Blogger Nacional: Y El Ganador Fue…



El día de ayer se dio a conocer el ganador del concurso realizado por la Revista Semana “El Blogger Nacional”. El contundente ganador ha sido el blog Tienen Huevo, dedicado a la crítica irreverente de tinte político, que a la final obtuvo 1683 votos en las casi tres semanas de concurso. Por otra parte les cuento que CineVista se ubicó en el séptimo lugar.

Les confieso que no tenía planeado hacer mayores comentarios al respecto aparte del dar a conocer el resultado final de CineVista y mencionarles por ende, el ganador. Pero me enteré de una noticia muy lamentable para mi, que se une a varias inconformidades con la Revista Semana, gracias a la forma como desarrollaron la mecánica del concurso. Debo comenzar por decirles que el ganador no fue un blogger, tal como este concurso fue llamado, el ganador fue un blog, ya que Tienen Huevo es una página alimentada por 12 personas. Un hecho sin duda irracional e injusto para quienes se dedican solos – incluyo ahí a CineVista -, a realizar la ardua labor de subir contenido permanentemente. En tal caso, debieron existir dos categorías: una para los bloggers con página individual y otra para los bloggers con páginas colectivas, o haber sido lo suficientemente claros en determinar si el ganador era un BLOG o un BLOGGER, dos aspectos que aunque van de la mano el uno del otro, son totalmente distintos. Es decir, que no fui abatida por 6 bloggers ubicados delante de mí, sino por 18. Si este aspecto hubiese sido aclarado, CineVista por simple ejercicio matemático no hubiese entrado a participar. Con respecto al digno ganador y rival, pregunto: ¿A quién le repartirán el premio? (Una palm), ¿A quien de los 12 le permitirán escribir?. Aclaro antes de proseguir, que mi crítica e inconformismo no va dirigida al blog ganador, ni mucho menos, a quien por cierto doy mis FELICITACIONES.

Por otra parte, el pasado jueves, a tan solo 3 días del cierre de las votaciones, los 16 finalistas fuimos invitados a un Chat de la revista para tener la “oportunidad” de dar a conocer por qué debíamos ganar y porque además especificaban que las votaciones entre el primer y segundo puesto estaban muy cerradas. EL resultado final, para nada refleja tal condición, pues la relación de votos entre el primer y segundo puesto fue por más del doble (1683/ 772), además ni siquiera hubo diez personas distintas a los concursantes como para pensar que lo que se habló en tal chat fue determinante para tal diferencia. Por cierto, un chat muy mal moderado, cuyo efecto para el concurso fue cero, nada se habló verdaderamente comprometedor y contundente para las aspiraciones de cada blogger. Para rematar, la fecha de cierre era el pasado domingo 9 de septiembre y se pudo seguir votando, sin ningún previo aviso, hasta el siguiente martes, 11 del presente mes.

Todos estos hechos son reflejo de un desconocimiento casi total acerca de este maravilloso mundo, es reflejo de una inmensa improvisación, de falta de seriedad, de falta de dedicación, de investigación y de respeto con los participantes que nada refleja lo que conocemos como la revista más importante de nuestro país. Una lástima porque estos espacios podrían impulsar más el fenómeno cultural en que se han convertido los blogs. Este ejercicio hecho por la revista Semana solo será importante si los demás medios e incluso ellos mismos toman los correctivos necesarios y se dan a la labor de ahondar más acerca de la blogesfera.

Desde el jueves tras el Chat, yo particularmente tuve una inmensa decepción, pues quien moderó dio señales de desconocimiento y de falta de organización con las que quedé con muy pocas ganas de enfilar las listas del concurso. Además, ante las insistentes preguntas acerca del manejo del contenido de la páginas: la propia y la nueva, de cambio de plataforma, etc., que no fueron contestadas a entera satisfacción, ya se hacía suponer este confuso final.

P.d. Este mensaje fue enviado al contacto de la Revista Semana.

Les dejo una crítica respecto a este tema hecha en forma de podcast por el colectivo Blogotemático, quienes periódicamente publican interesantes podcasts acerca de la blogesfera.


Película Paranoia – Disturbia. No irrita pero tampoco encanta


Calificación CineVista:
Género: Thriller
Título Original: Disturbia
Director: D.J. Caruso.
Reparto: Shia LaBeouf (Kale), David Morse (Turner), Sarah Roemer (Ashley), Carrie-Anne Moss (Julie), Aaron Yoo (Ronnie)
Página Oficial: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

Si lo prefieres, escucha aquí esta Reseña:

SINOPSIS

Después de la muerte de su padre, Kale se convierte en un chico silencioso, retraído y perturbado hasta el punto de que el juez ordena su arresto domiciliario. Las paredes de la casa empiezan a oprimir a Kale, que acaba convirtiéndose en mirón a medida que empiezan a interesarle los pequeños acontecimientos que puede seguir desde las ventanas de su casa. Sospecha que uno de sus vecinos es un asesino en serie.

