Reseñas y Críticas



Atonement / Expiación: La Mejor Versión de un Libro


EN RESUMEN
En la historia reciente, Atonement se quedará clavada como la mejor versión que se ha hecho de un libro hasta que Joe Wright con su genialidad para este tipo de dramas nos conquiste con una nueva historia.

FICHA TÉCNICA
Calificación de CineVista:
Título Original: Atonement
Director:Joe Wright

Género: Drama
Guión: Christopher Hampton; basado en la novela de Ian McEwan
Reparto: Keira Knightley (Cecilia Tallis), James McAvoy (Robbie Turner), Saoirse Ronan (Briony Tallis con 13 años), Romola Garai (Briony Tallis con 18 años), Vanessa Redgrave (Briony Tallis anciana), Brenda Blethyn (Grace Turner), Juno Temple (Lola), Patrick Kennedy (Leon Tallis), Benedict Cumberbatch (Paul Marshall)
Duración: 2:10
Sitio Oficial: Expiación
Trailer: Ver Aquí
País: Reino Unido
Año: 2007
SINOPSIS
Nos cuenta la historia de un romance británico que transcurre durante varias décadas. Briony Tallis, una precoz escritora de 13 años, cambia irremediablemente el curso de varias vidas cuando acusa al amante de su hermana mayor de haber cometido un crimen en el que no tuvo nada que ver.

Cada vez que se lleva a la pantalla gigante la versión de un libro y peor de un betseller han sido contadas las ocasiones en que éstas logran salir avante. Esto ocurre o porque se alejan totalmente de su historia, porque se quedan cortas a la hora de describir la trama (principal diferencia) o porque a la final respetan tanto el texto original que se convierten en una mala copia. Atonement se aleja de todos esto y de ahí radica la cantidad reconocimientos, bien ganados, a los que se ha hecho merecedora y para nombrarles unos cuantos tenemos: Mejor Adaptación, Mejor Banda Sonora, Mejor Edición, Mejor Actuación de Reparto (Saorise Ronan), Mejor Película Dramática, Mejor Película Romántica, Mejor Composición Musical del Año en reconocidos premios como los Globo de Oro, la Sociedad de Críticos de Londres, de San Diego y de las Vegas, entre otros, claro está sin mencionarles las grandes posiblidades que tiene de sumar otros premios en los Oscar 2008.

Lo brillante de esta película radica básicamente en la armonía que mantiene en todos los aspectos: la estructura narrativa, el ritmo, la ambientación, la fotografía, el maquillaje, el vestuario y la banda sonora, sin embargo, la taquilla conseguida no refleja el gran balance que esta cinta Expiación maneja, ya que a la fecha ha recaudado un poco más de 113 millones de dólares. Este fénomeno extraño a primera vista tiene su explicación en el escaso público que suelen tener las novelas hoy día y más aún cuando el cine, especialmente el de Hollywood, que finalmente es el que llegue en mayor escala a los distintos países, está plagado de historias fantasiosas y futuristas haciendo uso de tecnologías cada vez más avanzadas y esto es lo que más nos ha cautivado del cine de hollywood.

No es que sea necesariamente malo, pero ha hecho perder la costumbre o aprecio por este tipo de historias clásicas. Prueba de ello es Bogotá, la capital de mi país, en donde esta película no se está presentando en la mayoría de las salas de cine, o también están los comentarios que deja la gente en portales como Yahoo en donde se menciona que Atonement no da para tanto, que no presenta novedad alguna e incluso no faltó el contó que se alcanzó a dormir. Una percepción similar tuve de algunos espectadores cuando fui a verla que básicamente decían que era una película pesada y que no esta hecha para todo tipo de público. Yo difiero de estas opiniones porque aunque la película maneja tres tiempos con espacio holgado, la trama, por compleja que parezca, esta acompañada de una imágenes lo suficientemente descriptivas.

Joe Wright marcó un punto muy alto en su carrera al hacer su debut como director en la aclamada Orgullo y Prejuicio del año 2006, otra historia clásica basada en una novela con mismo nombre del inglés Lord Byron que lo hizo merecedor de varios premios entre ellos el de Director Revelación y 4 nominaciones en distintas categorías en los Oscar 2006. Así que intentar con la misma fórmula ganadora sería la comprobación del talento exquisito que posee este director.

La novela transcurre en 3 tiempos donde se describe perfectamente los momentos cruciales de cada uno de los personajes y el contexto histórico en el que se encontraban. Tenemos entonces 3 personajes que dan vida a Bryona Tellis, una niña que frusta el resto de su existencia por llevar bajo sus hombres la carga pesada de la culpa, un hecho que la cinta se encarga de dejarnos en claro que fue producto de una imaginación precoz y la falta de conciencia para medir consecuencias. Es fascinante la forma como a dos tiempos; uno imaginario, otro real, se confronta la verdadera realidad vs la realidad inventada por esta niña. Y así casi como ilustraciones o verdaderas piezas de arte de la más alta calidad, la historia nos adentra en los rigores de la guerra, el dolor del amor perdido, la desesperanza de una hermana frustrada y el rencor fraternal.

Y es cuando se llega a este punto cuando la película magistralmente nos envuelve en su situación visceral que hastía. Hastía por su lento paso del tiempo, por la sangre derramada, por la injusticia cometida, por los rumbos inesperados, son minutos que incluso dan la impresión de eternidad pero que sirven de antesala para desarrollar y darle un giro al desenlace y posterior final supremamente maravillosos y conmovedores.

En los previos que vi de la película, no alcancé a suponer el gran trabajo artísitico que realizó la jovencita Saorsi Ronan y justifico los reconocimientos que se le han brindado, es sin duda una niña para “explotar” gracias a un gran talento natural. Lo mismo ocurre con Romola Garai, quien interpreta a Tallis cuando tenía 18 años y Vanessa Redgrave (Briony Tallis anciana) que le termina por dar a la película la estocada final con una interpretación corta pero determinante, altamente emotiva y profundamente trascedental. Por su parte, Keira Knightley hace un papel que le sienta muy bien y le impregna una sofisticación natural.



