Reseñas y Críticas



Las Crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian – Historia floja y aburrida


Si lo prefieres, puedes escuchar esta reseña aquí:
EN RESUMEN

No sorprende en nada y su extrema nobleza, la hace una película fastidiosamente predecible y aburridaFICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:

Dirección: Andrew Adamson
Género: Aventuras, Fantasía
Guión: Andrew Adamson, Christopher Markus y Stephen McFeely; basado en el libro de C.S. Lewis

Reparto: Georgie Henley (Lucy), Skandar Keynes (Edmund), William Moseley (Peter), Anna Popplewell (Susan), Ben Barnes (príncipe Caspian), Peter Dinklage (Trumpkin), Pierfrancesco Favino (lord Glozelle), Sergio Castellitto (rey Miraz), Warwick Davis (Nikabrik)

Duración: 2:33 Min
Página Oficial: Crónicas de Narnia II
Trailer: Latino
Países: Estados Unidos, Reino Unido
Año: 2008
SINOPSIS
Un año después de los increíbles acontecimientos de la primera parte, los hermanos Pavensie vuelven a reunirse en ese remoto y maravilloso mundo donde descubrirán que han pasado más de 1.300 años, en tiempo narniano. Durante su ausencia, la Edad de Oro de Narnia ha terminado, y los Telmarinos han conquistado Narnia que ahora está dominado por el malvado Rey Miraz, que gobierna sin piedad. Los cuatro niños conoceran un nuevo personaje: el joven Príncipe Caspian, heredero legítimo al trono que se ha visto obligado a esconderse ya que su tío Miraz trama su asesinato para colocar a su hijo recién nacido en el trono.
RESEÑA CRÍTICA
Después de una fortísima campaña de expectativa, se estrenó en Colombia la segunda parte de las Crónicas de Narnia, que se ha convertido en la más taquillera del país y que en esta oportunidad nos trae un nuevo y jóven personaje llamado El Príncipe Caspian. Esta nueva versión está basada en el tercer libro del escritor C.S. Lewis que a su vez es el cuarto en la cronología de la historia y que fue publicado en el año 1951. Los libros sobre esta historia, después de la primera versión llevada a la pantalla gigante, han logrado vender más de 100,000 millones de copias y ha sido traducidos en unos 35 idiomas. A menos de un mes de haberse estrenado en Estados Unidos y en algunos otros países del mundo, esta cinta ha conseguido recaudar un poco más de los 200 millones de dólares.

Quien ya conozca la primera parte, podrá disfrutar de las novedades detrás y delante de cámaras que se preparon para esta segunda versión. El reparto por ejemplo aumentó en participación y contó con personajes venidos de 15 países distintos como Estados Unidos, España, Francia, Canadá, México, Italia, Alemania, entre otros. La producción logró escenas en 5 continentes centrándose especialmente en Nueva Zelanda, República Checa, Eslovenia y Polonia. Los aficionadas a las Crónicas, podrán ver la versión femenina e infantil de los Centauros, como también la presencia de un Fauno de 80 años, la presencia de un ratoncito recreado por computador que fácilmente se roba el corazón del público y que muchos han notado su parecido con el ratón del gato con botas, también un mostruo acuático creado por computador que recuerda al fabuloso “hombre de arena” de la película El Hombre Araña III y finalmente, la presencia de un nuevo príncipe: Caspián.

En términos generales el público saldrá contento de disfrutar una película bastante familiar, bien infantil y que conserva el valor cristiano caracterísitico del libro, de su autor y de la productora Walden Media que tiene como lema llevar siempre un mensaje de tipo moral en todas sus producciones. Sin embargo, como aficionada a los films de aventuras debo decir que esta parte de las Crónicas de Narnia no me sorprendió en nada y más bien consiguió aburrirme. Esta película es supremamente noble, con escacez de ideas novedosas, con una falta de magia, emoción y carisma absoluto. Lejos de ser una historia entretenida se puede decir que su adaptación no es la mejor y como lo reconocen algunos de sus más asiduos fans, tiene un guión mal adaptado que por cumplir el metraje acostumbrado en este tipo de producciónes, alarga varios hechos que en el libro no son tan relevantes como en el caso de algunos enfrentamientos y la importancia que se le da en la cinta al persononaje Lord Sopespian interpretado por el mexicano Damián Alcázar que interpretó a Eliseo en la película colombiana Satanás que llega a la cartelera española el próximo 20 de Junio y quien además ha expresado a la prensa que con lo ganado en las Crónicas de Narnia, viajará y se radicará en Europa con su pareja e hijo por al menos ocho meses.

En cuanto a estructura narrativa, puedo decir que el ritmo es sostenido pero pasmosamente lento, Narnia tiene un buen inicio, un nudo demasiado alargado y un desenlace simple y esperado. La presencia del nuevo principe a pesar de su importancia en la historia, ni en los momentos más álgidos de la trama logra sobresalir. Defnitivamente el joven actor inglés Ben Barnes nunca logra conectarse con la cinta, ni logra clavarse en la mente de los espectadores que poco o nada lo recordarán y al final su papel es merecidamente opacado por personajes de reparto como el de Peter Dinklage quien interpreta a Trumpkin un enano que tras su “cara dura” esconde a un hombre sensible y tierno o a Sergio Castellito, un reconocido actor italiano quien interpreta al malvado Rey Miraz. Tampoco se salva la trama, escasa de factor sorpresa que la hace extremadamente predecible y cargada de varios clichés. Se rescata la fotografía que cuenta con unas paisajes naturales muy bellos y la actuación de los cuatro príncipes narnianos que a pesar de haber crecido un poco conservan intactos el espíritu infantil que caracteriza a esta película.

Lo mejor de la película: La fotografia

Lo peor: La historia, el guión

Buena Suerte!!!Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.


