Por Sexo O Por Amor / Combien tu M’aimes? Los créditos son para Bellucci


Calificación CineVista:
Género: Comedia
Título Original: Combien Tu M’aimes??
Director: Bertrand Biler
Reparto: Monica Bellucci (Daniela), Bernard Campan (François), Gérard Depardieu (Charly), Jean-Pierre Darroussin (André), Edouard Baer (Edouard), Farida Rahouadj, Sara Forestier (Muguet)
País: Francia
Año: 2005
 
 
SINOPSIS: La vida de François (Bernard Campan), un solitario y gris oficinista parisino, está a punto de cambiar. Al ganar la lotería llega a un extraño pacto con una hermosa prostituta italiana de la que está enamorado; le dará 100.000 € al mes si vive con él indefinidamente, hasta que se acabe el dinero. Daniela (Monica Bellucci) acepta empezando así una original y tortuosa historia de amor no exenta de romanticismo, pasión y sexo.De entrada debo decir que esta película no es para todo el mundo y no se deben dejar llevar por su género. No es que la cinta no sea cómica, pues en realidad lo es, pero es un tipo de comedia absolutamente diferente al que solemos ver. La propuesta que nos plantea este filme resulta ser novedosa y diferente al menos para el público de mi país. Bertrand Biler, el director, nos trae esta historia bastante atrevida. Biler, a lo largo de su carrera ha explorado siempre los temas más polémicos como la prostitución, las relaciones humanas, el sexo, la violencia, los desafíos, etc.

Por Sexo o Por Amor es una película difícil de abordar teniendo en cuenta cada uno de los elementos que componen el lenguaje cinematográfico, como el espacio, el tiempo psicológico, el ritmo, etc; pues hasta en esto, el director es innovador y rompe muchas de las reglas a seguir; podemos ver en ellos otro tipo de comedia, en donde será común que se vean cambios bruscos en el ritmo, en el espacio, en la iluminación, en el drama que se maneja de una escena a otra y demás. Puedo decir que estos elementos los fusiona plenamente a la trama de la película para ayudar a su historia a ser aún más absurda, cómica y a veces incomprensible. Entonces, teniendo como precedente el gusto especial de este director por abarcar estos temas espinosos para muchos, desde el punto de vista más crudo, más polémico y sin ningún tipo de prejuicio, pienso que lo más justo es criticar esta cinta netamente desde su historia. Y en este aspecto, Por Sexo o Por Amor, pasa la prueba. En ella hay emoción, mucho sentimiento, amor, drama, intriga, suspenso y muchísisisima pasión. Además el mensaje es claro y posible dentro del mundo de las mujeres que han tomado este camino. El amor no discrimina y hasta en las relaciones más extrañas logra brotar. Obviamente en esta cinta con bares y prostitutas de por medio, el amor que nace es de lo más extravagante que se pueda uno imaginar, pero igual no es de esperarse lo contrario. También tiene un determinante elemento sorpresa, pues nada de lo que va ocurriendo es realmente imaginado por el espectador. Este punto es lo más notable de la cinta, pues desde el inicio hasta su final es inesperado.

La carga pasional de la película sin duda está a espaldas de Mónica Bellucci. Y no es difícil envolverse en su rol, el porte y sus movimientos altamente atractivos. Pareciera que nadie más que ella debió estar en ese papel, pues encaja a la perfección. Y eso es justo lo que su director creó, puesto que este personaje se hizo única y exclusivamente para ella. Por su parte, el que considero debió sentirse un “afortunado” actor, envidia de muchos hombres y por qué no de mujeres también, que acompaña a Belluci, es Bernand Campan, un reconocido cómico dentro de su país, Francia. Su rol dentro de la cinta le da un brillo especial a la sensual actuación de esta mujer, quien como les decía soporta el peso de toda la película con gran brillantez.

Cuando la cinta se estrenó en Francia, Bellucci, actriz italiana, hizo unas declaraciones bastante dicientes sobre su trabajo en esta película. Ella dijo: “No tuve dificultades para meterme en la piel de Daniela, al fin y al cabo, todas las mujeres somos un poco prostitutas en la vida real. Lo que más me gustó de esta película es que comienza con la pregunta: ¿Cuánto cobras? Y termina con la palabra “amor”. Esta última parte en definitiva resume muy bien lo que la película representa.

Yo recomiendo esta cinta para aquellos amantes a este mundo cinematográfico, aficionados como yo que les gusta de vez en vez salirse de las películas comerciales tradicionales y explorar otras formas de hacer y construir cine.


CineVistaZO #3 – Cartelera de Cine Mexicana


1. Griffin & Phoenix – Una Lección de Vida
Género: Drama / Romance
Director: Ed Stone
Reparto: Amanda Peet, Dermot Mulroney, Sarah Paulson, Blair Blown, Alison Elliot

País: Estados Unidos
Año: 2006

SINOPSIS: Narra la historia de un hombre con un terrible diagnóstico de cáncer. Él se ha divorciado y ahora vive alejado de todo el mundo. Su único compañero son las páginas de un libro que decidió escribir. Pero la vida le pondrá en el camino una persona con la que su vida tomará un nuevo aire.