Hay tan poco que decir acerca de esta cinta que resulta dificil para mi darle un buen inicio a esta reseña. Paranoia o Disturbia se inspiró en la legendaria película “La Ventana Indiscreta” del maestro del suspenso Alfred Hitchcock del año 1954, quien hace en este filme una verdadera cátedra de cómo mantener el suspenso y entregar el mejor factor sorpresa basado en la temática del voyeurismo, tópico que además, ha inspirido unas cuentas cintas más.

El título de este filme, bien escogido, nada refleja lo que finalmente resulta ser Disturbia. Por este aspecto y por la base de donde partió, yo espera mucho, pero realmente mucho más; de hecho después de haberla visto, pienso que es un absoluto desacierto haber mencionado este factor inspirador. Paranoia es una película con una abrumadora simpleza, sin nada de pretensión y con una historia llena de varias temáticas alrededor del eje central. Resulta poco profunda, convirtiéndola por tal motivo en predecible y a veces un tanto aburrida especialmente en su desarrollo. Pareciera que su director tomó el manual de cómo hacer un thriller e intentó llevar a cabo cada paso pero sin éxito. Así pues podemos ver momentos de falsa tensión, escenas flojas de pánico con momentos de “sustos” creados a la fuerza, con un toque cómico y baladí que hace que la cinta pierda su real sentido, con algunas incoherencias en el tiempo, que a su vez se combinan; vale la pena resaltar, con una que otra escena realmente bien montada y diseñada, que son las que la hacen soportable por fortuna.

El target de esta película es para adolescentes e incluso me permitiría dudarlo, pues en ocasiones me resultó muy infantil. Así lo confirman sus protagionistas, encabezado por el que parece ser el jóven de moda tras su papel protagónico en Transformer, Shia Labeouf y quien soporta casi todo el peso de la cinta. Particularmente considero que no lo hizo mal, pero me sorprende la generosidad de apelativos con las que en un porcentaje importante, se califican las actuaciones de este actor. Igual opinión tengo de Carrie-Anne Moss, recordada por su papel de Trinity en la trilogía Matrix, pues no le suma ni le resta a la película, tal vez no fue su intención y si se le hubiese dado una mayor relevancia a su personaje dentro de la historia, probablemente la película hubiese tomado otro rumbo. Es una lástima lo sucedido con este filme, pues tiene un inicio arrollador que logra atrapar y tensionar al espectador a los pocos minutos de comenzada, haciendo crear la falsa esperanza de que la película va prometer. Paranoia no aburre del todo, se deja ver, pero tampoco encanta.

Lo que más me gustó de la cinta: Su inicio

Lo que menos me gustó: su desarrollo

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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Sin pelos en la lengua dice: “Como era de esperar, Disturbia carece de toda la magia y la profundidad de la película de Hitchcock para convertirse en una película de adolescentes más..”

Cine de horror dice: “Lo Bueno: Buenas actuaciones, excelente manejo de la tensión durante su parte final. Lo Malo: Demasiado predecible, demasiadisisimo. Lo Feo: Que ver al protagonista me recordaba ese bodrio de ”Transformers”, ojala nunca hubiera visto esa horrible película”.

La consulta del doctor mandingo dice: Cuando fui a ver Transformers al cine vi el trailer de esta película, y me llamó la atención. No sólo porque parecía una mala copia de “La ventana indiscreta” sino porque además la protagonizaban adolescentes. Estas cosas al final suelen resultar en películas de muy baja estofa, y esta no es una excepción. Si vas a ir a verla, no esperes demasiado de ella…”




Película Zodiac – Mucha dualidad


Calificación CineVista:
Género: Suspenso
Direcctor: David Fincher.
Reparto: Jake Gyllenhaal (Robert Graysmith), Robert Downey Jr. (Paul Avery), Mark Ruffalo (detective Dave Toschi), Anthony Edwards (detective William Armstrong), Brian Cox (Melvin Belli), Elias Koteas (sargento Jack Mulanax), Donal Logue (Ken Narlow), John Carroll Lynch (Arthur Leigh Allen), Chloë Sevigny (Melanie), Dermot Mulroney (capitán Marty Lee)
Página Oficial: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

Si lo prefieres, escucha aquí esta Reseña:

SINOPSIS
Thriller sobre el famoso “Asesino del Zodíaco”, un asesino en serie que entre los años 1966 y 1978 asesinó al menos a 37 personas en San Francisco, centrándose la historia en las pesquisas de 3 detectives que intentaron darle caza.

Está en la cartelera colombiana la quinta película del talentoso director David Fincher, después de sus dos mejores obras: “Seven” de 1995 y “El Club de la Lucha” de 1999, aunque esta última consiguió menos espectadores que la comentadisima “La Habitación del Pánico” de 2002 que a pesar de ser interesante, no logra superarla. En esta oportunidad trae de regreso el género policiaco basado en hechos reales contado con una perspectiva muy distinta a lo usual, poniéndole así un sello que ya comenzamos a identificarle como propio.