Iron Man: Con una Historia de Hierro


EN RESUMEN:
Iron Man es el primer estreno más esperado de la temporada que no desilusionada, por el contrario es un muy buen abrebocas que nos deja listos y con ganas de ver pronto sus secuelas.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:
Director: Jon Favreau
Género: Acción, ciencia-ficción
Guión: Mark Fergus, Hawk Ostby, Art Marcum y Matt Holloway; basado en los personajes creados por Stan Lee, Larry Lieber, Don Heck y Jack Kirby.
Reparto: Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man), Terrence Howard (James Rhodes), Jeff Bridges (Obadiah Stane), Shaun Toub (Yinsen), Gwyneth Paltrow (Virginia “Pepper” Potts), Faran Tahir (Raza), Jon Favreau (Hogan)
Duración: 2:11 min
País: Estados Unidos
Año: 2008

 

SINOPSIS
El hombre de hierro nos revela sus orígenes. Tony Stark es un inventor y empresario fabricante de armas multimillonario. Ahora, deberá enfrentarse a su propio pasado después de sufrir una accidente con una de sus propias armas. Tony Stark descubre su verdad y equipado con una armadura de última generación, se convertirá en el “Hombre de Hierro” con el que intentará combatir la maldad.
RESEÑA CRÍTICA
Aún se desconoce la taquilla lograda durante estos dos primeros días de estreno del Hombre de Hierro, pues aún falta presentarse en varios países incluyendo Estados Unidos en donde este fin de semana se centrará la atención. Iron Man es la primera cinta producida totalmente por sus creados, la Marvel, que siempre habían participado como coproductores u otorgando licencias en los proyectos anteriores. Esta nueva estrategia les permitirá incluir a estos superhéroes en otras de sus películas. Recordemos que Marvel es reconocida por cualquiera, por producciones de la talla de la exitosísima Spiderman y Los 4 Fantásticos entre otros, con las que ha logrado un recaudo aproximado de 4.900 millones de dólares en taquilla alrededor del mundo. Esta es también la primera vez que se lleva a la pantalla gigante a este superhéroe con más de 40 años de historia aunque si ha tenido varias apariciones en televisión. Una de esas primeras apariciones fue en 1981 cuando “actuó” como invitado en la serie de dibujos animados “El hombre araña y los Superamigos” y ya se prepara una nueva serie animada que tendrá a este superhéroe como personaje central y cuyo estreno está previsto tras el lanzamiento de esta película. Inicialmente serán 26 capítulos lanzados primero en DVD y posteriormente presentados en televisión.
Iron Man es la historia de un personaje salido de la imaginación, entre otros, por el reconocido guionista Stan Lee y co-creador de historias muy conocidas como Hulk, X-Men, Spiderman y otros. Tras el Hombre de Hierro está la figura de Tony Stark, un inventor, un empresario multimillonario que a sus 21 años de edad hereda la industria de su padre. Stark según cuentan está inspirado en el magnate norteamericano Howard Hughes, un aviador y empresario que se distinguió por su gran apariencia física, lo polifacético, lo excéntrico y por su famosa frase: “Todo el mundo tiene un precio”.
 
La primera parte de Iron Man, porque desde un inicio se conoció que tendría secuelas y además quedó claramente ratificado en una de sus escenas, se preocupó mucho por contar de muy buena forma el origen del superhéroe. En la mira no solo estuvieron los fanáticos del cómic sino también aquellos que hasta ahora no lo conocían; aspecto que le da una mayor universalidad y la hace mucho más disfrutable. El hombre de Hierro, a diferencia de la mayoría de superhéroes, posee unas características muy especiales con las que el público fácilmente se compenetra y se siente identificado. El hombre detrás de este alter ego, es un hombre imperfecto, bien terrenal, una especie de adonis (en su connotación moderna) o “Tony” como su nombre con doble sentido, que descubre su propia verdad y modifica la realidad “imperfecta”, usando su mente creativa para crear a un superhéroe con el que puede ayudar a la humanidad y resarcir de este modo, el mal que ha causado. Tony Stark viene siendo el Dr. Heikell a la inversa. El primero se hace bueno con su alter ego, mientras que el segundo lo es en su persona original. En esta primera parte solo se descubren algunos de sus defectos, pero en términos generales la historia es muy fiel. Claro esta que se hicieron adaptaciones a la época para darle más realismo como el hecho de que ahora ya no es un héroe anticomunista, ya el contexto no es Vietnam sino Afganistán y de la acción en las calles de Nueva York, se trasladó a la Costa Oeste o el desierto en los Ángeles California y su origen no comienza a los 21 años cuando sus padres fallecen, sino que vemos un héroe que ronda los 40 años. Cambios muy bien manejados que no afectan en nada la esencia del Hombre de Hierro.
 

La película durante su generoso metraje (ya es la regla, no la excepción), se toma todo el tiempo necesario para contarnos como es que Tony Stark se “despierta” de su realidad, como reacciona ante esta realidad y que inventa para cambiarla. Paso a paso de forma amena, divertida, graciosa sin ser la avalancha de chistes flojos y mal contados de otras películas, nos muestran todos los pormenores de la construcción de su armadura. Podemos ver entonces, lo que ellos llaman el Modelo I que en los primeros años del cómic se conocía como “armadura gris”, hasta llegar al modelo III mucho más elaborado y de color vivo. Armadura que por cierto, representó un reto para los creadores y para Robert Downey, el actor detrás de Tony Stark y su alter ego. Downey primero necesitó de un gran entrenamiento físico con largas jornadas de gimnasio y muchas horas de levantamiento de pesas, no solo para lucir a la altura de su personaje, sino también para cargar con una mole elaborada a escala real que tardaba de 30 a 40 minutos ponerse, de hecho necesitaron elaborar una segunda armadura de goma para permitirle al actor facilitarle su movilidad. Cosa muy parecida a la que le ocurrió a Jeff Bridges quien interpreta al malvado Obadiah Stane, ya que su armadura de Iron Monger terminó pensando unos 400 kilos con una altura de 3 metros.