Desde el pasado 13 de Julio, los mexicanos tienen en su cartelera esta película que es un remake de una película que se realizó para televisión en el año de 1976 y que obtuvo un memorable éxito, pues en ese entonces se hizo merecedora a una nominación en los premios Emmy. También es el estreno de su director, recordado más en el mundo de la actuación en películas como “Especies” del año 1995. La historia de esta película es enternecedora y cargada de mucho sentimiento y fragilidad.

Mi Opinión: Estas películas contienen una carga emotiva que me gusta ver, pues me recuerdan lo sentimental y frágiles que resultamos ser todos frente a este tipo de temas. La mezcla entre dolor y amor son de mi agrado, aunque en apariencia su temática no nos ofrezca nada de innovación. Las películas que son una lección de vida siempre me dejan algo que pensar y reflexionar y por tal razón vale la pena mirarla.

2. White Noise 2: The Light – Luces del Más Allá
Género: Terror
Director: Patrick Lussier
Reparto: Nathan Fillion (Abe Dale), Katee Sackhoff (Sherry Clarke), Craig Fairbrass (Henry Caine), Adrian Holmes (Marty Bloom), David Milchar (Kurt), Aaron Pearl (Stanley), Vanesa Tomasino (Laura).
País: Estados Unidos
Año: 2007

SINOPSIS: Tras la muerte de su mujer y su hijo, Abe (Nathan Fillion) intenta suicidarse, pero es devuelto a la vida por los médicos. A partir de ese día, Abe ve y oye cosas extrañas a través de los aparatos electrónicos. Su médico cree que se trata de EPV (Electronic Voice Phenomenon), un fenómeno a través del cual los muertos se comunican con los vivos. Abe, además, ve un extraño aura en algunas personas. Pronto descubre que éste aura precede a la muerte de quien la posee.

“Luces del más allá” llegó a la cartelera después del éxito obtenido con su primera versión, “Voces del Más Allá”, como se conoció en mi país. Este vez la película trae cambios significativos en cuanto su historia (lo que genera miedo ahora es otro elemento), sus personajes (son otros) y su director (es otro). La producción de esta película ha mencionado que ésta nueva parte va mucho más allá que la primera y es mucho más personal. Hay que recordar que su antecesora recaudó más de 100 millones de dólares en taquilla.

Mi Opinión: Voces del más allá no fue algo que llamara la atención cuando se asomó en cartelera en mi país. Incluso me parecía más interesante la primera y hasta más creíble, ya que exploraba el fenómeno de F.V.E. ( Fenómeno de voz electrónica) fenómeno bastante documentado mundialmente, que permite escuchar voces del más allá a través de aparatos electrónicos.

3. Vainilla y Chocolate
Género: Romance
Director: Ciro Ippolito
Reparto: Maria Grazia Cucinotta, Alessandro Preziosi, Joaquín Cortés, Roberta Aliberti
País: Italia
Año: 2004

SINOPSIS: Penélope es una profesora de música casada con Andrea desde hace 20 años y con el que tiene tres hijos. Tras enterarse de las infidelidades de su marido, Penélope decide huir hacia la vieja casa de su abuela para reflexionar, mientras que su marido tiene que ocuparse por primera vez de sus hijos. En su solitario momento, Penélope recuerda que en algún momento de su matrimonio, ella también tuvo una relación extra matrimonial con un pintor fascinante que quería casarse con ella. En ese momento, se entera de que dicho artista está enfermo gravemente y corre a su lado.

Esta película marca el regreso de su director, recordado por películas como “Alien 2”, después de 20 años de ausencia en la dirección cinematográfica. Vainilla y Chocolate es una cinta basada en un libro homónimo de Sveva Casti Modigliani. Su nombre se toma de una especie de masa con crema bastante popular en Nápoles, que sirvió además de escenario principal para la ambientación de esta película. Otra de las novedades de la cinta es el debut del famoso bailarín Joaquín Cortés.

Mi Opinión: Su historia supone ser una película intensa, cargada de pasión, amor y dolor a juzgar también por su nombre bastante sugestivo. Pero no sé realmente si todos estos elementos reunidos en su guión finalmente terminen siendo bien llevados a la pantalla gigante. Para verla en casa.

4. Water
Género: Drama
Director: Deepa Mehta
Reparto: Seema Biswas (Shakuntula), Lisa Ray (Kalyani), John Abraham (Narayan), Sarala (Chuyia), Manorma (Madhumati), Waheeda Rehman (Bhagwati), Kulbushan Kharbanda (Sadananda), Raghuvir Yadav (Gulabi), Vinay Pathak (Rabindra), Ronica Sajnani (Kunti).
País: India y Canadá
Año: 2005

SINOPSIS: La historia transcurre en 1938. Según las creencias hindúes cuando una mujer se casa se convierte en la mitad del hombre. Por lo tanto, si él muere, se considera que la mitad de la esposa ha muerto. Los libros sagrados dicen que una viuda tiene tres opciones: casarse con el hermano más joven de su marido; arder con su marido;  o llevar una vida de total abnegación. Se celebra una boda que bien podría ser un entierro: casan a Chuyia (Sarala), una niña de 8 años, con un moribundo que fallece esa misma noche. Se quema su cuerpo en la orilla de un río sagrado y Chuyia se prepara para el destino que han escogido para ella. Se le afeita la cabeza e ingresa en un “ashram” para viudas donde deberá pasar el resto de su vida.