Zodiac la película que tomó alrededor de 5 meses su rodaje, se basó en términos generales en el caso del “Asesino del Zodiaco” para realizar la trama. Este fue un personaje que asotó a California del norte en la décadas de los 60 y 70 que causó mucho revuelo por la forma de asesinar y el interes particular por hacerse famoso, pues envió a diversos medios escritos 4 criptogramas con pistas sobre su identidad, que por cierto, hasta el día de hoy, 3 de ellos no han podido ser develados. Uno de estos medios fue San Francisco Chronicle en el que trabajó Robert Graysmith, un dibujante caricaturista que se interesó y se involucró sobremanera en este caso, a tal punto que lo llevó a escribir dos libros, uno “Zodiac” del año 1986, que en poco tiempo se convirtió en un super éxito y en un clásico del crimen policiaco real y el otro “Zodiac Unmasked” de 2002. Sobre estos dos libros especificamente se centra la historia de esta película.

Como podrán imaginarse quienes conocen, vivieron la época o recuerdan del caso, es mucho y nada lo que se tiene acerca de este asesino. Mucho por la cantidad infinita de documentación que se ha obtenido y nada porque hasta el día de hoy, no se reconoce un verdadero responsable detrás de los homicidios. De hecho, hasta marzo de este año la policia reabrió el caso después de 4 años de inactividad al respecto. Y justamente ese “todo y nada” al que me refiero, es lo que finalmente le ocurre a esta cinta y se vuelve a mi parecer el lema que mejor la describe. El TODO de Zodiac está en la presencia de su director que nos logra regalar escenas bastante tensas, oscuras e impactantes, está en lo acertado de su ambiente sobrio y siniestro, está en la forma como claramente se delimitan los momentos de mayor tensión y suspenso, está en sus personajes que fueron muy bien manejados tanto en su concepto creativo como en el perfil psicológico que se desarrolló para ellos, está en el visión que su director le dio a la cinta al centrar su historia no en el asesino en si, sino en el retrato de la obsesión de quienes mueren por atraparlo y está también, en el reconocimiento al inmenso trabajo documentativo que se realizó para desarrollar la cinta, muy apegada a la realidad y que además Fincher se encarga de hacernosla notar escena tras escena.

Pero como el todo o NADA refleja indudablemente una dualidad, pues es ahí en donde la película falla. Zodiac tiene un inicio que atrae al publico casi de inmediato, pero al pasar de sus largos minutos se vuelve tediosa, muy argumentativa con algunas escenas poco explicativas, que lleva lo sobrio al extremo, es pesada, con una intención clara y ganas exageradas por contar detalles que terminan por saturar al espectador gracias a una excesiva carga de información y por finalmente por su duración caprisocha de 2:33 min.

Zodiac es un filme que sin lugar a dudas se deja ver por las cualidades de su director, aunque esta no sea su mejor película. Hay que disfrutarla alejándose del precedente que él mismo impuso en las obras que al inicio mencionaba, “Seven” y El Club de la lucha”. Y una razón más es porque ha logrado dividir la opinión; algunos que como yo la desvaloran y otros que por el contrario la tildan de obra maestra. Juzguenla ustedes mismos!!!

Lo Mejor de la cinta: La dirección

Lo peor: La duración

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.
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Cinerama dijo: Z
odiaco es sin duda el material perfecto para que Fincher (’Fight Club’) demuestre como ha evolucionado su trabajo como director a pesar del tiempo que se ha mantenido alejado del cine ya que su última película ‘Panic Room’ fue hace algunos años atrás”.

Uruloki dijo: “Considero que esta película peca de tener un flojo guión … y sólo se salva gracias a la labor en la dirección del propio Fincher y el fenomenal hacer de los actores en particular Mark Ruffallo y Robert Downey Jr”.

Película Water: Con sentido de denuncia – Reseña


Calificación CineVista:
Género: Drama
Director: Deepa Mehta

Reparto: Seema Biswas (Shakuntula), Lisa Ray (Kalyani), John Abraham (Narayan), Sarala (Chuyia), Manorma (Madhumati), Waheeda Rehman (Bhagwati), Kulbushan Kharbanda (Sadananda), Raghuvir Yadav (Gulabi), Vinay Pathak (Rabindra), Ronica Sajnani (Kunti)
Países: Canadá e India

Año: 2005
 

SINOPSIS
La historia transcurre en 1938, en la India colonial, en pleno movimiento de emancipación liderado por Mahatma Gandhi. Se celebra una boda que bien podría ser un entierro: casan a Chuyia, una niña de 8 años, con un moribundo que fallece esa misma noche. Se quema su cuerpo en la orilla de un río sagrado y Chuyia se prepara para el destino que han escogido para ella. Se le afeita la cabeza e ingresa en un ashram para viudas donde deberá pasar el resto de su vida, convertida en un altar viviente consagrado a la memoria del fallecido.