La buena dirección de Jon Favreau recordado en mi país básicamente por películas como Zathura y Break-Up o Separados con Jennifer Aniston ambas del año 2006, se combina con un muy buen reparto. La elección de Robert Downey (lo vimos el año pasado en Zodiac) es realmente especial, este papel parece haber sido realizado a su justa medida y él sin dudarlo, le imprime mucha naturalidad, energía y un carisma gigantesco. Gwyneth Paltrow, también lleva muy bien acabo su papel de cómplice de Tony Stark, amiga, empleada fiel y enamorada silenciosa. Su interpretación me parece casi calcada a la de Kirsten Dunst como Mary Jane, la eterna enamorada del Hombre Araña. Los movimientos, los ademanes, el tono de la voz, el vestuario son muy similares. Finalmente Jeff Bridges logra sorprender por su cambio físico que casi lo deja irreconocible con una interpretación espontánea sin ningún tipo de exageraciones, pero si perversa y malvada.

Tal como decía Downey Iron Man goza de una gran historia, su trama es dinámica, su historia es divertida, su tecnología perfectamente combinada con la tradicional, sin excesos de efectos computarizados, es histórica, fiel al original, bien narrada y sencilla pero no simplista. No se pierdan esta gran película y no se pierdan los créditos en su parte final pues hay sorpresa. Descúbranla y nos cuentan de qué se trata.
 



Perro Come Perro: Entrevistas, Reseña y Fotos de la Premiere


EN RESUMEN:

Perro Come Perro sigue el camino de las últimas películas colombianas en su intento por mostrar historias mucho más universales. Es un thriller complejo, bien terminado, con un guión audáz y un humor negro agudo poco sutil.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:
Director: Carlos Moreno
Género: Thriller
Guión: Carlos Moreno y Alonso Torres
Reparto: Marlon Moreno (Victor Peñaranda), Oscar Borda (Eusebio Benitez), Blass Jaramillo (q.e.p.d) (El Orejón), Alvaro Rodríguez (Silvio Sierra), Paulina Rivas (Iris, La Bruja)
Duración: 1:46 Min
Página Oficial:Perro Come Perro

SINOPSIS
Vengar la muerte de William Medina y la prisa por recuperar unos dólares perdidos, son el pretexto inicial que une a los protagonistas de este relato, quienes tienen que someterse a las órdenes de ¨El Orejón¨, un poderoso empresario devoto de la brujería, deseoso de vengar la muerte de su ahijado y obsesionado por encontrar su dinero. Sin conocerse, Peñaranda y Benítez son contratados para un confuso operativo del que tienen pocos detalles. Comparten la habitación de un céntrico hotel, donde deben permanecer atentos y a la espera de instrucciones telefónicas.

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Lejos de Ella – Conmovedoramente Bella


EN RESUMEN
Tremenda ópera prima de Sarah Polley. Es una película que llega muy fácilmente al corazón del espectador, tocándole las fibras más íntimas. Conmovedora, inmensamente real, frágil y poderosa.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:

Directora y Guionista: Sarah Polley, basado en el relato “The bear came over the mountain” de Alice Munro

Género: Drama

Reparto: Julie Christie (Fiona Anderson), Olympia Dukakis (Marian), Gordon Pinsent (Grant Anderson), Michael Murphy (Aubrey), Kristen Thomson (Kristy), Wendy Crewson (Madeleine)

Duración: 2:23 Min

Año: 2006

País: Canadá


SINOPSIS
Grant y Fiona Anderson han estado casados durante muchos años. Ahora jubilados, viven confortablemente en una casa en el campo, pero su felicidad se ve afectada por los problemas de deterioro de memoria de Fiona. Para no cargar a su marido con más trabajo y cuidados, ella insiste en ingresar en centro médico especializado. A partir de ese momento, el universo de Grant también se desestabiliza, llevándole a una vida nueva en todos los sentidos.
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Atonement / Expiación: La Mejor Versión de un Libro


EN RESUMEN
En la historia reciente, Atonement se quedará clavada como la mejor versión que se ha hecho de un libro hasta que Joe Wright con su genialidad para este tipo de dramas nos conquiste con una nueva historia.

FICHA TÉCNICA
Calificación de CineVista:
Título Original: Atonement
Director:Joe Wright

Género: Drama
Guión: Christopher Hampton; basado en la novela de Ian McEwan
Reparto: Keira Knightley (Cecilia Tallis), James McAvoy (Robbie Turner), Saoirse Ronan (Briony Tallis con 13 años), Romola Garai (Briony Tallis con 18 años), Vanessa Redgrave (Briony Tallis anciana), Brenda Blethyn (Grace Turner), Juno Temple (Lola), Patrick Kennedy (Leon Tallis), Benedict Cumberbatch (Paul Marshall)
Duración: 2:10
Sitio Oficial: Expiación
Trailer: Ver Aquí
País: Reino Unido
Año: 2007
SINOPSIS
Nos cuenta la historia de un romance británico que transcurre durante varias décadas. Briony Tallis, una precoz escritora de 13 años, cambia irremediablemente el curso de varias vidas cuando acusa al amante de su hermana mayor de haber cometido un crimen en el que no tuvo nada que ver.

Cada vez que se lleva a la pantalla gigante la versión de un libro y peor de un betseller han sido contadas las ocasiones en que éstas logran salir avante. Esto ocurre o porque se alejan totalmente de su historia, porque se quedan cortas a la hora de describir la trama (principal diferencia) o porque a la final respetan tanto el texto original que se convierten en una mala copia. Atonement se aleja de todos esto y de ahí radica la cantidad reconocimientos, bien ganados, a los que se ha hecho merecedora y para nombrarles unos cuantos tenemos: Mejor Adaptación, Mejor Banda Sonora, Mejor Edición, Mejor Actuación de Reparto (Saorise Ronan), Mejor Película Dramática, Mejor Película Romántica, Mejor Composición Musical del Año en reconocidos premios como los Globo de Oro, la Sociedad de Críticos de Londres, de San Diego y de las Vegas, entre otros, claro está sin mencionarles las grandes posiblidades que tiene de sumar otros premios en los Oscar 2008.