Hay que indicar que la película es la última cinta de una trilogía, de la aclamada directora y guionista de ésta filme, que fue nominada a los Oscar este año como Mejor Película de Habla No Inglesa. Las cintas que forman parte de la trilogía son: “Fuego” de 1996 y “Tierra” de 1998. Este filme ha sido gratamente admirado por su belleza visual y por la forma como explora la historia desde lo más profundo de sus personajes.

Mi Opinión: No cabe duda desde lo que se lee en su sinopsis y se ve en el trailer, lo profundo que es su historia y el espinoso tema que toca. He de suponer las reflexiones o incógnitas que deja este filme acerca de la mujer, sus valores y el sometimiento en el que muchas mujeres aún hoy se han visto envueltas, gracias a la religión y el origen de la creación. Para no perderse.

 



Harry Potter y la Orden del Fenix: Se despide de su audiencia infantil


Calificación Cinevista:
Género: Fantasía, Aventuras
Director: David Yates
Interpretación: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), Michael Gambon (Albus Dumbledore), Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Brendan Gleeson (Alastor ‘Ojoloco’ Moody), Jason Isaacs (Lucius Malfoy), Gary Oldman (Sirius Black), Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall)
País: Estados Unidos, Reino Unidos
Año: 2007
 
Escucha Aquí, este Artículo:
— — — — 


SINOPSIS: Tras unas largas y solitarias vacaciones, Harry regresa al colegio a su quinto año en la academia de magos. Ahora deberá poner todos sus conocimientos a prueba para enfrentarse al terrible Voldemort.

David Yates es el afortunado y primíparo director en este campo, que se alzó el gran peso y responsabilidad a sus espaldas para dirigir la entrega número cinco de esta película. Su experiencia basada en televisión básicamente, lo llevó a asumir el grandísimo reto de sintetizar y condensar el libro más largo de toda la saga, con casi 900 páginas. Este ingrediente, más el hecho de ver a su personaje principal junto a sus amigos más crecidos y transformados en todos unos jóvenes adolescentes, se convirtieron en el principal atractivo de Harry Potter y la Orden del Fénix.

Tan denso como el libro de Joanne Rowling, resulta ser la película con una duración de dos horas veinte minutos, lo que de entrada me pareció muy extenso para un filme que aún mantiene en vilo a una gran audiencia infantil. Este punto lo fui ratificando a medida que pasaban los minutos, pues así como sus personajes crecen, la historia también lo hace.

La trama es más madura y compleja, alejando a su público infantil definitivamente. De hecho, cuando fui a ver la película, entre los espectadores de la cinta habían muchos niños entre los 8 y 11 años, hasta incluso pude ver a muchos de ellos distraídos, yendo por crispetas, gaseosa, al baño, saltando en los pasillos y uno hasta cayó en manos de morfeo y de forma tan profunda que tuvo tiempo hasta para roncar, y todo esto que les cuento, ocurrió en medio la película. Tal vez esto se dio gracias a su historia, que está cargada de elementos argumentativos y muy poca acción. Los diálogos son más extensos y profundos en esta oportunidad.

HarryPotter mantiene en general su ritmo durante toda la cinta, pero de forma lenta y con planos extremadamente largos y una utilización algo excesiva del recurso del “flashback”, que en ocasiones consiguieron cansarme como a los niños, aunque declaro que no soy la amante ideal que ésta película quisiera tener.

A tanta espera de acción, hace suponer que su parte culminante será todo un acontecimiento contundente, cargado de mucha emoción y acción, pero la verdad para mí no fue así. Fueron más las expectativas que generó la producción con el tema de la última batalla, que lo que realmente se puede ver reflejado en ella. Y me refiero estrictamente a la acción y la emotividad que se pueda transmitir. Al contrario del desarrollo de la cinta, las escenas finales son un collage de imágenes cortas y sin cabida a mucha explicación. Pero por otra parte, la realización y puesta en escena no solo de esta batalla sino del resto de la película, son impecables. La utilización de una cámara de mano que permite al espectador inmiscuirse en la escena de acción y trama que viven en ese momento sus personajes, realmente es excelente.

Otro punto es sin lugar a dudas su reparto que logra destacarse y hacer pasar gratos momentos en la película, a excepción de Daniel Radcliffe, quien interpreta a Harry Potter, pues aún no logra salir avante. Me temo que la crítica lo seguirá criticando por su poca fuerza interpretativa. Un chico a la final con una suerte inmensa, casi envidiable, que ha sabido aprovechar al máximo y con la fortuna de tener aún tiempo para reivindicarse con sus detractores.