Cloverfield – Versión Citadina de la Bruja de Blair


Si lo prefieres puedes escuchar aquí este reseña:

EN RESUMEN
Versión citadina de la Bruja de Blair que se copia de ella y que entrega todo lo que puede ofrecer a los 20 minutos de iniciada.

LA FICHA TECNICA
Calificación CineVista:
Título Original: Cloverfield
Género: Acción, ciencia-ficción, thriller

Director: Matt Reeves
Guión: Drew Goddard
Reparto: Lizzy Caplan (Marlena), Jessica Lucas (Lily), T.J. Miller (Hud), Michael Stahl-David (Rob), Mike Vogel (Jason), Odette Yustman (Beth)
Duración: 1:25 min
Página Oficial: En Español
Trailer: Cloverfield
País: Estados Unidos
Año: 2008

LA SINOPSIS
Cinco jóvenes neoyorquinos celebran junto a sus amigos una fiesta de despedida la misma noche en que un monstruo del tamaño de un rascacielos desciende sobre la ciudad. Contado desde el punto de vista de su videocamara, el film es un documento de sus intentos para sobrevivir al más horrible evento de sus vidas.

LA RESEÑA CRITICA
Tras “bombos y platillos” llegó esta película al cine colombiano después de haberse convertido en un fenómeno taquillero en Estados Unidos y ser noticia obligada en una importante cantidad de sitios web, por lo popular por una parte y la controversia que se disputa acerca de si realmente es una buena cinta o no. Por mi parte, me uno aquellos que no les gustó porque está plagada de desaciertos tanto así que se me hizo muy difícil detectar que cosas se pueden rescatarse de ella.

Como todos lo sabemos el trailer es la pieza clave a la hora de cautivar a los espectadores. Sabemos también que en un trailer se colocan las mejores escenas de la cinta. Y con la información previa que nos proporcionaron acerca de Cloverfield pudimos deducir dos cosas: la primera, que era un tipo de filme apocalíptico y segundo que el espacio donde ocurría será nuevamente la capital del mundo, Nueva York. Dos aspectos sencillamente atractivos que llaman la atención casi podría decirse que todo el mundo por la simple curiosidad natural y humana de querer acercarnos, aunque sea a través de imágenes, a lo que pasaría en un futuro arrollador como tantas culturas, religiones, estudios y la misma naturaleza lo han hecho suponer.

Una vez dio inicio la película y comencé a ver que todo nos lo mostrarían a través de una cámara de mano, temí lo peor. Porqué? Pienso que el único efecto positivo que consigue esta técnica es la de generar una tensión absolutamente real, que te incomoda pero que a su vez te mantiene espectante; pero sin embargo es agotadora, “marea” al espectador, esconde detalles y torpemente evidencia las falencias de la producción.

En su parte inicial Monstruo o Monstruoso los dos títulos como se le conoce a esta película en español, gasta alrededor de unos 18 minutos introduciéndonos una cantidad importante de personajes adolescentes con una historia floja que bien pudo no existir. De hecho a los 5 minutos la historia de estos jóvenes agota y se muestra más con un “relleno” mal logrado que solo consigue hacer ansiar el momento en el que se produzca la “acción”. Y si, después de unos tediosos 18 minutos aproximadamente, hace su primera y timida aparición este Monstruo. Es en este momento cuando la película saca como “As bajo la manga”, como estrategia para enganchar y aumentar las expectativas, la escena más popular por la que se hizo conocer Cloverfield y que hace parte del trailer y del poster. Pienso que este hecho la convierte en su peor pesadilla, pues si se revisa con detenimiento a los 20, 25 minutos, la cinta ya había entregado todo lo que tiene, quedándose sin nada que ofrecernos para el resto de su metraje. Lo otro es que esta escena no resultó tan impactante pues hubo muchos elementos irreales, por ejemplo, la cabeza de la Estatua de la Libertad que vuela por los aires hasta caer en una calle neoyorquina, resulta pequeña con relación a su tamaño real o la forma como se recreó la avalanche de polvo al estilo World Trade Center después de caerse la primera torre, que pareció más un montaje entre las grabaciones que pudimos ver una y otra vez de este suceso por televisión.

A este punto ya era difícil no evocar la película El Proyecto de la Bruja de Blair 1 del año 1999, que en su momento fue una película novedosa en su forma de hacer cine de terror a tal punto que recaudó más de 248 millones de dólares alrededor del mundo con un presupuesto modesto de unos 60.000 dólares, razón por la cual se realizó la segunda parte que aunque fracasó recuperó lo invertido (15 millones). Cloverfield me hace recordarla no solo por la técnica, sino también por la utilización de jóvenes como target para llegar al público, el inicio que en contextos distintos guardan similitud y porque le ha ocurrido casi lo mismo en taquilla. Con presupuesto de 25 millones de dólares ya ha alcanzado a recoger unos 133 millones. Al igual como ocurre en la Bruja de Blair, aunque en mayor proporción, Cloverfield tiene un prinicipio que lo entrega todo, como lo decía anteriormente, y se queda sin nada más que entregar y sin herramienta alguna, para por lo menos, intentar explicar este fenómeno, dejándola así altamente predecible.

De ahí en adelante, todo empeora más aún cuando hace la aparición ante cámaras de forma “más nítida” el monstruo que no es más que una combinación entre el monstruo de lago Nez y una especie de alienígenas que no supe si eran juntos la misma criatura o sus hijos en algo que podriamos bautizar como NEZALIENS. Y ya con esta “perla” que nos regala la película, se pierde todo el interés en el género y se transforma en eventos risibles que rayan en un espectáculo infantil por demás absurdo.