Lo brillante de esta película radica básicamente en la armonía que mantiene en todos los aspectos: la estructura narrativa, el ritmo, la ambientación, la fotografía, el maquillaje, el vestuario y la banda sonora, sin embargo, la taquilla conseguida no refleja el gran balance que esta cinta Expiación maneja, ya que a la fecha ha recaudado un poco más de 113 millones de dólares. Este fénomeno extraño a primera vista tiene su explicación en el escaso público que suelen tener las novelas hoy día y más aún cuando el cine, especialmente el de Hollywood, que finalmente es el que llegue en mayor escala a los distintos países, está plagado de historias fantasiosas y futuristas haciendo uso de tecnologías cada vez más avanzadas y esto es lo que más nos ha cautivado del cine de hollywood.

No es que sea necesariamente malo, pero ha hecho perder la costumbre o aprecio por este tipo de historias clásicas. Prueba de ello es Bogotá, la capital de mi país, en donde esta película no se está presentando en la mayoría de las salas de cine, o también están los comentarios que deja la gente en portales como Yahoo en donde se menciona que Atonement no da para tanto, que no presenta novedad alguna e incluso no faltó el contó que se alcanzó a dormir. Una percepción similar tuve de algunos espectadores cuando fui a verla que básicamente decían que era una película pesada y que no esta hecha para todo tipo de público. Yo difiero de estas opiniones porque aunque la película maneja tres tiempos con espacio holgado, la trama, por compleja que parezca, esta acompañada de una imágenes lo suficientemente descriptivas.

Joe Wright marcó un punto muy alto en su carrera al hacer su debut como director en la aclamada Orgullo y Prejuicio del año 2006, otra historia clásica basada en una novela con mismo nombre del inglés Lord Byron que lo hizo merecedor de varios premios entre ellos el de Director Revelación y 4 nominaciones en distintas categorías en los Oscar 2006. Así que intentar con la misma fórmula ganadora sería la comprobación del talento exquisito que posee este director.

La novela transcurre en 3 tiempos donde se describe perfectamente los momentos cruciales de cada uno de los personajes y el contexto histórico en el que se encontraban. Tenemos entonces 3 personajes que dan vida a Bryona Tellis, una niña que frusta el resto de su existencia por llevar bajo sus hombres la carga pesada de la culpa, un hecho que la cinta se encarga de dejarnos en claro que fue producto de una imaginación precoz y la falta de conciencia para medir consecuencias. Es fascinante la forma como a dos tiempos; uno imaginario, otro real, se confronta la verdadera realidad vs la realidad inventada por esta niña. Y así casi como ilustraciones o verdaderas piezas de arte de la más alta calidad, la historia nos adentra en los rigores de la guerra, el dolor del amor perdido, la desesperanza de una hermana frustrada y el rencor fraternal.

Y es cuando se llega a este punto cuando la película magistralmente nos envuelve en su situación visceral que hastía. Hastía por su lento paso del tiempo, por la sangre derramada, por la injusticia cometida, por los rumbos inesperados, son minutos que incluso dan la impresión de eternidad pero que sirven de antesala para desarrollar y darle un giro al desenlace y posterior final supremamente maravillosos y conmovedores.

En los previos que vi de la película, no alcancé a suponer el gran trabajo artísitico que realizó la jovencita Saorsi Ronan y justifico los reconocimientos que se le han brindado, es sin duda una niña para “explotar” gracias a un gran talento natural. Lo mismo ocurre con Romola Garai, quien interpreta a Tallis cuando tenía 18 años y Vanessa Redgrave (Briony Tallis anciana) que le termina por dar a la película la estocada final con una interpretación corta pero determinante, altamente emotiva y profundamente trascedental. Por su parte, Keira Knightley hace un papel que le sienta muy bien y le impregna una sofisticación natural.



Cloverfield – Versión Citadina de la Bruja de Blair


Si lo prefieres puedes escuchar aquí este reseña:

EN RESUMEN
Versión citadina de la Bruja de Blair que se copia de ella y que entrega todo lo que puede ofrecer a los 20 minutos de iniciada.

LA FICHA TECNICA
Calificación CineVista:
Título Original: Cloverfield
Género: Acción, ciencia-ficción, thriller

Director: Matt Reeves
Guión: Drew Goddard
Reparto: Lizzy Caplan (Marlena), Jessica Lucas (Lily), T.J. Miller (Hud), Michael Stahl-David (Rob), Mike Vogel (Jason), Odette Yustman (Beth)
Duración: 1:25 min
Página Oficial: En Español
Trailer: Cloverfield
País: Estados Unidos
Año: 2008

LA SINOPSIS
Cinco jóvenes neoyorquinos celebran junto a sus amigos una fiesta de despedida la misma noche en que un monstruo del tamaño de un rascacielos desciende sobre la ciudad. Contado desde el punto de vista de su videocamara, el film es un documento de sus intentos para sobrevivir al más horrible evento de sus vidas.

LA RESEÑA CRITICA
Tras “bombos y platillos” llegó esta película al cine colombiano después de haberse convertido en un fenómeno taquillero en Estados Unidos y ser noticia obligada en una importante cantidad de sitios web, por lo popular por una parte y la controversia que se disputa acerca de si realmente es una buena cinta o no. Por mi parte, me uno aquellos que no les gustó porque está plagada de desaciertos tanto así que se me hizo muy difícil detectar que cosas se pueden rescatarse de ella.