Harry Potter y la Orden del Fénix no me convenció pero es indudablemente entretenida, que por cierto consiguió un muy buen recaudo el primer día de su estreno en Estados Unidos con 12 millones de dólares  y 44 más al día siguiente. Igual suerte corrió en España donde se acercó a los 2 millones de Euros en recaudo el día de su estreno. Además de romper el récord de exhibición al presentar simultáneamente en 44 países del mundo.

Lo Mejor: La puesta en escena, ambientación y algunos de sus personajes

Lo Peor: Demasiado argumentativa.

 
¡Buena suerte!
 

Primitivo / Primeval: Engaño mortal


Calificación Cinevista:

Género: Acción, Suspenso
Director: Michael Katleman
Reparto: Dominic Purcell, Orlando Jones, Brooke Langton, Jürgen Prochnow
País: Estados Unidos
Año: 2007
 
Escucha Aquí, este Artículo:

— ——- —— —

SINOPSIS: Un grupo de expedicionarios americanos son llevados a una remota zona del África en búsqueda de un asesino primitivo que se ha cobrado la vida de más de 300 habitantes del lugar.

(Contiene spoilers)

Antes de empezar quiero ofrecer mis disculpas porque seré absolutamente destructiva con este filme. Primitivo es un engaño mortal como he titulado este post por muchísimos aspectos. Primero su póster, al igual que su trailer (los que llegaron a mi país), nos invitan a ver una verdadera película de suspenso y acción. En ambos elementos tan importantes para los fines comerciales de la película la trama real es total y hábilmente escondida. Esto es sin dudas lo mejor de la cinta y cabe mi reconocimiento a los “magos” que la realizaron, pues muchos espectadores asistieron y asistirán a verla, gracias a estos dos elementos.

Primitivo narra unos hechos reales ocurridos en ese país, cuando un cocodrilo ancestral y de grandes proporciones azota a los habitantes de la región donde se hospeda. ¿Un cocodrilo? Pues sí, ésta es la trama principal de la cinta. Los ataques de un inmenso y mal creado cocodrilo, cuyos efectos especiales son de lo peor. Partiendo de ahí y como bola de fuego o de nieve, los sinsabores de la cinta continúan.

África, tierra agraciada, a quien sus hombres y la naturaleza los dotó de mucha fuerza, tesón, un cuerpo atlético y resistente, buena altura y demás, no consiguen dar por cerrado el trágico capítulo de muertes por este despiadado animal y por eso son los “superhéroes” americanos quienes tendrán la sucia tarea de perseguirlo, hallarlo, darle caza y poner fin a esta situación de una vez por todas. Yo puedo entonces tomar dos lecturas de este desacertado suceso: una es la de un leve toque racista y la otra, la muestra típica de la “idiosincrasia” americana llena de orgullo que como potencia cree poder salvarnos a todos. Posteriormente a esto, y tal vez conociendo de antemano su director la floja historia creada alrededor de este cocodrilo, se “ingeniaron” un subtema con guerrilla a bordo y con balas de bandos buenos y malos por doquier. El resultado final son dos historias unidas a la fuerza pero que por más que se intentaron unir terminaron siendo inmensamente aisladas. Para completar, esta trama con una absoluta falta de claridad, su fotografía es penosamente oscura. Y es que así pueden ocultar todas las fallas bastante visibles en cada una de sus escenas. A este punto puedo destacar esa capacidad del equipo de trabajo de esta cinta para utilizar los recursos necesarios que ayudan ocultar sus fallos.

En resumen, esta película tiene los más flojos elementos, es un desastre universal y altamente infantil. Recuerdo que en una de sus escenas, los expedicionarios se encuentra en medio del fuego cruzado en un valle abierto cubierto de espeso pasto. Los dueños de estas balas a diestra y siniestra los tienen acorralados a escasos 6 o 7 metros, pero las balas les son inmunes de forma descaradamente mentirosa hasta cierto punto de la película. Así mismo las actuaciones de estos personajes son de trámite y en nada ayudan a la historia.

Primitivo no es para verla ni en cine, ni en casa. A mí por ejemplo, su casi justa hora con 33 minutos de duración se me hicieron una eternidad.

 

Lo Mejor: El trailer
Lo Peor: El resto

 

¡Buena Suerte!!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes califiquen la película. Gracias.




Mentes en Blanco: Se queda en blanco


Calificación CineVista:
Género: Suspenso
Título Original: Unknown
Director: Simon Brand
Reparto: Jim Caviezel (Chaqueta Vaquera), Greg Kinnear (Nariz Rota), Joe Pantoliano (Hombre Atado), Barry Pepper (Camisa Granjera), Jeremy Sisto (Hombre Esposado), Bridget Moynahan (Eliza Coles), Peter Stormare (Botas de Serpiente), Clayne Crawford (detective Anderson).
País: Estados Unidos
Año: 2006
 
Escucha Aquí, este Artículo:
— — — —

SINOPSIS: Cinco hombres encerrados en una fábrica abandonada se despiertan de repente sin recordar quiénes son. Al pasar de las horas irán descubriendo el motivo por el cual se encuentran en aquel lugar. El problema radica en identificar en quién se puede confiar.

