este caso fue algo rápido. Un día mi productor me pidió un título para aplicar a un fondo y en un segundo realmente pensé en “Región Salvaje”, pero honestamente viene de una mezcla de títulos de telenovela y luego ya cobró sentido para mí por los temas y el tinte de fantasía y terror. La idea también de algo físico o de una zona mental salvaje tenía igualmente un sentido y coherencia. Por esa razón el título fue ese desde un inicio y se mantuvo.

Su filmografía ha permanecido apegada al hiperrealismo, a presentar diferentes tipos de violencia desde lo real, ¿en qué punto decide incorporar la fantasía y el terror?

Yo soy muy visual, entonces yo creo que fue por eso, porque las imágenes son lo que más me inspira y al no encontrar visualmente ese dilema interior que era muy ambiguo, esa contradicción del deseo y el rechazo a lo mismo y todo el conflicto que es tan importante y tan poco articulado, porque yo creo que la homofobia y el odio a la mujer que existe por parte de los hombres y los feminicidos que se cometen son temas ambiguos de explicar. Entonces me pareció un poco práctico y concreto hacerlo a través de un elemento como es esta criatura que llega a confrontar a los personajes en su espacio y se acerca, y al que ellos anhelan pero también rechazan.

¿Qué tan conflictivo fue virar hacia esa decisión?

La verdad se dio muy fácil. Creo que es lo que hacen el cine de terror y ciencia ficción cuando funcionan, es decir, buscar algo que al final de cuentas es muy básico, muy humano, pero lo transforma en una cosa, una criatura o un elemento que logra articular algo complejo. Es la primera vez que intento algo de esa forma porque siempre me ha gustado hacer cine y lo he hecho desde el hiperrealismo, pero porque antes no había encontrado la forma de poder introducirlo. Siempre he notado que he filmado muchas veces como si estuviera filmando una película de terror, pero es la realidad. Para mí, ahora simplemente tomé un paso más para adentrarme al terror, la fantasía, la ciencia ficción.

¿De cierta manera ha querido hacer justicia a las víctimas, representando en esta historia el poder liberador de la sexualidad y el reconocimiento de su propio deseo?

Sí, yo creo que estás en lo correcto. Lo interesante para mí en la manera de trabajar con estas ideas es que es muy intuitiva y simbólica, pero sin un simbolismo ya prehecho, es decir, las cosas que me atraen por alguna razón confío en que tengan un sentido dentro del mundo que estoy creando. Por eso puedo llegar a tener imágenes que pueden llegar a sorprender o que no son exactamente verosímiles, pero que tienen un impacto. Me gusta cuando el espectador se despega y crea sus propias ideas y puntos de vistas. A mí también me gusta esconder las cosas y esconder los mensajes y las ideas concretas, camuflarlas para que no sea tan obvia la cosa, dando así la posibilidad que el público imagine.

Hay una inevitable referencia inmediata para uno como espectador con “Possession”, por como luce la criatura, pero también esa atmósfera de terror y enigma en medio de un drama social. También me recordó a una más reciente, el thriller psicológico “Enemy” de Denis Villeneuve y el cómo la paranoia se transforma en una enorme araña.

Sí, seguro cuando se nos ocurrió lo de la criatura y que tuviera sexo con los personajes “Possesion” se convirtió en una referencia importante y también la idea de tener una criatura del cine.

¿Se refiere a una criatura identificable de esas que ya el cine nos ha mostrado?

Sí, han habido muchas criaturas en el cine que nos inspiran. Desde Alien, la de Possesion, como dices, o Cronenberg (*). Hay también muchos lugares donde hay criaturas, entonces por eso de cierta manera me permití ciertas licencias, incluir música para crear así otro tipo de suspenso que no había hecho. Esas referencias sin duda están ahí. La de Villeneuve no la he visto.

(*) David Cronenberg ha dirigido películas que se ajustan a la visión de esta criatura como “Naked Lunch” y “La Mosca”.

Pero también veo huellas de Sangre, Heli por el ambiente y Los Bastardos, especialmente en la escena donde aparecen las cabezas de venado. ¿Las reconoce usted mismo?

Seguramente las hay. No son hechas a propósito, pero como viene de un trabajo tan personal en el sentido que viene de mí todo, pues se repiten temas, intereses, miradas, puntos de vista. De cierta manera es inevitable que se repitan elementos. Yo siempre trato de alejarme y trato de no repetirme y hago esfuerzos por eso, me gusta jugar con elementos nuevos con los que no haya jugado anteriormente, pero el espíritu a veces es difícil que cambie mucho.