Como todos lo sabemos el trailer es la pieza clave a la hora de cautivar a los espectadores. Sabemos también que en un trailer se colocan las mejores escenas de la cinta. Y con la información previa que nos proporcionaron acerca de Cloverfield pudimos deducir dos cosas: la primera, que era un tipo de filme apocalíptico y segundo que el espacio donde ocurría será nuevamente la capital del mundo, Nueva York. Dos aspectos sencillamente atractivos que llaman la atención casi podría decirse que todo el mundo por la simple curiosidad natural y humana de querer acercarnos, aunque sea a través de imágenes, a lo que pasaría en un futuro arrollador como tantas culturas, religiones, estudios y la misma naturaleza lo han hecho suponer.

Una vez dio inicio la película y comencé a ver que todo nos lo mostrarían a través de una cámara de mano, temí lo peor. Porqué? Pienso que el único efecto positivo que consigue esta técnica es la de generar una tensión absolutamente real, que te incomoda pero que a su vez te mantiene espectante; pero sin embargo es agotadora, “marea” al espectador, esconde detalles y torpemente evidencia las falencias de la producción.

En su parte inicial Monstruo o Monstruoso los dos títulos como se le conoce a esta película en español, gasta alrededor de unos 18 minutos introduciéndonos una cantidad importante de personajes adolescentes con una historia floja que bien pudo no existir. De hecho a los 5 minutos la historia de estos jóvenes agota y se muestra más con un “relleno” mal logrado que solo consigue hacer ansiar el momento en el que se produzca la “acción”. Y si, después de unos tediosos 18 minutos aproximadamente, hace su primera y timida aparición este Monstruo. Es en este momento cuando la película saca como “As bajo la manga”, como estrategia para enganchar y aumentar las expectativas, la escena más popular por la que se hizo conocer Cloverfield y que hace parte del trailer y del poster. Pienso que este hecho la convierte en su peor pesadilla, pues si se revisa con detenimiento a los 20, 25 minutos, la cinta ya había entregado todo lo que tiene, quedándose sin nada que ofrecernos para el resto de su metraje. Lo otro es que esta escena no resultó tan impactante pues hubo muchos elementos irreales, por ejemplo, la cabeza de la Estatua de la Libertad que vuela por los aires hasta caer en una calle neoyorquina, resulta pequeña con relación a su tamaño real o la forma como se recreó la avalanche de polvo al estilo World Trade Center después de caerse la primera torre, que pareció más un montaje entre las grabaciones que pudimos ver una y otra vez de este suceso por televisión.

A este punto ya era difícil no evocar la película El Proyecto de la Bruja de Blair 1 del año 1999, que en su momento fue una película novedosa en su forma de hacer cine de terror a tal punto que recaudó más de 248 millones de dólares alrededor del mundo con un presupuesto modesto de unos 60.000 dólares, razón por la cual se realizó la segunda parte que aunque fracasó recuperó lo invertido (15 millones). Cloverfield me hace recordarla no solo por la técnica, sino también por la utilización de jóvenes como target para llegar al público, el inicio que en contextos distintos guardan similitud y porque le ha ocurrido casi lo mismo en taquilla. Con presupuesto de 25 millones de dólares ya ha alcanzado a recoger unos 133 millones. Al igual como ocurre en la Bruja de Blair, aunque en mayor proporción, Cloverfield tiene un prinicipio que lo entrega todo, como lo decía anteriormente, y se queda sin nada más que entregar y sin herramienta alguna, para por lo menos, intentar explicar este fenómeno, dejándola así altamente predecible.

De ahí en adelante, todo empeora más aún cuando hace la aparición ante cámaras de forma “más nítida” el monstruo que no es más que una combinación entre el monstruo de lago Nez y una especie de alienígenas que no supe si eran juntos la misma criatura o sus hijos en algo que podriamos bautizar como NEZALIENS. Y ya con esta “perla” que nos regala la película, se pierde todo el interés en el género y se transforma en eventos risibles que rayan en un espectáculo infantil por demás absurdo.

Cuando cito a la Bruja de Blair esto no resulta una referencia aislada, pues las mismas notas de producción aseguran que la idea era hacer un proyecto que combinara algo entre Godzilla por el lado del monstruo y Blair por el lado de la técnica, marcándo la diferencia en la interiorización de sus personajes y no en el causante de sus temores para así producir mucho terror. Pero entonces la intencionalidad no se cumple, porque la película se vendió más como una cinta apocalíptica y porque su casting no supo reflejar tal intención.

Lo Mejor de la película: El Trailer

Lo Peor: La historia, el monstruo, las actuaciones

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Y antes de despedirme, para los que no les gustó el hecho de que el “NEZALIEN” no se viera con precision o para los que les quedó gustando, HASBRO ya sacó a la venta la versión de este monstruo, je, je, je.

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.


El Tiempo que Resta – La realidad a la hora de morir


Calificación CineVista:
Título Original: Le temps qui reste
Género: Drama
Director y Guionista: François Ozon
Reparto: Melvil Poupaud (Romain), Jeanne Moreau (Laura), Valeria Bruni-Tedeschi (Jany), Daniel Duval (Padre), Marie Rivière (Madre), Christian Sengewald (Sasha), Louise-Anne Hippeau (Sophie), Henri de Lorme (Doctor), Walter Pagano (Bruno), Ugo Soussan Trabelsi (Romain [Niño])
Duración: 1:30 Min

País: Francia
Año: 2005
 
SINOPSIS
Romain es un fotógrafo de moda de 31 años, gay, egocéntrico y arrogante, que descubre que el cáncer ha invadido su cuerpo. La esperanza de recuperación es prácticamente nula y la muerte cuestión de tiempo. Su primera reacción es descargar su ira sobre sus padres, su hermana y, por último, sobre su novio, al que expulsa del apartamento que comparten. Ninguno de ellos conoce el secreto que explica su conducta. La soledad que siente después le lleva hacia su abuela, primera persona a la que confiesa su enfermedad.
RESEÑA CRÍTICA