El viernes pasado se realizó el estreno nacional de esta película que tuvo como antesala el preestreno de la misma, el día anterior, con la visita de Simón Brand y uno de los actores de la misma, Jeremy Sisto, a la capital del país colombiana, Bogotá. Como muchos ya lo saben es la primera cinta del director colombiano y que además se proyecta en la esfera internacional como es el caso de España que junto a Estados Unidos la vieron en diciembre del año pasado.

Muy probablemente al leer la sinopsis de la cinta a muchos su memoria les comenzará a trabajar, tratando de recordar otra película con similar temática. Pues sí, justamente de esto es de lo que más se le acusa a “Mentes en Blanco”, ya que su trama se parece a las películas “Saw I” y “Cube”. La primera, del año 2004, cuenta la historia de dos hombres encerrados en un baño que descubren al encender las luces un tercer cadáver. Mientras que la segunda, del año 1998, con muchísima más similitud narra la historia de seis hombres desconocidos con diversas actividades y personalidades que despiertan atrapados en una extraña prisión, pero su deseo de escapar los obliga a planear juntos su huída. Y es que sobre todo con “Cube” se hace inevitable su comparación. El problema entonces no es hacer una cinta similar a otras, pues justamente esto pasa a menudo, sino lograr superarlas para borrar esa barrera de comparación. Pero desafortunadamente esto no le ocurre a la primera cinta de nuestro director colombiano.

La idea original es sin duda interesante, puesto que imaginarnos levantarnos de la noche a la mañana con la mente en ceros, supone muchos retos para afrontar o asumir, y si a eso se le añade el ingrediente de despertamos junto a otras personas en igual condición y encerrados, pues se hace aún más dramática la situación y aún más difícil superar el trauma.

Partiendo de esto una película puede conseguir muchos elementos de donde tomarse, por ejemplo, del instinto irremplazable de supervivencia, los prejuicios, la superación de obstáculos, la fe, etc, etc, etc. Y es aquí donde yo podría decir que el desarrollo de la película se quedó en una copia de “Cube” sin ahondar en estos elementos. La humildad de su director, por ser su primer filme supongo, ocasionó una cinta sin mayores pretensiones, demasiado simple y con una gran ausencia de argumento. Los diálogos resultan ser flojos, muy de trámite y que no ayudan mucho a la historia.

Mentes en Blanco tiene un buen inicio pero al paso de los minutos la cinta se sumerge en un letargo aburridor. En efecto, pudo haber sido mucho más ágil y no dar rodeo a muchas de las situaciones que se presentan sin alguna necesidad. Particularmente no logró sorprenderme su final algo inesperado, porque cuando el clímax de la cinta llega y debido al letargo en que la película se adentra en su desarrollo y desenlace, este se me hizo ya hasta predecible.

Se rescata y se reconoce en la película que se conservó de principio a fin el ritmo, al igual que la tonalidad que se manejo en el escenario principal (la fábrica), pues ayuda a recrear el efecto anímico de estos personajes sumidos en su Mente en Blanco. Además de la pericia de Brand como director novato para adquirir un reparto bastante considerable como: Jim Caviezel de “La Pasión de Cristo” del año 2004, Greg Kinnear, de “La Pequeña Miss Sunchine”, del año 2006 y Joe Pantoliano, de “Memento”, del año 2000, entre otros. Tal vez ellos, sin una brillantez en sus interpretaciones y sin lograr que alguno se destaque en particular, permiten resistir la película hasta su final.

Lo Mejor de la Cinta: La idea original

Lo peor: Los diálogos

¡Buena Suerte!!!  Y no olviden ser ustedes mismos quienes califiquen la película.


La cambiadora de páginas: Tan calculada que no transmite


Calificación:
Género: Drama
Director : Denis Dercourt
Reparto: Catherine Frot (Ariane Fouchécourt), Déborah François (Mélanie Prouvost), Pascal Greggory (Sr. Fouchécourt) Antoine Martynciow (Tristan), Julie Richalet (Mélanie de niña)
País: Francia
Año: 2006

Escucha Aquí este Artículo:
—- —– —- —–
 

Sinopsis: Una talentosa y pequeña pianista desea ingresar al conservatorio, pero sus ilusiones se ven frustradas el día de la audición a causa de la presidente del conservatorio quien consigue desconcentrarla. A partir de ese instante sus aspiraciones y deseos cambian rotundamente.

Supongo que esta cinta llegó la semana pasada a nuestra cartelera avalada por las tres nominaciones a los Premios César del cine francés y a la muestra realizada con éxito en el Festival de Cannes en el 2006 en la sección “Una Cierta Mirada”. Y es que aunque este prestigioso festival supone un ojo crítico y certero sobre las cintas que se exhiben, no es un sello absoluto, y esto es justo lo que desde mi punto de vista le ocurre a este filme.