En el CineVisTAZO del 16 de julio cuando les hablada de lo que estaba en cartelera en México, destacaba dentro del listado esta cinta nominada al Oscar como Mejor Película de Habla No Inglesa 2007. También comentaba que hacía parte de una trilogía que inició su directora, Deepa Mehta en 1996 con “Fuego”, dos años más tarde con “Tierra” y ahora esta última, llevada a cabo siete años después, llamada “Agua”. Pero la distancia en la elaboración de su última historia se debió a circunstancias ajenas a su propia voluntad.

La trilogía estaba planeada para ser presentada en un lapso de tiempo entre uno y otra de dos años, pero cuando se realizó “Fuego”, la primera, Deepa recibió muchas inconformidades, quejas y reclamos del mayor líder del grupo fundamentalista hindú más fuerte de extrema derecha. Sin embargo, el proyecto siguió su curso y generó “Tierra” dos años más tarde. Las presiones continuaron y aún así, en el 2000, comenzó el rodaje de “Agua” con todos los permisos requeridos por el gobierno de dicho país. La locación sentó sus bases en Varanasi, norte de la India, pero las amenazas se hicieron presentes de nuevo y un grupo de seguidores fundamentalistas, destruyeron y quemaron el estudio donde se llevaba a cabo el filme, además de amenazar a la directora y al grupo de actores. A este desafortunado suceso se le sumó enseguida, el intento de suicidio de uno de estos seguidores, motivo por el cual el gobierno retiró las garantías dadas a la producción y el proyecto fue suspendido. Tardaron cuatro años para encontrar y definir la viabilidad del rodaje en otro lugar y este fue Sri Lanka en donde prácticamente filmaron en secreto, en el lago más grande de la región.

Todo lo anterior nos lleva a decir de antemano que la película es un intento valiente por denunciar el abuso y maltrato hacia la mujer, dada la auto-interpretación que sus más importantes líderes han hecho de sus textos sagrados, transmitiéndolas a sus fieles seguidores de generación en generación. Muchas han sido las guerras lidiadas entre los humanos por el factor religioso y lo sucedido a esta producción tras la denuncia de Deepa no es la excepción. Las religiones tienden a unir a los pueblos, pero también los separa con un odio y sin razón asombrosos. Aunque la película está ambientada en la época en la que Ghandi vivía su mayor apogeo (1938), acorde al último censo realizado en la India en el 2001, las cifras de mujeres viudas sacrificadas por este flagelo es alarmante.

La polémica desatada inicialmente en dicho país sobre este tema, es un aspecto que se ha transferido a la esfera internacional gracias a Deepa y ahora nos solidarizamos con ese sentimiento de compasión al que ella hace referencia en una de sus tantas entrevistas: “Quiero transmitir la importancia de despertar compasión”. Y pienso que lo logró en esta última cinta, que a propósito ha sido catalogada, la mejor de las tres.

A pesar de la notoria auto-crítica y reflexión que Deepa hace de los textos sagrados, el filme guarda una armonía absoluta. Mantiene una fragilidad y emotividad generosísimas con el espectador, que más que llenarlo de ira, rabia y dolor, lo dirige a la inminente reflexión desde un punto de vista humano, conmovedor, amoroso y hasta tierno, gracias a la incorporación de una niña de poca edad, con una inmensa capacidad interpretativa, que nos atrapa con su dulzura y espontaneidad desde un inicio.

Aunque la historia es profunda y lamentable, la fortaleza de su fotografía hace que el corazón del público no se comprima del todo, lo que me parece muy interesante en la propuesta de esta directora ya que la cinta, por esta razón, no se vuelva un ejercicio doloroso y depresivo, sino más bien, lo convierte en un espacio para la misericordia y comprensión, que nos va develando inteligentemente en cada una de sus imágenes. En cuanto aspectos técnicos y como les decía, la fotografía de la película es bella, cargada de imágenes que refrescan el drama y apoyan la historia amorosa que viven sus personajes. También está la música que resulta hermosa y apropiada.

Se las recomiendo.

Lo Mejor de la Cinta: La historia,  la actuación de la niña Sarala y la sutileza de la directora para presentarnos su inconformismo.

Lo que menos me gustó: Algunas escenas (muy pocas) carecen de lógica.

¡Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.



Homenaje al Cineasta Jaime Osorio Gómez


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Ayer 3 de septiembre se cumplió un año del sentido fallecimiento del director, actor, libretista y productor Jaime Osorio Gómez, más conocido como “El Mono Osorio” quien nos dejó quizás, el legado más importante en la historia del cine colombiano. Su ópera prima “Confesión a Laura” del año 1986 recibió varios premios en Festivales como el de Cartegena, el de Huelva entre otros y ha sido considerado el filme mejor terminado de nuestro cine nacional.