El Tiempo que queda es la nueva cinta del reconocido, admirado y prometedor director francés François Ozon que hace parte de una trilogía que inició con la cinta “Bajo la Arena” del año 2001 y que terminará con la historia de un niño, todas enmarcadas bajo el significado de la muerte y cómo afrontarla desde diversas perspectivas, situaciones y ambientes. La primera parte de esta secuela, nos narra la historia de una mujer que va con su pareja a un viaje de descanso pero que después se convertiría en toda una tragedia, dolor, intriga y reflexión cuando el esposo se pierde en el mar. Es decir, en Bajo la Arena, la protagonista desde su condición de mujer, debe afrontar la muerte de forma simbólica pues no existe un cadáver que reafirme tal condición, su esposo simplemente desaparece en el mar sin dejar ningún rastro, es además un ir y venir acerca de cómo enfrentar el duelo por la pérdida de un ser querido. Por su parte en El tiempo que queda, la muerte es propia, no es ajena y le pertenece única y exclusivamente a su protagonista un hombre gay, joven con una fuerte personalidad y que son tres ingredientes que le imprimen mucho interés a este film.

El tiempo que resta o El tiempo de vivir como también se le conoce, goza de aspectos vistos en otras películas importantes en la historia del cine que incluso han sido reconocidas por su mismo director, sin embargo, Ozon ha logrado imprimirle una belleza visual, fotográfica única. Me refiero a una fuerte influencia de películas como “Fresas Salvajes” de Ingmar Bergman del año 1957, “Búsqueda Frenética” de Roman Polanski del año 1988 e incluso reflejos de las historias misteriosas de Alfred Hitchcock. Este director alrededor del tema que nos ocupa, nos compromete con una historia cargada de los elementos disonantes de la sociedad, dejando a un lado los prototipos ideales acerca de la familia, la amistad, el amor, etc. Muestra nuevamente la otra realidad de situaciones comunes para todos como el de la familia y su incapacidad para comunicarse verdaderamente, para citarles tan solo un ejemplo.

La forma como el personaje le corresponde vivir la muerte no permite, a diferencia de sus demás cintas, una doble lectura. Aquí la realidad es escueta y directa. Es notable la forma como el director desmitifica el proceso que vive un hombre enfrentado ante semejante situación, pues es inmensamente real, no vemos en esta cinta el típico cliché en donde la persona que va a morir se despide casi con “resignación” de todos sus amigos y perdona por demás a sus enemigos. Lo que vemos es lo que corresponde a un ser de carne y hueso con problemas de carácter que a pesar de enterarse del poco tiempo que le queda vida no cambia la esencia de su ser. Él confronta la realidad conservando su personalidad natural y con ella lucha por aceptar el final inevitable que le depara. Sin sobreactuaciones, la película nos lleva a un final que conmueve hasta las lágrimas.

El Tiempo de Vivir combina elementos ambientales y físicos que contrastan con el drama de la cinta. Ambientales como la belleza de la naturaleza y la delicia de una playa y físicos como las regresiones a su pasado, especialmente a su infancia. La actuación del protagonista, cantante además, es sorprendente y en eso influyó el cambio físico al que debió someterse. En la primera parte de la película se debía ver musculoso, pero al pasar de la enfermedad que lo aqueja debía verse sumamente delgado y esto se logra ver claramente. La dieta a la que se vio sometido durante el rodaje y la falta de comida, le ayudó a comprenetrarse en su papel y sentirlo como propio. Gracias a esto, la cinta goza de escenas y de muchos diálogos memorables que sobresalen por la forma carnal y humana de asumirlos. A este punto pareciera no ser tan importante la condición de gay que tiene su personaje, pues la reacción que asume frente a la muerte no pareciera ser diferente a la que debiera sentir otro persona cuya preferencia sexual sea otra. Este es un punto al que quería llegar, pues es aquí donde la película falla un poco al incorporar un elemento en cierta medida innecesario. La homosexualidad de su personaje principal es más un ingrediente disociador con el que pretende su director llevar un mensaje oculto a la sociedad, que como aporte en sí al desarrollo de la historia. De hecho es la parte que no logra generalizar la crítica que incluso califica a ciertas escenas como grotescas y explícitas. Yo personalmente no las considero como tal y más bien pienso que el director resuelve el tema con una belleza visual y corporal hermosa, además de mezclarlas en la trama sabiamente.

No es la mejor película pero sí es una buena cinta que nos hace reflexionar sobre todo por la forma tan íntima en la que se exploran los sentimientos, a pesar de un leve problema con el ritmo que hace dar la impresión de ser una película más larga de lo que realmente es.

Lee Comentarios de Otros Bloggers sobre la película

Waldo va al cine dice: “Hay ritmo suficiente para saborear cada escena y posibilidad de desentrañar la naturaleza de cada personaje, cada ser humano representado. Aunque el tema podría prestarse para discursos existencialistas y sesudas reflexiones, el director no cae en aquello..”

El Balón de Bea dice: “La película tiene una atmósfera muy poética y melancólica, el mejor ejemplo de esto es la escena final en la playa. El problema es que Poupaud es muy poco convincente físicamente como moribundo (la comparación que me viene a la cabeza es Bruno Todeschini, que hace una interpretación impresionante y dolorosísima en Son Frere de Patrice Chéreau), y eso acaba siendo un lastre para la película”.