Como lo pudieron leer en la sinopsis, “La cambiadora de páginas” o “La última nota” como se le conoce a esta cinta, nos trae el ya tocado tema de los pianistas. Marca un poco la diferencia con las demás de su tipo ya que su director conoce a la perfección este mundo, famoso por lo excéntrico de sus artistas. Él fue solista de viola en la Orquesta Sinfónica de Francia y profesor de viola y música en el Conservatorio Nacional de Estrasburgo. Así que estos elementos le permitieron dar origen a una historia bastante interesante en donde las cualidades negativas que todos llevamos por dentro es el mayor protagonista. Este aspecto puede llegar ofender a todos aquellos “moralistas”, siempre listos a criticar y a escandalizarse por las realidades de la vida. Podemos decir entonces que la película es una apología a la maldad y la venganza pensada de forma fría, calculada, paciente, con sigilo y meticulosamente.

Todo esto supone una película al menos buena, pero la realidad es que la cinta, con una buena idea original, no consigue cumplir a cabalidad su objetivo. Su espacio dramático es unas veces psicológico, en donde se alarga en demasía el drama vivido por su protagonista, y en otras ocasiones elíptico dejando demasiadas cosas al supuesto de los espectadores. Y esto en términos generales no está mal, siempre y cuando la omisión del hecho sea lo suficientemente obvio, como de hecho no ocurre aquí. Este defecto en la cinta hace que el espectador se quede creando en su imaginación la razón más ajustada para poder continuar con el hilo de la trama y cuando éste satisface esa necesidad, lo más probable es que ya hayan aparecido nuevas escenas con igual situación y haber transcurrido unos cuentos minutos. Y aquí hago un paréntesis, pues no estoy diciendo que la película requiera de una “mente brillante” para comprenderla. El ritmo de la película es lento, queriendo ahondar en la intriga de su historia y esto hace suponer que el filme tendrá un desarrollo y un desenlace contundentes ante tanta ausencia de acción, pero desafortunadamente este momento no llega y el clímax de la Cambiadora de páginas, ni siquiera en su final hace su arribo. Tal vez lo frío y calculador de la cinta no lograron que yo me conectara con ella y pudiera transmitirme algún destello de emoción o sentimiento.

Lo que sí es una verdad es que los adjetivos con los que he descrito la película fueron perfectamente entendidos por su protagonista quien por la escasez de argumento, expresa a través de su cuerpo, su mirada y sus expresiones, esa frialdad como témpano de hielo, casi inamovible e imperturbable en su macabra intención. Rescato también la escenografía y fotografía, bastante apropiadas.

A pesar de esto, yo quedé con mucha inquietud y reflexión sobre esta película, por eso y sin duda le daré una segunda oportunidad para verla en alquilar.

Lo Mejor de la Cinta: La idea original, la música y fotografía

Lo Peor de la cinta: El ritmo y el espacio dramático

 

¡Buena Suerte!!! No olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película.


CineVistaZO #2 – Próximos Estrenos en España


1. Chuecatown
Género:
Comedia
Director: Juan Flahn
Reparto: Pepón Nieto (Leo), Pablo Puyo (Víctor), Concha Velazco (Antonia), Rosa María Sardà (Mila), Carlos Fuentes (Rey), Eduardo Soto (Luis)
País: España
Año: 2007

Sinopsis: Cuenta la historia de Víctor, un hombre encargado de una inmobiliaria en el barrio de Chueca en Madrid. Lo curioso de su historia es la forma poca usual para conseguir los “pisos” que posteriormente ofrece a sus clientes.

A propósito de la celebración anual del “Día del Orgullo Gay” ocurrida la semana pasada, llega este viernes a la pantalla gigante española esta película, con mucho acerca de este tema y con algo de tinte político. Es el estreno de su director dentro de este nuevo rol, pues se le conoce en este país más como escritor y guionista. Esta comedia negra se basó en los cómics del mismo nombre, pero a la cual se le hizo una rotunda adaptación conservando tan solo el nombre de la cinta y el nombre de sus personajes.

Mi Opinión: No sé si al final resulte tan buena, pero la “supuesta” irreverencia de su tema, seduce verla.

2. El ritmo salvaje (Stomp the Yard)
Género: Musical, Drama
Director: Sylvain White
Reparto: Columbus Shor (Dj Williams), Meagan Good (April), Ne-Yo (Rich Brown), Darrin Henson (Grant)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: Dj Williams es un chico con muchos problemas donde actualmente vive, Los Ángeles, por esa razón se ve obligado a trasladarse de ciudad a estudiar. Escoge Atlanta como su nuevo sitio para cambiar su vida y ahí conocerá un ritmo antiguo llamado “Stepping” que lo apasionará y le hará asumir nuevos retos.

Esta película le apuesta básicamente al baile y a dar a conocer este antiguo estilo afroamericano para conquistar a su público. Lo más curioso de la cinta es la escogencia de su protagonista, un coreógrafo americano que permitió hacer las escenas de baile sin ningún tipo de truco, aunque ya había hecho pequeñas apariciones en algunas cintas y programas de televisión en su país.

Mi Opinión: Los musicales no son mi predilección y esta cinta no me atrae en lo más mínimo.