Cuando cito a la Bruja de Blair esto no resulta una referencia aislada, pues las mismas notas de producción aseguran que la idea era hacer un proyecto que combinara algo entre Godzilla por el lado del monstruo y Blair por el lado de la técnica, marcándo la diferencia en la interiorización de sus personajes y no en el causante de sus temores para así producir mucho terror. Pero entonces la intencionalidad no se cumple, porque la película se vendió más como una cinta apocalíptica y porque su casting no supo reflejar tal intención.

Lo Mejor de la película: El Trailer

Lo Peor: La historia, el monstruo, las actuaciones

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Y antes de despedirme, para los que no les gustó el hecho de que el “NEZALIEN” no se viera con precision o para los que les quedó gustando, HASBRO ya sacó a la venta la versión de este monstruo, je, je, je.

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.




El Tiempo que Resta – La realidad a la hora de morir


Calificación CineVista:
Título Original: Le temps qui reste
Género: Drama
Director y Guionista: François Ozon
Reparto: Melvil Poupaud (Romain), Jeanne Moreau (Laura), Valeria Bruni-Tedeschi (Jany), Daniel Duval (Padre), Marie Rivière (Madre), Christian Sengewald (Sasha), Louise-Anne Hippeau (Sophie), Henri de Lorme (Doctor), Walter Pagano (Bruno), Ugo Soussan Trabelsi (Romain [Niño])
Duración: 1:30 Min

País: Francia
Año: 2005
 
SINOPSIS
Romain es un fotógrafo de moda de 31 años, gay, egocéntrico y arrogante, que descubre que el cáncer ha invadido su cuerpo. La esperanza de recuperación es prácticamente nula y la muerte cuestión de tiempo. Su primera reacción es descargar su ira sobre sus padres, su hermana y, por último, sobre su novio, al que expulsa del apartamento que comparten. Ninguno de ellos conoce el secreto que explica su conducta. La soledad que siente después le lleva hacia su abuela, primera persona a la que confiesa su enfermedad.
RESEÑA CRÍTICA

El Tiempo que queda es la nueva cinta del reconocido, admirado y prometedor director francés François Ozon que hace parte de una trilogía que inició con la cinta “Bajo la Arena” del año 2001 y que terminará con la historia de un niño, todas enmarcadas bajo el significado de la muerte y cómo afrontarla desde diversas perspectivas, situaciones y ambientes. La primera parte de esta secuela, nos narra la historia de una mujer que va con su pareja a un viaje de descanso pero que después se convertiría en toda una tragedia, dolor, intriga y reflexión cuando el esposo se pierde en el mar. Es decir, en Bajo la Arena, la protagonista desde su condición de mujer, debe afrontar la muerte de forma simbólica pues no existe un cadáver que reafirme tal condición, su esposo simplemente desaparece en el mar sin dejar ningún rastro, es además un ir y venir acerca de cómo enfrentar el duelo por la pérdida de un ser querido. Por su parte en El tiempo que queda, la muerte es propia, no es ajena y le pertenece única y exclusivamente a su protagonista un hombre gay, joven con una fuerte personalidad y que son tres ingredientes que le imprimen mucho interés a este film.

El tiempo que resta o El tiempo de vivir como también se le conoce, goza de aspectos vistos en otras películas importantes en la historia del cine que incluso han sido reconocidas por su mismo director, sin embargo, Ozon ha logrado imprimirle una belleza visual, fotográfica única. Me refiero a una fuerte influencia de películas como “Fresas Salvajes” de Ingmar Bergman del año 1957, “Búsqueda Frenética” de Roman Polanski del año 1988 e incluso reflejos de las historias misteriosas de Alfred Hitchcock. Este director alrededor del tema que nos ocupa, nos compromete con una historia cargada de los elementos disonantes de la sociedad, dejando a un lado los prototipos ideales acerca de la familia, la amistad, el amor, etc. Muestra nuevamente la otra realidad de situaciones comunes para todos como el de la familia y su incapacidad para comunicarse verdaderamente, para citarles tan solo un ejemplo.

La forma como el personaje le corresponde vivir la muerte no permite, a diferencia de sus demás cintas, una doble lectura. Aquí la realidad es escueta y directa. Es notable la forma como el director desmitifica el proceso que vive un hombre enfrentado ante semejante situación, pues es inmensamente real, no vemos en esta cinta el típico cliché en donde la persona que va a morir se despide casi con “resignación” de todos sus amigos y perdona por demás a sus enemigos. Lo que vemos es lo que corresponde a un ser de carne y hueso con problemas de carácter que a pesar de enterarse del poco tiempo que le queda vida no cambia la esencia de su ser. Él confronta la realidad conservando su personalidad natural y con ella lucha por aceptar el final inevitable que le depara. Sin sobreactuaciones, la película nos lleva a un final que conmueve hasta las lágrimas.

El Tiempo de Vivir combina elementos ambientales y físicos que contrastan con el drama de la cinta. Ambientales como la belleza de la naturaleza y la delicia de una playa y físicos como las regresiones a su pasado, especialmente a su infancia. La actuación del protagonista, cantante además, es sorprendente y en eso influyó el cambio físico al que debió someterse. En la primera parte de la película se debía ver musculoso, pero al pasar de la enfermedad que lo aqueja debía verse sumamente delgado y esto se logra ver claramente. La dieta a la que se vio sometido durante el rodaje y la falta de comida, le ayudó a comprenetrarse en su papel y sentirlo como propio. Gracias a esto, la cinta goza de escenas y de muchos diálogos memorables que sobresalen por la forma carnal y humana de asumirlos. A este punto pareciera no ser tan importante la condición de gay que tiene su personaje, pues la reacción que asume frente a la muerte no pareciera ser diferente a la que debiera sentir otro persona cuya preferencia sexual sea otra. Este es un punto al que quería llegar, pues es aquí donde la película falla un poco al incorporar un elemento en cierta medida innecesario. La homosexualidad de su personaje principal es más un ingrediente disociador con el que pretende su director llevar un mensaje oculto a la sociedad, que como aporte en sí al desarrollo de la historia. De hecho es la parte que no logra generalizar la crítica que incluso califica a ciertas escenas como grotescas y explícitas. Yo personalmente no las considero como tal y más bien pienso que el director resuelve el tema con una belleza visual y corporal hermosa, además de mezclarlas en la trama sabiamente.