Otras Películas del Director

Película Género Año
5×2 Drama 2004
Swimming Pool Intriga 2003
Ocho Mujeres Comedia 2002
Bajo la Arena Drama 2001
Amantes Criminales Intriga 1999
Gotas de Agua sobre piedras calientes Drama 1999
Sitcom Comedia 1998
 

Ligeramente Embarazada – Un Embarazo Cómico, dulce e Inteligente


Calificación CineVista:
Título Original: Knocked Up
Género: Comedia romántica
Director y Guionista: Judd Apatow.
Reparto: Seth Rogen (Ben Stone), Katherine Heigl (Allison Scott), Paul Rudd (Pete), Leslie Mann (Debbie), Jay Baruchel (Jay), Jonah Hill (Jonah), Jason Segel (Jason), Martin Starr (Martin), Iris Apatow (Charlotte), Maude Apatow (Sadie)
Página Oficial: Ver Aquí

Duración: 2:09 min
Trailer: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Si lo prefieres escucha aquí esta reseña:

SINOPSIS
Allison Scott es una periodista de 24 años con una brillante carrera. Por desgracia, después de una noche de “rumba” con el vago de Ben Stone, descubre que está embarazada. La joven pareja no sabe qué hacer. ¿Deben criar al bebé juntos? ¿Cómo se llega a un feliz compañerismo de por vida? Después de unas cuantas copas y de una noche loca, les quedan nueve meses para decidirlo.

RESEÑA CRÍTICA
Después de recaudar más de 177 millones de dólares con la gran película “Virgen a los 40” cuyo presupuesto fue de 26 millones, Judd Apatow, cómico, productor y director, nos trae su segunda película traducida como: “Ligeramente Embarazada” en algunos países y “Lío Embarazoso” en otros. Inspirado en su anterior éxito que tuvo como protagonista al actor cómico del momento Steve Carell, proyectó esta nueva cinta que toca un tema muy real, actual y sobre todo interesante. De hecho se tomaron como base muchas de las escenas de “Virgen a los 40”; pero a pesar de esto, “Ligeramente Embarazada”, grabada en escenarios naturales como Malibú, Santa Mónica, Hollywood e incluso en el Casino Aladin donde se presenta uno de los shows del Circo el Sol, que a propósito aparece en la cinta, es muy distinta a su fuente creadora.

Como lo he expresado ya en otras reseñas, el género de la comedia no es mi favorito y a la hora de ver películas de esta categoría selecciono mucho y básicamente las veo según el actor o actriz protagónico. Sin embargo, este filme es bien especial sobre todo por su historia que parte de un hecho que puede identificar a millones de jóvenes adultos, no solo en Estados Unidos, sino también en el resto del mundo; es decir, “Una noche de copas con consecuencias evidentes”. A partir de ahí, se efectuó el guion considerando todas las variantes humanamente posibles tanto desde el punto de vista masculino como del femenino y cuándo me refiero a todas las variantes, me refiero a todos los pensamientos malévolos y angelicales que tienen ambos sexos respecto al tema; hecho que resulta muy acertado en ambos casos y funciona perfectamente en la cinta. Mas allá de los elementos cómicos rebuscados que puedan sacarse de esta “embarazosa” situación, la película con un muy buen ritmo, nos regala momentos de gran comedia combinados con otros de ligera drama, dolor, confusión y mucha pero mucha reflexión. Podemos decir que este filme maneja un tipo de comedia diferente al usual. De ella, no se puede esperar que nos robe momentos en los que nos reventemos de la risa, sino más bien situaciones jocosas que a pesar de la seria problemática que maneja, se hace inevitable sonreir.

Lío Embarazoso va más allá de lo extrictamente baladí, es una comedia inteligente y bastante sensible que nos pone a pensar acerca de las relaciones de parejas, de la locura de la juventud, de la responsabilidad, del matrimonio, de los hijos, de la elección de la pareja, de la aceptación a los demás, de la clase social, de la influencia de la amistad, del amor, las decisiones, la madurez, el ser y ceder. Todos estos planteamientos, manejados muy hábilmente por su director, no son más que el reflejo del trabajo y el propósito que pretende Apatow, que yo podría intrepretar como su inmenso deseo y pasión por trascender este género y no dejarlo en el ejercicio de construir simples chistes agudos basados en situaciones absurdas.

Yo puedo decirles que sin ser la gran película, me gustó, me sorprendió y esta bien lograda. Las actuaciones son agradables, creíbles y hay varios personajes que por su irreverencia y descarada frescura, te irritan y divierten. Más de uno seguramente se sentirá identificado o recordará por lo menos, algún amigo en tal situación. El guión es bien original. Una película para ver en pareja, sin esperar un derroche de chistes típicos de este género pero que sin duda los haré sonreir y pasar un buen momento.

Lo Mejor de la Película: La historia

Lo Peor: Me pareció larga (2:09Min)

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8MM dice: “A mediados de 2007, en época de estreno de tanques en los Estados Unidos (Piratas del Caribe 3, Spiderman 3), una pequeña comedia se acomodó en los primeros puestos del ranking. Se trataba de Knocked Up, la nueva película del director y escritor Judd Apatow (Dirigió Virgen a los 40), había sorprendido a público y crítica por igual. Filmada con 30 millones de dólares, recaudó 140. Exito total. Ahora bien, ¿qué tiene Ligeramente Embarazada?, creo que lo primero a marcar son su justo equilibro entre dulzura, romanticismo y diversión”.

Reducto Cinéfilo dice: “En definitiva, una buena comedia agridulce que supera con creces la media de productos anuales de este género (cosa tampoco muy complicada, pero bueno), y que no solo funciona en sus escenas cómicas, sino también en aquellas más profundas…”

EP3 dice: “… en manos de Judd Apatow y de sus magníficos actores (desternillantes Seth Rogen y Katherine ‘Anatomía de Grey’ Heigl), este lío se convierte en una entrañable reflexión sobre el síndrome de Peter Pan, la vida en pareja y los champiñones alucinógenos”.