Por tal razón y como homenaje, su hija Talía Osorio y su novio Emilio Orson Díaz realizaron un documental que fue presentando en el 47º Festival de Cine de Cartagena y en el que se reúne en muy buena forma el paso del “Mono Osorio” por el maravilloso mundo de la cinematografía. Son 18 minutos aproxidamente, que bajo la perspectiva de quienes lo rodearon: actores, directores, escritores, familia y amigos nos hacen una agradable narración de su carácter y las obras más destacadas

Sergio Becerra, profesor y crítico de cine en una completísima biografía sobre Osorio decía: “Pocos individuos reúnen en sí mismos los distintos engranajes de la creación cinematográfica. Pocos también los destinos que se confunden con los de un proceso en gestación; de la aventura artesanal a la semilla de una industria naciente. En esa tortuosa vía de la pasión al raciocinio, son las de este personaje y del cine colombiano trochas que convergieron en un mismo camino”.

Los invito a ver el documental en la siguiente dirección: http://orsondiaz.blogspot.com/2007/09/1-ao.html y si quieren conocer la biografía completa lo pueden hacer en: Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano.


Muere Blas Jaramillo: El padre Ernesto en Satanás


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El mundo artístico colombiano está de luto, Blas Jaramillo, actor colombiano de tan solo 39 años de edad, falleció este jueves en la noche, víctima de una pancreatitis que se le complicó. Recordemos que él fue uno de los personajes centrales de la exitosa película Satanás, del director Andy Baiz, en la que interpretó destacadamente al “Padre Ernesto”, cinta basada en la novela con mismo nombre del escritor bogotano Mario Mendoza y que comentamos en CineVista. Esta lamentable noticia se produce poco tiempo después de conocerse que “Satanás” fue escogida por el Consejo Nacional de Cine de nuestro país para representar a Colombia y competir en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa de los Premios Oscar 2008.
La última participación de Jaramillo en cine, fue en la también película colombiana “Buscando a Miguel” en la que hace un pequeño papel y tuvimos oportunidad de reseñar. Este filme aún se presenta en nuestros cinemas.

Blas Jaramillo se reconocía a si mismo, como un verdadero actor de las tablas. Entre las obras mas conocidas que contaron con su participación estan: “Ricardo III”, La Impaciencia del Corazón” y “Sexo según Mae West”.

Foto: Película Satanás – papel de “Padre Ernesto”

Paz en su tumba.

Película Napola /Educación Alemana "Integral"


Calificación CineVista:
Género: Drama
Título Original: Elite für den Führer
Director: Dennis Gansel.
Reparto: Max Riemelt (Friedrich Weimer), Tom Schilling (Albrecht Stein), Jonas Jägermeyr (Christoph Schneider), Leon Alexander Kersten (Tjaden), Thomas Drechsel (Hefe), Martin Goeres (Siegfried Gladen), Florian Stetter (Justus von Jaucher), Devid Striesow (Vogler), Joachim Bissmeier (Dr. Karl Klein), Michael Schenk (Josef Peiner)
Página Oficial:
Ver
País: Alemania
Año: 2004
Si lo Prefieres, Escucha esta Reseña Aquí:

SINOPSIS

Berlín, 1942. Friedrich, de 16 años, que acaba de finalizar el bachillerato elemental y es un hábil boxeador aficionado, sueña con ser alguien en la vida. Su oportunidad le llega al fijarse en él durante un combate de boxeo por un joven simpático que es profesor de una escuela de elite de los nazis y ayuda a Friedrich a ingresar en el centro.

“Levantaremos una generación que hará temblar al mundo. Quiero jóvenes excepcionales, intrépidos, despiadados y salvajes. También serán fuertes y guapos. Aprenderán a pensar sólo en Alemania y a actuar para Alemania. Y así será como yo daré vida a un hombre nuevo” . Esta es una de las tantas expresiones que resume en buena forma una de las mil obsesiones de Hittler, pero que a su vez se convertiría en su mayor objetivo y por tanto resulta básicamente el punto de partida del director y guionista de esta cinta, tercera película de su cuenta personal después de “El Fantasma” del año 2000, un filme policíaco y de suspenso con una sinopsis bastante interesante y “Chicas al ataque” del año 2002, una comedia basada en los cambios hormonales sufridos por las mujeres en dicha etapa que las lleva a crear diversas situaciones.

Para lograr el objetivo de dar origen a una raza nueva aria – término acuñado en el siglo XIX que hace referencia al origen de los europeos como raza blanca-, Hittler creó las llamadas NAPOLA o NPEA, alrededor de toda Alemania; una sigla que se define como los Institutos de Educación Nacional-Política, en la que participó el abuelo del director; Fritz Gansel, como instructor de una de estas instituciones en el año 1940 y cuando éste solamente contaba con 24 años de edad. En estas peculiares escuelas los jóvenes eran reclutados a temprana edad; desde los 10 años y en ellas se llevaban a cabo prácticas que pretendían mejorar los llamados “defectos de carácter” de sus estudiantes y formarlos bajo los principios y políticas singulares de Hittler. Tan solo el 20% de los aspirantes lograban entrar a los claustros, de ahí el orgullo y prestigioso de sus graduados. Entre actividades lúdicas privilegiadas como las de permitirles montar a caballo, en avión, hacer gimnasia, se combinan otras de historia, artillería, boxeo y lucha libre, que de forma amañada iban impartiendo nuevos ideales a estos pobres adolescentes en extenuantes jornadas de 5 horas en la mañana y otras tantas en la tarde durante 9 años.