No es la mejor película pero sí es una buena cinta que nos hace reflexionar sobre todo por la forma tan íntima en la que se exploran los sentimientos, a pesar de un leve problema con el ritmo que hace dar la impresión de ser una película más larga de lo que realmente es.

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Waldo va al cine dice: “Hay ritmo suficiente para saborear cada escena y posibilidad de desentrañar la naturaleza de cada personaje, cada ser humano representado. Aunque el tema podría prestarse para discursos existencialistas y sesudas reflexiones, el director no cae en aquello..”

El Balón de Bea dice: “La película tiene una atmósfera muy poética y melancólica, el mejor ejemplo de esto es la escena final en la playa. El problema es que Poupaud es muy poco convincente físicamente como moribundo (la comparación que me viene a la cabeza es Bruno Todeschini, que hace una interpretación impresionante y dolorosísima en Son Frere de Patrice Chéreau), y eso acaba siendo un lastre para la película”.


Otras Películas del Director

Película Género Año
5×2 Drama 2004
Swimming Pool Intriga 2003
Ocho Mujeres Comedia 2002
Bajo la Arena Drama 2001
Amantes Criminales Intriga 1999
Gotas de Agua sobre piedras calientes Drama 1999
Sitcom Comedia 1998
 

Ligeramente Embarazada – Un Embarazo Cómico, dulce e Inteligente


Calificación CineVista:
Título Original: Knocked Up
Género: Comedia romántica
Director y Guionista: Judd Apatow.
Reparto: Seth Rogen (Ben Stone), Katherine Heigl (Allison Scott), Paul Rudd (Pete), Leslie Mann (Debbie), Jay Baruchel (Jay), Jonah Hill (Jonah), Jason Segel (Jason), Martin Starr (Martin), Iris Apatow (Charlotte), Maude Apatow (Sadie)
Página Oficial: Ver Aquí

Duración: 2:09 min
Trailer: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
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SINOPSIS
Allison Scott es una periodista de 24 años con una brillante carrera. Por desgracia, después de una noche de “rumba” con el vago de Ben Stone, descubre que está embarazada. La joven pareja no sabe qué hacer. ¿Deben criar al bebé juntos? ¿Cómo se llega a un feliz compañerismo de por vida? Después de unas cuantas copas y de una noche loca, les quedan nueve meses para decidirlo.

RESEÑA CRÍTICA
Después de recaudar más de 177 millones de dólares con la gran película “Virgen a los 40” cuyo presupuesto fue de 26 millones, Judd Apatow, cómico, productor y director, nos trae su segunda película traducida como: “Ligeramente Embarazada” en algunos países y “Lío Embarazoso” en otros. Inspirado en su anterior éxito que tuvo como protagonista al actor cómico del momento Steve Carell, proyectó esta nueva cinta que toca un tema muy real, actual y sobre todo interesante. De hecho se tomaron como base muchas de las escenas de “Virgen a los 40”; pero a pesar de esto, “Ligeramente Embarazada”, grabada en escenarios naturales como Malibú, Santa Mónica, Hollywood e incluso en el Casino Aladin donde se presenta uno de los shows del Circo el Sol, que a propósito aparece en la cinta, es muy distinta a su fuente creadora.

Como lo he expresado ya en otras reseñas, el género de la comedia no es mi favorito y a la hora de ver películas de esta categoría selecciono mucho y básicamente las veo según el actor o actriz protagónico. Sin embargo, este filme es bien especial sobre todo por su historia que parte de un hecho que puede identificar a millones de jóvenes adultos, no solo en Estados Unidos, sino también en el resto del mundo; es decir, “Una noche de copas con consecuencias evidentes”. A partir de ahí, se efectuó el guion considerando todas las variantes humanamente posibles tanto desde el punto de vista masculino como del femenino y cuándo me refiero a todas las variantes, me refiero a todos los pensamientos malévolos y angelicales que tienen ambos sexos respecto al tema; hecho que resulta muy acertado en ambos casos y funciona perfectamente en la cinta. Mas allá de los elementos cómicos rebuscados que puedan sacarse de esta “embarazosa” situación, la película con un muy buen ritmo, nos regala momentos de gran comedia combinados con otros de ligera drama, dolor, confusión y mucha pero mucha reflexión. Podemos decir que este filme maneja un tipo de comedia diferente al usual. De ella, no se puede esperar que nos robe momentos en los que nos reventemos de la risa, sino más bien situaciones jocosas que a pesar de la seria problemática que maneja, se hace inevitable sonreir.

Lío Embarazoso va más allá de lo extrictamente baladí, es una comedia inteligente y bastante sensible que nos pone a pensar acerca de las relaciones de parejas, de la locura de la juventud, de la responsabilidad, del matrimonio, de los hijos, de la elección de la pareja, de la aceptación a los demás, de la clase social, de la influencia de la amistad, del amor, las decisiones, la madurez, el ser y ceder. Todos estos planteamientos, manejados muy hábilmente por su director, no son más que el reflejo del trabajo y el propósito que pretende Apatow, que yo podría intrepretar como su inmenso deseo y pasión por trascender este género y no dejarlo en el ejercicio de construir simples chistes agudos basados en situaciones absurdas.

Yo puedo decirles que sin ser la gran película, me gustó, me sorprendió y esta bien lograda. Las actuaciones son agradables, creíbles y hay varios personajes que por su irreverencia y descarada frescura, te irritan y divierten. Más de uno seguramente se sentirá identificado o recordará por lo menos, algún amigo en tal situación. El guión es bien original. Una película para ver en pareja, sin esperar un derroche de chistes típicos de este género pero que sin duda los haré sonreir y pasar un buen momento.