3. Jindabyne
Género: Drama
Director: Ray Lawrence
Reparto: Laura Linney (Claire), Gabriel Byrne (Stewart), Debora-Lee-Furness (Jude), John Howard (Carl).
País: Australia
Año: 2006

Sinopsis: Un grupo de amigos acostumbrados a ir a Jindabyne en Australia para realizar la pesca anual, sufre un inesperado suceso al encontrar el cadáver de una muchacha. La reacción inesperada que toman frente a este descubrimiento traerá sus consecuencias.

Una gran expectativa genera esta cinta que ha sido premiada y exhibida en distintos festivales con notorio éxito. Entre los premios recibidos está el de Mejor Actriz y Mejor Banda Sonora en el Festival de Cine de Valladolid. Esta película se le reconoce como una auténtica cinta dramática.

Mi Opinión: Sin duda una cinta que espero ver. La sinopsis suena muy interesante y el trailer es también muy atractivo

4. El Final del Espíritu (End of the Spear)
Género:
Drama

Director: Jim Hanon
Reparto: Louie Leonardo (Mincayoni), Chad Allen (Nate Saint), Jack Guzman (Kimo), Christina Souza (Dayumae)
País: Estados Unidos
Año: 2005

Sinopsis: Unos misioneros viajan al Amazonas a visitar la legendaria tribu ecuatoriana Waodani. Su visita tiene como fin evitar la extinción que por ellos mismos se está dando, pero por desgracia esta violenta tribu ajusticia también a sus visitantes.

Esta película se basa en un documental que realizó este mismo director en el año 2002 y que a su vez se basó en una historia de la vida real que el mundo conoció en los años 50 y que por cierto, horrorizó a la humanidad.

Mi Opinión: La intención de llevar un documental a una película de ficción, más que reflejar la intención de querer mostrar su trabajo a más personas como se ha indicado, me suena más a cumplir un deseo de tipo comercial. Sin embargo, el colorido y lo vistoso de sus escenarios naturales anexos a una historia real, bien podría dar para verla sin aguardar en ella mayores esperanzas. El otro aspecto curioso es evaluar la similitud en cuanto a montaje con la última película de Gibson, Apocalypto, esta última realiza después.


Ratatouille: Le llegó el reemplazo a Stuart Little


Calificación:
Género:
Animación
Director: Brad Bird
Reparto: Voces – Patton Oswalt (Remy), Ian Holm (Skinner), Lou Romano (Linguini), Brian Dennehy (Django), Peter O’Toole (Anton Ego), Brad Garrett (Auguste Gusteau), Janeane Garofalo (Colette), Will Arnett (Horst), Julius Callahan (Lalo/François), James Remar (Larousse).
País: Estados Unidos
Año: 2007
 

Sinopsis: Remy es un ratoncito que sueña con convertirse en cheff nada más ni nada menos que en la reconocida cuna del buen comer, París. Pero dada su condición de ratón, éste será un sueño difícil de cumplir.

Pasados los estrenos esperados de películas como Spiderman 3, Los 4 Fantásticos 2, Shrek Tercero y Piratas del Caribe 3, que generaron grandes polémicas y dividieron la opinión tanto del público en general como de la crítica cinematográfica, llega RATATOUILLE, un filme animado que rompe todos estos esquemas y seguro globalizará los comentarios hacia ella.

Después de super éxitos como Buscando a Nemo, Cars y Los Increíbles, este último con el que su director, Brad Bird, ganó premio Oscar y junto a los estudios Pixar, guionistas en esta oportunidad, dieron origen a esta gran historia. De las historias que este talentoso grupo ha creado hasta ahora parte su primer acierto, pues ninguna de las películas antes realizadas se comparan a la anterior, haciéndolas únicas y absolutamente originales. Cada una de ellas, con inteligencia, habilidad y audacia han traído magia a la pantalla gigante.

Ratatouille no es la excepción a esto que parece ser ya una premisa dentro de este grupo. Son muchas las versiones que se han hecho acerca de este “espeluznante” animal”, poco querido por la mayoría de los humanos, pero a pesar de ese repudio, ratas, ratoncitos y/o ratones, han sido la inspiración de varias películas e incluso de innumerables cuentos; tal vez por su estrecho y desagradable acercamiento con nosotros. De este modo, podemos recordar historias como las de “Stuart Little” con el que el nos encariñamos profundamente y del que se hicieron dos películas, “Ratónpolis, y el “Ratón Pérez”, esta última argentina y ambas del año pasado.

Con este antecedente, y siendo un ratón de nuevo el protagonista, esta cinta en absoluto pierde su encanto. Ratatouille es impecable, su calidad es excepcional. Toda la película está llena de detalles altamente cuidados, con mucho colorido y una magia muy especial. Algunos críticos se han arriesgado a calificarla como “Obra Maestra” del cine animado y en realidad hay muchos elementos a su favor. Su historia es noble, bella y creativa. Toda la cinta es entretenida, con un humor sutil y apropiado. El realismo que se maneja en ella es de lo mejor. Es un placer disfrutar cada detalle de la cinta: las calles, los carros, la bicicleta, las motos, el vestuario, la comida y dejarse asombrar con el cabello de uno de sus personajes, sobre todo del color, el brillo y la textura (gran logro técnico).