Por todas estas razones, Napola es un documento histórico real, netamente dramático, con información de primera mano, que le permitió a Gansel dar origen a un guión casi perfecto que va llevando escena tras escena una narrativa excepcional. Este filme se centra de forma vehemente en las prácticas malsanas de la institución para desarrollar su historia y no muestra interés alguno en ahondar, enseñar y explicar al espectador otros detalles, aspecto válido pues de forma inteligente, se vuelve casi imperceptible en mi parecer. Por ello, la cinta es un golpe psicológico ácido, que golpea al público, lo incomoda, lo impacta, pero su a vez lo sensibiliza, lo hace reflexionar y lo humaniza a pesar que su historia en apariencia sea la misma fórmula inspiradora de los artistas germanos. El potencial de la película radica en la novedad de mostrarnos una cruda realidad en la que se ven involucrados pequeños jóvenes que oscilan entre los 14 y 16 años cuyas interpretaciones son apreciables y bastante creíbles.

Los exteriores sin duda alimentan la historia y le dan el toque de sobriedad necesarios, al igual que su fotografía que es por demás, bella y con una vivacidad exquisita. La mayoría de ellos se hicieron en Baviera, estado meridional de Alemania, altísimamente rico en historia, basta con recordar los orígenes de los Illuminati y Masones, importantes logias secretas tan solo por citar algunos ejemplos.

Napola ha recibido diversos premios en Festivales como el de Mejor Director en el Festival de Baviera, el de Mejor Película Alemana otorgado por el público dentro del marco del Festival de Hamptons en New York, entre otros.

Esta es una cinta bastante recomendable que vi hace ya un mes y que dado los últimos estrenos no había tenido oportunidad de comentar. Para los colombianos que aún no la han visto, hay tiempo, pues sigue presentándose en algunos cinemas, como también se consigue fácilmente en las video tiendas dado su año de realización (2004).

Con pocos fallos en la película, algunos se estarán preguntando porqué no le otorgué 5 estrellas. Les confieso que aunque la mayoría de cosas me gustaron, quedé con la sensación de que algo le hizo falta para ser perfecta y que aún no descubro con precisión.

Lo que más me gustó de la cinta: la historia

Lo que menos me gustó: la marcada postura de su director frente al tema, haciendo que el espectador tome partido desde el inicio de la cinta. Recordemos que en esta escuela y según historia, no todos los jóvenes eran obligados a ingresar y casi en su mayoría, el orgullo y la ambición finalmente les pudo más que los valores de humanismo y compasión hacia sus semejantes.

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Por cierto antes de despedirme, FELIZ DÍA DEL BLOGGER, que desde hace 3 años se celebra mundialmente con el objetivo de que sus autores este día dediquen un espacio en sus bitácoras a dar a conocer otros blogs distintos al propio e incluso de otros idiomas.

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Bogotá 35MM dice: “Napola muestra cómo la percepción de la guerra puede ser universal, sin hacer diferencias entre el Eje y los Aliados, entre soldados y generales o entre jóvenes y viejos”.

Segunda Guerra Mundial dice: “Naturalmente, la visión de la época es necesariamente crítica, y en ese sentido “Nápola” muestra sus cartas desde el principio”.

Being Mex dice: “Siempre he creido que por mas patriota que seas no puedes dejarte caer o convencer por cosas que realmente estan fuera de todo sentido comun, una cosa era serle fiel a alemania y otra totalmente tragarte y creerte toda esa ideología”.


Fracture / Crimen Perfecto: FrAcTuRaDa


Calificación CineVista:
Género: Suspenso
Título Original: Fracture
Director: Gregory Hoblit
Reparto: Anthony Hopkins (Ted Crawford), Ryan Gosling (Willy Beachum), David Strathairn (Joe Lobruto), Rosamund Pike (Nikki Gardner), Embeth Davidtz (Jennifer Crawford), Billy Burke (detective Rob Nunally), Cliff Curtis (detective Flores), Bob Gunton (juez Gardner)

País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

Si lo prefieres, Escucha esta Reseña Aquí:

SINOPSIS
Narra la historia de dos hombres con muy pocas cosas en común: Willy Beachum (Ryan Gosling), un joven y ambicioso fiscal cuya carrera está empezando a despegar, y Ted Crawford (Anthony Hopkins), un ingeniero de mediana edad que acaba de dispararle a su mujer a sangre fría. Ambos hombres se encuentran cara a cara en un camino directo al desastre. Crawford resulta ser tan complejo e impredecible como el crimen que ha cometido y, mientras el caso perfecto de Willy comienza a desmoronarse, el futuro del joven fiscal parece destruirse con él.