Lo Mejor de la Película: La historia

Lo Peor: Me pareció larga (2:09Min)

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8MM dice: “A mediados de 2007, en época de estreno de tanques en los Estados Unidos (Piratas del Caribe 3, Spiderman 3), una pequeña comedia se acomodó en los primeros puestos del ranking. Se trataba de Knocked Up, la nueva película del director y escritor Judd Apatow (Dirigió Virgen a los 40), había sorprendido a público y crítica por igual. Filmada con 30 millones de dólares, recaudó 140. Exito total. Ahora bien, ¿qué tiene Ligeramente Embarazada?, creo que lo primero a marcar son su justo equilibro entre dulzura, romanticismo y diversión”.

Reducto Cinéfilo dice: “En definitiva, una buena comedia agridulce que supera con creces la media de productos anuales de este género (cosa tampoco muy complicada, pero bueno), y que no solo funciona en sus escenas cómicas, sino también en aquellas más profundas…”

EP3 dice: “… en manos de Judd Apatow y de sus magníficos actores (desternillantes Seth Rogen y Katherine ‘Anatomía de Grey’ Heigl), este lío se convierte en una entrañable reflexión sobre el síndrome de Peter Pan, la vida en pareja y los champiñones alucinógenos”.

Otras Películas del Director

Película Género Año
Virgen a los 40 Comedia 2005



Película El Libertino / The Libertine – Le falto verdadero sentido libertino


Calificación CineVista:
Título Original: The Libertine

Género: Drama
Director: Laurence Dunmore
Reparto: Johnny Depp (Conde de Rochester), Samantha Morton (Elizabeth Barry), John Malkovich (Rey Carlos II), Rosamund Pike (Elizabeth Malet), Kelly Reilly (Jane), Tom Hollander (Etherege), Johnny Vegas (Sackville), Rupert Friend (Downs), Richard Coyle (Alcock), Jack Davenport (Harris)
Página Oficial:
Ver Aquí
Duración: 1:55 Min
Trailer: Ver Aquí
País: Reino Unido
Año: 2004

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SINOPSIS

Ubicada en Londres, en plena época de la Restauración (1660), un momento fundamental de progresismo en donde se producían constantes descubrimientos en el mundo de la ciencia, la religión y las artes, y donde crecía una libertad sensual nueva, tiene lugar la historia de John Wilmot, segundo conde de Rochester, una de las personalidades más complejas de la historia de Inglaterra, un artista que alcanzó la popularidad en su época gracias a su personalidad libertina, su talento y como no, a su estilo de vida lascivo y rebelde.

RESEÑA / CRÍTICA

Como lo indica la sinopsis, se presenta en cartelera esta cinta que nos trae la historia de John Wilmot, un poeta y escritor inglés de pensamientos absolutamente libres cuya corta vida (murió a los 33 años de sífilis), estuvo marcada por los excesos y la extravagancia. Adicto al alcohol, como su padre, y a las mujeres, dedicó su vida a “el violento amor por el placer”, con una “buena disposición para el gozo extravagente”, según sus propias palabras. A él se le atribuye los primeros esbozos de pornografía en la literatura inglesa que fueron quemados una vez falleció. Personajes como Voltaire y Goethe solían recordarlo por sus sátiras cargadas de energía y fuego.

Esta cinta es la primera que dirige su director, reconocido por sus trabajos en el campo publicitario y es a su vez la adaptación de una pieza teatral con mismo nombre de Stephen Jeffreys, cuyo estreno fue en 1994 en el Royal Court Theatre de Londres. Por su parte, la versión cinematógrafica tuvo su estreno en el Festival de Toronto en el 2004.

La única razón que se explica porque está película de tres años atrás se está presentando actualmente en la cartelera nacional de mi país, es para mostrarnos una vez más la inmensa capacidad histriónica de Johnny Deep encarnando a este conde adicto a las mujeres y el alcohol. Su guión, la dirección y el bajo recaudo no la apoyan. Con un prespuesto no determinado, esta cinta ha recaudado tan solo un poco más de 10 millones de dólares.

Fue difícil para el director de esta cinta, lograr un buen filme alejado de su estilo teatral, por eso esta versión de “El Libertino” es compleja, pesada y tediosa de disfrutar. Su dos mayores problemas son la adaptación de su guión y el carrusel de su ritmo. Esta película tiene como inicio un prólogo al mejor estilo teatral que llama la atención y la hace prometedora, pero a partir de ahí recae en un desarrallo sumamente argumentativo con cambios de ritmo extraños e inexplicables. La primera hora con 16 minutos, aunque parezca increíble ese tiempo, se convierten en un desafío para el espectador el tratar de comprender, compenetrarse y no dejar perder su concentración por la cinta. Más de la mitad del tiempo es un intento por llegar a un clímax que se pierde junto a su fotografía en tonalidad sepia un tanto innecesaria a pesar de ser una cinta de época. Estoy de acuerdo con aquellos que dicen que este aspecto pudo haber sido sacrificado en pro de brindarle más claridad al espectador y no enrarecer más, lo oscuro de su historia.

La trama recrea con cierta fidelidad la vida de este libertino, pero lo que no posee en esencia ni logra trasmitir, es la pasión, emoción, carisma, arrogancia y la filosofía cínica con la que personajes como este conde, Don Juan y el Marquéz de Sade vivían. Su vida no fue menos interesante que los que acabo de mencionar, pero este filme no logra resaltar este aspecto.

Como decía al inicio, todos los créditos de la película son unica y exclusivamente para Johnny Deep quien no deja asombrar por su actuación casi impecable. Dibuja con gran precisión la forma de vida de este personaje; el prólogo y épilogo con el que se enmarca esta cinta así lo demuestran. Él sobre todo, junto a uno que otro momento de parlamento realmente interesantes, son los que hacen soportable esta cinta que a ratos raya en una incómoda tragicomedia.