Iván Gaona es un director de cine colombiano que estrenó su ópera prima Pariente, que fue la representación de mi país al Oscar de este año. De director a director quiere hacerle la siguiente pregunta: ¿En las primeras versiones del guion, sino era claro el extraterrestre qué existía?

Me da mucho gusto que me llegue una pregunta de esta manera. Lo que existía era un drama social de los temas que hablé al inicio y ver cómo la homofobia y el machismo afectaban a esta familia y ver cómo esta mujer se podía liberar de eso, a pesar de tener hijos. Ver con qué elementos podía liberarse e intentar ser una persona completa, pero cuando uno está escribiendo uno se va dando cuenta qué hay y qué no, y ahí se transformó en una película más de fantasía.

No es nada fácil mezclar dramas sociales con ciencia ficción. ¿Cuáles fueron los desafíos?

Para mí esa mezcla fue lo más complicado en cada etapa del proceso; en el guion, en el rodaje, el montaje, el sonido y la música. Siempre fue el tema del cómo juntar este elemento fantasioso, cómo integrarlo correctamente con el resto de la historia y de hecho eso era lo que fallaba todo el tiempo. Fue en el proceso que íbamos descubriendo cómo ajustarlo. Es de hecho la dificultad que tiene por la que no hay muchas películas de esta naturaleza y de alguna manera no me interesaría reintentarlo porque esa mezcla fue complicada. Pero igual, absolutamente nadie se ha quejado o me han dicho que no combinan. Estoy contento porque funcionó, fue algo arriesgado y el público ha sabido recompensarlo.

El tema atmosférico de la película está ligado directamente a los miedos de los protagonistas a la criatura y sus propios problemas, pero también a esa tensión sexual que los atrae tanto. ¿Esta el sexo dibujado aquí como la razón de todo?

Además de esas semillas e inspiraciones que mencioné, está el tema de la sexualidad, que en realidad podría ser el corazón de todo y por eso fue que desde un inicio quise plantearlo pronto en la película, que eso fuera el ancla que está agarrando todo. Es decir, la sexualidad en la realidad, o la sexualidad con este ente de ciencia ficción. Pensando medio freudianamente, todo en realidad está muy relacionado con el sexo. Los temas que me interesaban tienen que ver directamente con este asunto. La homofobia y el machismo surgen de contradicciones o mejor, por confusiones sexuales.

Esta película arriesgada se logró bajo la figura de la coproducción con Europa. ¿Quiénes participaron?

Esta es la primera coproducción entre Dinamarca y México y por eso es que entra todo el trabajo de efectos visuales. El supervisor de esa parte fue Peter Hjorth que al igual que el fotógrafo, Manuel Alberto Claro, vinieron al país. Ambos son colaboradores cercanos de Lars von Trier. También participó la coproductora Kathryn Pors, que ha producido en Colombia para Ciro Guerra (Pájaros de Verano). Ella es quien se acerca a mí y hace este largo. Es también la primera vez que hago una película con música compuesta, con una banda sonora, que fue creada por Guro Skumsnes Moe, compositora noruega. La banda sonora se acaba de estrenar en plataformas digitales, en Spotify, iTunes, etc, y también habrá un vinilo especial que produjo igualmente un noruego. Hay mucha influencia y talento nórdico en la película.

Con la escena de los animales emparejándose podemos hablar del tema de los efectos visuales tan esenciales para esta película.

Sí, los efectos fueron un elemento muy importante para que la película funcionara. Si eso fallaba sabía yo que tenía que eliminarla y no estaba dispuesto a eso. Los efectos siempre fueron un trabajo delicado, al intentar un balance entre que funcionara y cuando detenernos si no funcionaba. Gracias al talento de quienes trabajaron eso se logró. Por ejemplo la escena que mencionas de los animales, se filmó aquí en México, vino Peter Hjorth por dos semanas durante el rodaje y se dedicó a filmar animales, ya luego hizo el trabajo de posproducción donde se montaron esas imágenes.

Ahora quiero hacerle una pregunta de un crítico de cine (Samuel Castro). Como autor, ¿qué tanto disfruta el cine de género y quiénes son las principales influencias que reconoce en su trabajo?

Me gusta mucho el cine de género, es parte esencial para mí, incluso muchos directores de autor han hecho cosas de género. Kubrik ha probado terror y guerra, y es uno de mis favoritos. También están Cronenberg, David Lynch, Roman Polanski, Gaspar Noé, Bruno Dumont, Dario Argento, Martin Scorsese.