Otras Películas del Director

Película Género Año
Virgen a los 40 Comedia 2005

Película El Libertino / The Libertine – Le falto verdadero sentido libertino


Calificación CineVista:
Título Original: The Libertine

Género: Drama
Director: Laurence Dunmore
Reparto: Johnny Depp (Conde de Rochester), Samantha Morton (Elizabeth Barry), John Malkovich (Rey Carlos II), Rosamund Pike (Elizabeth Malet), Kelly Reilly (Jane), Tom Hollander (Etherege), Johnny Vegas (Sackville), Rupert Friend (Downs), Richard Coyle (Alcock), Jack Davenport (Harris)
Página Oficial:
Ver Aquí
Duración: 1:55 Min
Trailer: Ver Aquí
País: Reino Unido
Año: 2004

Si lo prefieres, escucha aquí esta reseña:

SINOPSIS

Ubicada en Londres, en plena época de la Restauración (1660), un momento fundamental de progresismo en donde se producían constantes descubrimientos en el mundo de la ciencia, la religión y las artes, y donde crecía una libertad sensual nueva, tiene lugar la historia de John Wilmot, segundo conde de Rochester, una de las personalidades más complejas de la historia de Inglaterra, un artista que alcanzó la popularidad en su época gracias a su personalidad libertina, su talento y como no, a su estilo de vida lascivo y rebelde.

RESEÑA / CRÍTICA

Como lo indica la sinopsis, se presenta en cartelera esta cinta que nos trae la historia de John Wilmot, un poeta y escritor inglés de pensamientos absolutamente libres cuya corta vida (murió a los 33 años de sífilis), estuvo marcada por los excesos y la extravagancia. Adicto al alcohol, como su padre, y a las mujeres, dedicó su vida a “el violento amor por el placer”, con una “buena disposición para el gozo extravagente”, según sus propias palabras. A él se le atribuye los primeros esbozos de pornografía en la literatura inglesa que fueron quemados una vez falleció. Personajes como Voltaire y Goethe solían recordarlo por sus sátiras cargadas de energía y fuego.

Esta cinta es la primera que dirige su director, reconocido por sus trabajos en el campo publicitario y es a su vez la adaptación de una pieza teatral con mismo nombre de Stephen Jeffreys, cuyo estreno fue en 1994 en el Royal Court Theatre de Londres. Por su parte, la versión cinematógrafica tuvo su estreno en el Festival de Toronto en el 2004.

La única razón que se explica porque está película de tres años atrás se está presentando actualmente en la cartelera nacional de mi país, es para mostrarnos una vez más la inmensa capacidad histriónica de Johnny Deep encarnando a este conde adicto a las mujeres y el alcohol. Su guión, la dirección y el bajo recaudo no la apoyan. Con un prespuesto no determinado, esta cinta ha recaudado tan solo un poco más de 10 millones de dólares.

Fue difícil para el director de esta cinta, lograr un buen filme alejado de su estilo teatral, por eso esta versión de “El Libertino” es compleja, pesada y tediosa de disfrutar. Su dos mayores problemas son la adaptación de su guión y el carrusel de su ritmo. Esta película tiene como inicio un prólogo al mejor estilo teatral que llama la atención y la hace prometedora, pero a partir de ahí recae en un desarrallo sumamente argumentativo con cambios de ritmo extraños e inexplicables. La primera hora con 16 minutos, aunque parezca increíble ese tiempo, se convierten en un desafío para el espectador el tratar de comprender, compenetrarse y no dejar perder su concentración por la cinta. Más de la mitad del tiempo es un intento por llegar a un clímax que se pierde junto a su fotografía en tonalidad sepia un tanto innecesaria a pesar de ser una cinta de época. Estoy de acuerdo con aquellos que dicen que este aspecto pudo haber sido sacrificado en pro de brindarle más claridad al espectador y no enrarecer más, lo oscuro de su historia.

La trama recrea con cierta fidelidad la vida de este libertino, pero lo que no posee en esencia ni logra trasmitir, es la pasión, emoción, carisma, arrogancia y la filosofía cínica con la que personajes como este conde, Don Juan y el Marquéz de Sade vivían. Su vida no fue menos interesante que los que acabo de mencionar, pero este filme no logra resaltar este aspecto.

Como decía al inicio, todos los créditos de la película son unica y exclusivamente para Johnny Deep quien no deja asombrar por su actuación casi impecable. Dibuja con gran precisión la forma de vida de este personaje; el prólogo y épilogo con el que se enmarca esta cinta así lo demuestran. Él sobre todo, junto a uno que otro momento de parlamento realmente interesantes, son los que hacen soportable esta cinta que a ratos raya en una incómoda tragicomedia.

Recomendable solo como documento valorativo de las capacidades, ya más que desmotrables de su personaje principal.

Lo que más me gustó de la cinta: la interpreación de Deep

Lo que menos me gustó: el guión y la dirección

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Extra cine dice: “..Y no sólo eso: no hay nada más en la película aparte de eso y las ganas de irse a dormir de rato en rato. No hay una buena construcción de época ni un argumento sólido, casi que sólo conocemos a Rochester sin ningún contexto, y hasta ahí lo conocemos: ¿o acaso sólo se dedicaba a escribir obras malísimas de teatro?”.

Movies Maniac dice: “Existen ocasiones donde ciertas peliculas producen diferentes reacciones en una persona puesto que trabajan en diferentes y variados niveles. Para mi El Libertino (The Libertine) es una de ellas”.

Gonzalo Fontánes dice: “Esta película deja un raro sabor después de haberla visto, aunque cuenta con la actuación de Johnny Depp, John Malcovich y Paul Ritter no logra cuajar la puesta en escena”.

Cinefilia Terminal dice: “…The Libertine es una película de época hecha en esta época y con sensibilidades que no son características de ninguna de las dos. Le pertencen al protagonista, y que nadie más finja ser el dueño. Es algo distinto a lo que estamos acostumbrados, sin volverse una revolución genérica”.


Ya estuve muerta lo suficiente