Mencionar dentro del cartel de una película la presencia de Anthony Hopkins, representa por si solo un motivo que para mi, prácticamente obliga a verla. Esto a su vez tiene su contra, pues las expectativas que se generan al respecto en mi caso son elevadísimas. Y justamente esto es lo que me sucedió con Fracture o Crimen Perfecto.

Gregory Hoblit director de esta cinta, nos trae una vez más un filme que gira en torno a los casos policíacos y jurídicos. Él parece haberse especializado ya en este tipo de temas; así lo confirman todas las películas dirigidas y/o producidas por él. Sin duda esta es su mayor fuente de inspiración en donde podemos recordar ; por ejemplo, “En las dos caras de la verdad”, su mejor película del año 1996, que se basó en el poder manejado por unos abogados, “Fallen” realizada dos años más tarde, que se trató de un policía que debe darse a la caza de un asesino, “Frequency” del 2000, que aunque intentó alejarse un poco de esta dinámica, usó como personaje principal a un joven policía que se comunica con su padre fallecido y de cierto modo regresa en el tiempo y su antepenúltima cinta “La guerra de Hart” del 2002, que regresa a su preferencia y nos narra la historia de una estudiante de leyes que debe defender a un asesino negro en unas circunstancias especiales. Esta manía del director es algo respetable y le da herramientas para crear producciones cada vez más elaboradas en torno a este tema. Como también es cierto que las ramificaciones por donde se puede mover el director alrededor del mismo son inagotables. Sin embargo con esta última entrega, su intención por hacer algo muy preparado hizo que Crimen Perfecto fuera en descenso y al final se quede uno con la sensación de deuda. Sin duda el argumento es poderoso pero el desarrollo de su narrativa no culmina a buen término la idea principal. El filme goza de un principio casi excelente, pero al paso de los minutos, su desarrollo es tedioso, denso, con una terminología jurídica pesada y con un alargue innecesario. Ya cuando aparece su desenlace y final, estos hace rato están consumados y la fuerza de los mismos se han perdido totalmente.

Adicionalmente, a ratos fue inevitable recordar la excelente película “Un Crimen Perfecto” del año 1998, interpretada por Michael Douglas y Gwyneth Paltrow, pues su temática es casi igual. Lo mismo me sucedió con Hopkins que aunque es cierto que este papel pareciera haberse hecho a la medida del zapato de este especialista, su actuación nos recuerda casi palmo a palmo su interpretación de Hannibal Lecter en las distintas películas que se crearon sobre este histórico psicópata. La experiencia de Hopkins se combina al lado del joven actor canadiense Ryan Gosling, merecedor a la nominación a los premios Oscar este año, como Mejor Actor en la película “Half Nelson” del año 2006 y que no ha llegado a nuestro país. Allí él interpreta a un dedicado profesor que lleva una doble vida, pues en su intimidad es un consumado adicto a las drogas. Yo no he visto esta cinta, pero su interpretación en Fracture no es tan sobresaliente. De hecho, las críticas lo juzgan de imitar muchas actitudes que asumió en su nominada película.

Con todo lo que he dicho hasta ahora, no estoy desmotivando la intención de irla a ver. De hecho pienso que se deja disfrutar con ciertas precauciones como, no esperar mucho de la cinta, ir con la mente despejada, los ojos bien abiertos e incluso sin cansancio. Por otra parte, se cruzan ciertos juegas de palabras entre sus dos personajes centrales, que seguramente estarán en la lista de frases célebres, la lucha de caracteres, el manejo del orgullo, del poder y del amor al dinero, que por supuesto son interesantes; también están, la impecable factura técnica, como su fotografía, montaje y manejo de las cámaras y finalmente la banda sonora que acrecienta la intriga en sus puntos más álgidos.

Lo Mejor de la Cinta: La impecable técnica.

Lo Peor: Su desarrollo

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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Ojos Abiertos dice: “A pesar de que Crimen perfecto tiene algunos puntos favorables culmina siendo una película más de asesinos inteligentes con juicio incluido”.

El Séptmo Arte dice: “Parecía el típico thriller judicial sin la más mínima gracia y originalidad dirigida sin apenas nada de personalidad. El caso es que no es nada del otro mundo, pero tampoco se puede decir que sea una película mala, ni mucho menos”.


El Ultimátum de Bourne: Cine Comercial de Buena Calidad


Calificación CineVista:
Género: Acción
Director: Paul Greengrass
Reparto: Matt Damon (Jason Bourne), Julia Stiles (Nicky Parsons), Joan Allen (Pamela Landy), David Strathairn (Noah Vosen), Paddy Considine (Simon Ross), Scott Glenn (Ezra Kramer), Edgar Ramírez (Paz), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch)
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver: Trailer
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SINOPSIS: Bourne seguirá las huellas de su pasado para poder encontrar su futuro. Deberá pasar por Moscú, París, Londres, Tánger y Nueva York en un intento de deducir quién es el verdadero Bourne, mientras le persiguen policías, agentes federales y la Interpol.