Recomendable solo como documento valorativo de las capacidades, ya más que desmotrables de su personaje principal.

Lo que más me gustó de la cinta: la interpreación de Deep

Lo que menos me gustó: el guión y la dirección

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Extra cine dice: “..Y no sólo eso: no hay nada más en la película aparte de eso y las ganas de irse a dormir de rato en rato. No hay una buena construcción de época ni un argumento sólido, casi que sólo conocemos a Rochester sin ningún contexto, y hasta ahí lo conocemos: ¿o acaso sólo se dedicaba a escribir obras malísimas de teatro?”.

Movies Maniac dice: “Existen ocasiones donde ciertas peliculas producen diferentes reacciones en una persona puesto que trabajan en diferentes y variados niveles. Para mi El Libertino (The Libertine) es una de ellas”.

Gonzalo Fontánes dice: “Esta película deja un raro sabor después de haberla visto, aunque cuenta con la actuación de Johnny Depp, John Malcovich y Paul Ritter no logra cuajar la puesta en escena”.

Cinefilia Terminal dice: “…The Libertine es una película de época hecha en esta época y con sensibilidades que no son características de ninguna de las dos. Le pertencen al protagonista, y que nadie más finja ser el dueño. Es algo distinto a lo que estamos acostumbrados, sin volverse una revolución genérica”.


Película: Invasores – Si así nos invaden, los acabaremos muy fácil


Calificación CineVista:
Título Original: Invasion

Género: Ciencia Ficción
Director: Oliver Hirschbiegel.
Reparto: Nicole Kidman (Carol Bennell), Daniel Craig (Ben Driscoll), Jeremy Northam (Tucker Kaufman), Jackson Bond (Oliver), Jeffrey Wright (Dr. Stephen Galeano), Veronica Cartwright (Wendy Lenk), Josef Sommer (Dr. Henryk Belicec), Celia Weston (Ludmilla Belicec), Roger Rees (Yorish), Eric Benjamin (Gene), Susan Floyd (Pam), Stephanie Berry (Carly)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:39 Min
Ver Trailer: Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007

Si lo prefieres Escucha esta reseña Aquí:

SINOPSIS

Una misteriosa epidemia comienza a alterar el comportamiento de los seres humanos. Una psiquiatra de Washington D.C., Carol Bennell, descubre que el origen de la epidemia es extraterrestre y debe luchar para proteger a su hijo, porque posiblemente él sea la clave para detener la creciente invasión.

RESEÑA/CRITICA

Se estrenó la cuarta versión cinematográfica de la novela clásica de Jac Finney llamada “Los ladrones de Cuerpos” del año 1955. Esta leyenda de la literatura y sobre todo del género de ciencia ficción ha sido la inspiración no solo en las adaptaciones para pantalla gigante sino también para la chica, que gracias a ellas la han inmortalizado. La mayoría de críticos, espectadores y lectores de la novela original, coinciden en que la mejor versión de las ya realizadas fue la primera, elaborada en 1978 pues tomo a consideración la invasión extraterrestre desde adentro. Algo que sin duda le imprimió altas dosis de temor y realismo al público (Ver Aquí apartes de esta versión) aunque en apariencia no parezca tan real dada su época, si lo es.

La Invasión de este año cuenta con la dirección del alemán Oliver Hirschbiegel, el mismo del “Hundimiento” del año 2004, película que trato los último días de Hittler y que además recaudó diversos premios en su país y en el extranjero. Esta es la primera cinta del director en Hollywood, que fue rodada en varios sitios reconocidos de Baltimore y Washington D.C. como el “National Mall”, el “Hospital Universitario de Georgia Town”, la “Estación del Tren” de Cleveland entre otros.

El costo de este filme fue de 80 millones de dólares y hasta la fecha ha logrado recaudar 28 millones, tanto de su país de origen como del exterior. Una cifra que se convierte en su peor carta de presentación y desalienta a verla; sin embargo, yo tenía esperanzas en ella y su trailer me parecía bastante atractivo. También debo confensar que adoro este tipo de historias y la curiosidad me convenció; además de el reparto que incluye a la adorable Nicole Kidman y el británico Daniel Craig, recordado por su papel protagónico en la cinta “Casino Royale” del año 2006, quien además para deleite femenino nos descrestó con sus atributos físicos.

No tarde mucho tiempo en reconocer que Invasores es un mal remake que incurre en varias aspectos negativos. Para ser del género de ciencia ficción combinado con un poco de suspense, es demasiado argumentativa con el detonante de que sus argumentos son en muchas ocasiones fastidiosamente irreales. Esto trae como consecuencia un ritmo lento carente de emoción casi hasta su desenlace. El director gastó tanto tiempo en el desarrollo del filme, que el final transcurre a una velocidad que va en contraposición al resto de su metraje, entregándonos un final cortado, sin sazón y extremadamente simple que deja al espectador incómodo, inquieto y generándose más preguntas que respuestas.

La actuación de Kidman no es algo de rescatar tampoco, pues es demasiado medida, calculada y fria que no permite que el público se compenetre y se identifique con su historia, con su condición de médica y sobre todo de madre. Igual sucede con Daniel Craig. Esto es gracias más que a los actores, se debe a las ordenes impartidas por su director, quien con esta cinta, pisa con el pie izquierdo la meca del cine.

Los elementos positivos de la película radican en el hecho de pensar en una invasión extraterreste dada por un virus, el ambiente y la atmósfera que se le dio a los espacios tras la invasión y las persuciones al mejor estilo zombie que son los que realmente la hacen soportable y la dejan ver.