La locación es otro de los aspectos muy bien pensados, por supuesto, escoger a Paris le ayuda a crear una atmósfera indicada para lo que pretende su protagonista, además de hacer la historia aún más pretenciosa, graciosa e impensable de ocurrir. Finalmente podemos mencionar sus personajes, pues cada uno físicamente es una copia muy bien calcada de su personalidad o lo que representan: el bonachón, gordo y barrigón, el malo o criticón, con su figura lánguida, el bueno, con ojos vivos, y así sucesivamente.

Desde su eslogan “cualquiera puede cocinar”, se desprende el derroche de originalidad y buenas ideas que se supieron culminar en esta bella cinta o, acaso, a quién se le ocurre que un ratón puede ser ese “cualquiera” que aparte de saber cocinar y el gusto por la alta cocina, deleite el apetito de los exigentes visitantes a estos restaurantes parisinos, es decir, el término “cualquiera” llevado al estricto límite de su significado.

Para lograr cada uno de los detalles mencionados, la producción cumplió varios retos como el de tomar más de 4.500 fotografías a París y elaborar más de 270 platos reales que después se fotografiaron. Ratatouille es una cinta para ver y disfrutar tanto grandes como chicos que con lo que hasta ahora hemos visto, podemos ir colocando en la lista de preferidas a los Premios Oscar en su categoría.

¿Será que con el ratón Remy, el reinado de Stuart Little terminó? Hasta ahora todo lo que se había hecho con este adorable – en las películas – animalito, no conseguía opacar la figura de Stuart, pero con la llegada de Remy creo que muchos lo olvidarán o al menos dividirán su corazón en dos.

Para concluir les dejo estas palabras que con gracia dice su director respecto a Ratatouille: “…Ahora tendré que aclarar a los niños que mejor empiecen como mascotas con ratas de laboratorio que con ratones de cloaca”.

 


CineVistaZO a la Cartelera Mundial


A partir de hoy daré inicio a una nueva sección en la que daremos un vistazo a la cartelera de cine mundial para enterarnos juntos de lo que se está viendo y/o se verá en los demás países. Espero les guste y a medida que avancemos le iré adicionando nuevas cosas. De todos modos si algo se te ocurre o tienes alguna idea o sugerencia, te invito a que nos la compartas.

CineVistaZO #1 – Cartelera de EE.UU.

1. Evan Almighty (Sigo como Un Dios)
Género: Comedia
Protagonistas: Steve Carell (Evan Almighty), Morgan Freeman (Dios)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: Evan Baxter es elegido al Congreso de Estados Unidos y se muda de ciudad junto a su familia. Allí Dios se le aparece para que cumpla una curiosa misión que pondrá a dudar a su familia acerca de su cordura.

Si esta sinopsis les suena parecida a alguna película ya vista, pues si, ésta es la nueva versión de Todo Poderoso o Como un Dios, como se le llamó en español, y que contó con la participación de Morgan Freeman y Jim Carrey en el año 2003. Esta película encabeza la lista de taquilla en Estados Unidos recaudando durante su semana de estreno 32 millones de dólares.

Mi opinión: Después del éxito con la anterior, espero verla.

2. Duro de Matar o La Jungla 4 (Live Free or Died Hard)
Género: Acción
Protagonista: Bruce Willis (John McClane)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: La infraestructura informática estadounidense sufrirá un golpe. El artífice de dicho plan tendrá que vérsela con John McClane (Bruce Willis).

Después de 12 años, se está viendo en pantalla gigante el retorno de la Jungla junto a su héroe policiaco John McClane, a la que desde ya, no se le descarta la posibilidad de elaborar una quinta versión, pero sin determinar cuándo será.

Mi opinión: No me anima.


3. El Atardecer (Evening)
Género: Drama
Protagonistas: Claire Danes (Ann Grant), Toni Collette (Nina Mars), Vanessa Redgrave (Ann Lord), Patrick Wilson (Harris Arden)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: Las hijas de una mujer deberán enfrentar la inminente muerte de su madre. Mientras tanto ella recuerda su etapa de la juventud junto al amor de su vida.

Esta película es una adaptación de la novela de la escritora Susan Minot que reúne entre su reparto a las reconocidas Meryl Streep y Glenn Close.

Mi Opinión: Suena interesante.

4. Sicko
Género:
Documental

Dirección: Michael More
Redgrave (Ann Lord), Patrick Wilson (Harris Arden)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: Documental que critica el sistema de salud estadounidense.

De regreso en la esfera cinematográfica, Michael Moore, presenta en las pantallas gigantes este documental tres años después de su última cinta “Fahrenheit 9/11”, que le dio la vuelta al mundo y que por cierto se prepara su segunda versión para el 2008. El director ha dicho que la intención de esta nueva cinta es que la quejas de sus compatriotas llegan al congreso y para ello en la página web le permite a los norteamericanos subir sus vídeos con las quejas y opiniones.

Mi opinión: Para ver por irreverente y satírica como Borat.


¡Eres como todas las mujeres americanas! ¡Sólo sabes servir en restaurantes y gastar el dinero de los hombres!