Se llevó a cabo el estreno de una de las películas de acción más esperadas de la temporada, El Ultimátum de Bourne o Identidad Desconocida como también se debe recordar en mi país, basadas en las series novelescas del escritor, Robert Ludlum; aunque se le hicieron adaptaciones para volverlas más contemporáneas y lo que tomaron de estas historias fue precisamente el tema de la conspiración y el sistema gubernamental corrupto. Esta cinta que tuvo un costo aproximado de 110 millones de dólares ya ha logrado recaudar 209, faltando su estreno en algunas países más.

Todos los filmes de esta secuela son un ejemplo palpable de que SI se puede hacer cine comercial de gran calidad, además de probar que el género de la acción y el espionaje aún tienen mucha tela de donde cortar de forma interesante y creativa. Para la elaboración de esta última versión, la producción utilizó en su mayoría, el mismo equipo que llevaría al éxito a la segunda entrega; El Mito de Bourne, comenzando desde su director, Paul Greengrass, hasta los camarógrafos, asistentes y demás. Esta acertada decisión se refleja perfectamente en cada una de las escenas, pues son muy fieles a las cintas anteriores. Aunque ya Bourne nos tenía acostumbrados a la acción alrededor del mundo, esta última, se convierte en toda una maratónica aventura, al recorrer 3 continentes y 7 países como: Tánger en Marruecos, una importante ciudad que en los años 50, fue el punto de encuentro de muchos espías secretos que desean planear ataques clandestinos. Es en esta región, donde se lleva a cabo pasajes de la película que realmente me sorprendieron y me parecieron muy emocionantes. También podemos ver movimientos de Bourne en París, Londres, Moscú, Madrid hasta llegar Nueva York, origen del personaje. Cada una de estas ciudades escogidas meticulosamente, le imprimen una credibilidad asombrosa. Para descubrir la identidad de Bourne, faltaba menos que esta búsqueda fuera algo fácil de hallar, después de haber recorrido tanto camino en la anteriores películas. Que dicha respuesta se hallara a la vuelta de la esquina, no resultaría apropiado y así lo entendió su director.

Para ayudar a cerrar el episodio de Bourne (aparentemente), regresan al repertorio dos personajes importantes dentro de la historia; Pamela Landy (Joan Allen) y Nicky (Julia Stiles), otro de los hechos para mi acertados que permiten contar la historia con una cohesión absoluta. Sin duda son piezas claves que ayudan desenredar la mente de este asesino profesional. La actuación de Matt Damon, encarnando el personaje principal ha sido vital y en esta última entrega es notorio su esfuerzo por regalar a su público, escenas verdaderas de acción, con gran calidad y elaboradas en buena parte por el mismo. A mi particularmente, me encanta esa dualidad creíble de su personaje entre el ser malo y bueno, combinado con un aspecto físico totalmente atípico a su carácter psicológico. El ritmo del filme es excepcional, muy envolvente y tremendamente rápido, sin perder por esto dramatismo e intriga. La labor del director vuelvo a reirterar, es muy destacable, pues combina cada uno de estos elementos a la perfección, dado que conoce al detalle la esencia de esta saga. La fotografía y ambientación por tanto también son valerosas.

En términos generales salí muy satisfecha de ver esta cinta, que ha sabido sortear las fallas y las bondades de las otras entregas, para superarse e ir en ascenso. Aunque debo confesarles que su final abierto me dejó un poco triste, pues insisto en el tema de que realizar demasiadas versiones, conllevan a historias rebuscadas. Además como diría Matt Damon en una entrevista a El Tiempo acerca de realizar una cuarta parte, dijo: “…una continuación podría centrarse en cómo Bourne pierde las llaves de su carro” (risas).

Lo Mejor de la Cinta: La acción y la actuación de Damon

Lo Peor: Su final abierto


No se la pierdan, vale la pena

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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Sin Pelos en la Lengua dice: “Pero, en fin, tras poder ver esta tercera y, a priori, definitiva entrega de la saga Bourne, basada en las novelas de Robert Ludlum, uno no puede hacer otra cosa sino quitarse el sombrero. Que se aparten piratas, robots y superhéroes en pijama: El ultimátum de Bourne es acción trepidante en estado puro”.

Diario de una Mente Perturbada: “Como ya he dicho, “El últimatum de Bourne” se sustenta gracias sobretodo a un guión competente de principio a fín. Si bien la idea es simple (el juego del gato y el ratón, pero esta vez por duplicado), la trama se va desarrollando de forma escalonada, captando el interés en todo momento, sin permitirse ningún bajón”.


Dices que quieres morir por amor, pero no sabes nada de la muerte ni sabes nada del amor