Lo Mejor de la Película: Su trailer

Lo Peor: Es muy argumentativa sin necesidad alguna

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

Lee Comentarios de Otros Bloggers sobre la película

Cine de Horror dice: “Tomando en cuenta que “The Invasion” es el remake de un remake de una adaptación de un libro… salio bastante bien, lo cual no quiere decir que sea recomendable. Esta muy bien hecha y la trama esta bien construida (aunque con demasiados cliches) pero le falta mucho para convertirse en un clasico, es mas, lo mas probable es que tras una semana no recordemos en absoluto esta pelicula…”

Bunker recargado dice: “…La verdad yo esperaba más de esta película, los elementos clásicos no están presentes, las versiones de Siegel y Kaufman eran verdaderas tragedias, pues no había final feliz, esta versión no solamente es seca sino hasta cursi…”

El blog de Jedi dice: “… Y es que eso fue la película, fue como vivir mi Simpson Comic en formato tetradimensional, sólo que esta vez la que corría indiferente por las calles era Nicole Kidman y no Homero Simpson.. “.


Película El Sueño del Paraíso: ¿Realmente es cuestión de presupuesto?


Calificación CineVista:
Género: drama
Director: Carlos Palau
Reparto: Luz Marina Arcos (Isabel Sarmiento), Yudi Machida (Juzo Takeshima), Alejandro Buenaventura (padre de Isabel)
Duración: 1:23 Min
País: Colombia
Año: 2007
 
SINOPSIS
Durante los años 20, en un japón empobrecido por luchas internas, un joven llamado Juzo Takeshima, egresado de Filología Española, descubre en una vieja librería de Tokyo la obra “María” del Escritor Colombiano, Jorge Isaacs. Juzo, queda impresionado por el bellismo relato del poeta, que decide traducirla por entregas en la revista de La Universidad de Tokyo; la que es leíada por un puñado de estudiantes; estimulandolos así, a emigrar en busqueda de las tierras de María, sin imaginar jamás, que unos años después de haberse instalado en nuestras tierras, serían perseguidos y confinados injustamnete en un Campo de Confinamiento durante la II Guerra Mundial junto con Alemanes e Italianos.


RESEÑA, CRÍTICA

El Sueño del Paraíso
es el sueño hecho realidad del director vallecaucano Carlos Palau y que abrió la XXIV versión del Festival de Cine de Bogotá, en donde y, como señalamos en la sección de noticias de Colombia, Satanás fue la cinta ganadora a Mejor Película Colombiana entre otros reconocimientos.Esta película ha sido fuertemente cuestionada por varios fallos evidentes que no solo reconoce el público y la crítica, sino también su director. El Sueño del Paraíso es una cinta válida como documento histórico, pues nos recuerda una parte de nuestra historia poco o casi nada explorada y mencionada en cine, además de regalarnos una versión auténtica que involucra una obra literaria tan importante como lo es “María”. Suponer la llegada de los japonés a nuestra cultura tras la historia de este libro es sin duda algo digno de llevar a la pantalla gigante.

Palau junto al reconocido Sandra Romero, crearon una historia basada en hechos reales, interesante y sobre todo tomando a consideración una temática distinta, algo que aprecio mucho en la cinematografía colombiana por estos días. Es notorio el esfuerzo y el esmero por sacar adelante este filme contado en cuatro idiomas: español, alemán, nipón e italiano, algo que mal o bien, es innovador para una cinta cuyo presupuesto fue de tan solo Usd$20.000. A pesar de este bajo presupuesto, la fotografía es bastante aceptable y con cierto grado de belleza. Pero desafortunadamente la historia cae en un letargo que abruma al espectador, el estatismo en el que se envuelve su narración hace que los diálogos entre sus personajes no sean fluidos y que además se pierda el factor sorpresa, ya que todo en la cinta es demasiado evidente. Algo que también encuentra su razón de ser, en los actores naturales que se utilizaron, rescatando por supuesto, al único actor de título, el señor Alejandro Buenaventura.

Pero más allá de discutir y analizar cada elemento técnico de la cinta, El Sueño del Paraíso nos trae a colación una discusión interesante. Palau aseguró en el Periódico El Tiempo lo siguiente: “Me da un dolor ver las falencias de la película. Con plata yo hubiera hecho una maravilla”. Su sinceridad es inquietante y nos pone a reflexionar hasta que punto se apoya realmente la diversidad de nuestra cinematografía. Pero ¿ésta honestidad y la falta de presupuesto deben utilizarse como excusa para justificar los fallos de una cinta? ¿Cuántas películas se han hecho con actores naturales o de poca trayectoria que llevan a buen término su producción? Es realmente una odisea hacer cine con tan poco presupuesto, pero los resultados que se logren, más allá de la poca técnica que se use por razones conocidas, pues deben ser dignos y decorosos.

Palau dice algo con lo que estoy de acuerdo: “Me dolió mucho que no me pararan bolas en Bogotá para hacer El sueño… La puse a participar en todas las convocatorias, pero no pasó nada. Voy a retirarme del cine. Estoy deslumbrado con tanto derroche de dinero para otras películas colombianas, como “Esto huele mal”, a la que le entregaron 500 millones de pesos. Es que para las “comedietas” sí hay plata…”. Estas palabras seguramente calan en la cabeza de quienes las escuchan, la pasión con que las expresa, descubren la opinión de un director que son, además, una premisa que todos conocemos y que no es más de lo que se repite en nuestro país en diversos sectores: los intereses de terceros por negocio, priman sobre lo que realmente le interesa al cine colombiano para su total desarrollo. Como consecuencia de todo esto, El Sueño del Paraíso ha tan solo una semana de haberse estrenado, ya no hace parte de la cartelera nacional.

 


Película Mexicana Niñas Mal – Imitación Americana?


Calificación Cinevista:
Género: Comedia
Director: Fernando Sariñana

Reparto: Martha Migadera (Adela), Blanca Guerra (Maca), Camila Sodi (Pia), Maria Aura (Maribel), Alejandra Adame (Heidi), Ximena Sariñana (Valentina), Daniel Berlanga (Emiliano), Kike (Victor González), Rafael Navarro (Martín León), Mario Pérez de Alba (Julio Mera), Roberto D’Amico (Enrique), Zaide Silvia Gutiérrez (Fina), Diana Golden (Mamá Pia)
Página Oficial:
Ver Aquí
Ver Trailer: Aquí
Duración: 1:40 min
País: México
Año: 2007

Si lo prefieres escucha áquí esta Reseña:

SINOPSIS
Adela es una adolescente desubicada y rebelde, que recientemente fue arrestada por mal comportamiento; su padre teme que ella afecte su campaña para Jefe de Gobierno, así que la ingresa en la escuela para señoritas más prestigiosa de la ciudad, cuya estricta directora garantiza que la convertirá en una “Diosa Doméstica”.

Junto a las comedias Lifting de Corazón de Argentina, Mi Mejor Amigo de Francia y El Regreso del Todo Poderoso que al parecer se rehusa a salir de carteleras, se está presentando esta nueva comedia mexicana producida por vez primera por Columbia Pictures, que además, fue rodada totalmente en dicho país, durante casi dos meses.

Niñas Mal es un filme que reúne a un equipo con mucha trayectoria y reconocimiento en ese país. Comenzando desde su director, Fernando Sariñana, un gustoso de este género, con películas como “Todo el Poder” de 1994, hasta el reparto que cuenta con famosos actores, actrices y cantantes de la tierra de los aztecas como: Martha Migadera, la protagonista, que ha sido distinguida con importantes premios como el “Diosa de Plata”, como actriz revelación de cine y por esa misma razón dos premios más: el “MTV Movie Award Latino” y el “Palmas de Oro”. Blanca Guerra, quien interpreta a Maca, una actriz con mucho recorrido en el séptimo arte mexicano, ha participado en más de 80 producciones, al igual que Zaide Silvia Gutiérrez que también se ha hecho partícipe en más de 30 producciones. Finalmente las jóvenes actrices y cantantes Camila Sodi y Ximena Sariñana, entre otros.

Por el estilo que guarda Niñas Mal y su producción, a los pocos minutos de estar viendola, no es difícil caer en cuenta que la película parece estar emulando las típicas comedias americanas. Y sin dudarlo es así, aunque yo no la juzgaría duramente por este aspecto, pues a pesar de hacerse muy notoria su intención, considero que no es una copia tan mala; además, este producto no logra hacernos temer que la cinematografía mexicana comenzará a producir cine menos auténtico, tradicional y basado en sus raíces y cultura.

Niñas Mal es una comedia extramedamente light, con un target muy limitado; es decir, el adolescente. Considero que díficilmente esta cinta va a logar sobresalir entre el público diferente al de esta edad. Como igual pienso que este filme resulta menos irritante para un público extranjero que para los espectadores de su propia casa, quienes están saciados con las historias de la exitosa serie Rebeldes, por citar un único ejemplo. La película entretiene y goza de varios momentos cómicos que hacen sacar unas generosas carcajadas, además las actuaciones que en términos generales la hacen soportable sin que se logre destacar alguien en especial, incluyendo dentro de este grupo a la premiada actriz principal. Su temática hace un llamado a la convivencia y tolerencia, sin embargo, al estar lleno de chistes tan simples, se pierde un poco esta intencionalidad. Creo que los valores que se quisieron expresar, serán a la final, los menos recordados de la película. Por el contrario la selección de más de 10 canciones que se realizó, son un muy buen acompañante a lo largo de su metraje. Entre dichas canciones están: “Niñas bien, niñas mal” de Pombo, “Niñas Mal” de Nikki Clan y “Como Soy” de Ximena Sariñana que interpreta el papel de Valentina, una lesbiana.

A pesar de todos los detalles que les he mecionado, a mi no me pareció un ejercicio tan desagradable el que quizo experimentar el cine mexicano junto a Columbia Pictures. Esta cinta mal que bien, será una nueva ventana que acercará aún más el cine de México a otros países, justamente por su naturaleza de comedia típica al estilo americano, que parece ser desde hace largo tiempo, el punto de referencia para este género. Obviamente no es la mejor película, pero igualmente lejos está de ser la peor.

Lo que más me gustó de la cinta: la música

Lo que menos me gustó: un comedia demasiado ligera


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Comentarios

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

Lee Comentarios de Otros Bloggers sobre la película

Y mi pollo dice: “Película poco recomendable, es como un capitulo de telenovela con escenas de sexo y desnudos y con buen sonido, es mejor quedarte en tu casa y no gastar 45 pesos, y ver un capitulo de Rebelde RBD”.

Churros y Palomitas dice: “La película tiene algunos momentos divertidos (lo cual muestra que si había guión), sin embargo hay sobre actuaciones, cliches y sobre explotación de nudismo gratuito”.


El Buen Pastor: ¿En dónde radica el problema?



Calificación:

Género: Drama
Dirigido por: Robert De Niro
Reparto: Matt Damon (Edward Wilson), Angeline Jolie (Margaret ‘Clover), Robert De Niro (Bill Sullivan)
País: Estados Unidos
Año: 2006
 
Tengo una dualidad respecto a este film. Me parece algo cruel tildarla de regular, pero no me siento tan convencida de calificarla buena. La segunda película dirigida por Robert De Niro después de “Una Historia del Bronx” en el año de 1993, cuenta la historia de los inicios de la CIA, como también los liga a la famosa secta “Skull and Bones”, cuyos miembros son la crema innata de la aristocracia norteamericana, aquellos que manejan las riendas de ese país y el mundo entero, estudiantes de la famosa Universidad de Yale y que, según cuentan, pertenece toda la descendencia de la familia Bush, de hecho, este fue uno de los aspectos más difíciles a la hora de llevar a cabo el filme, pues como secta oculta que es no permitieron a la producción ni siquiera tomar fotos en las afueras del adorado claustro. Desde los años noventa comenzó De Niro a documentarse para llevar a cabo esta cinta.

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Es difícil ser un diamante en un mundo lleno de piedras falsas.