Crítica Película 30 Days of Night – 30 Días de Noche


LA FICHA TÉCNICA
Calificación de CineVista:
Género: Terror
Director: David Slade
Reparto: Josh Hartnett (Eben Oleson), Melissa George (Stella Oleson), Danny Huston (Marlow), Ben Foster, Mark Boone Junior (Beau Brower)
Guión: Steve Niles, Stuart Beattie y Brian Nelson
Duración: 1:53 Min
Página Oficial: Ver Aquí
Trailer: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007

(Abstente de leer y/o escuchar esta reseña si no haz ido a verla y piensas hacerlo. Comento algunos detalles con el fin de poder dar mi opinión)

Si lo prefiere, escucha esta reseña aquí:

LA SINOPSIS
Barrow es un pequeño pueblo de Alaska que cada año sufre 30 días de completa oscuridad. 30 días de noche narra los hechos que tienen lugar un año en el que un grupo de vampiros, conociendo esta peculiaridad geográfica del pueblecito, deciden hacer una “visita organizada” a la localidad, aprovechando que durante 30 días podrán campar a sus anchas sin preocuparse de la luz del sol, mientras que el sheriff del pueblo y su esposa (que es también su ayudante) intentan mantener con vida a los habitantes del pueblo, conseguir ayuda del exterior y buscar un modo de acabar con los vampiros para salir con vida.

LA RESEÑA CRÍTICA
Han sido muy pocas las cintas que logran quedarse en mi memoria del género zombie y/o de vampiros. Sin embargo 30 días de Oscuridad es la excepción a algo que ya consideraba una regla personal. Esta película que se estrenó en Estados Unidos en la pasada temporada de Halloween, es la versión cinematográfica de un cómic de Steven Niles que participó del guión para esta versión y Ben Templesmith cuya idea inicial fue pensada para ser llevada a pantalla gigante pero ante las negativas recibidas, se convirtió en un exitoso cómic cuya primera publicación se dio en el año 2002. En países como Estados Unidos y España, las entregas de este cómic han superado ventas impensables, convirtiéndola en el 3er cómic en formato más vendido en el mundo.

En esta ocasión los vampiros se toman a Barrow en Alaska, que es la región más septentrional de los Estados Unidos y la población ubicada más al norte de todo el mundo para hacer de las suyas, tomando ventaja del evento que año tras año ocurre ahí, al quedarse la población dos meses, exactamente, en completa oscuridad durante la temporada de invierno. Por tanto las condiciones naturales de Barrow, convierten a sus habitantes en el festín ideal para estos vampiros, impresionando el ambiente claustrofóbico que se genera a causa de la ausencia de luz.

Es una 1:53 minutos donde se evoca el género del terror a la antigua y donde el suspenso se planeó estratégicamente en cada una de las escenas con un ritmo ágil que contradice lo que algunos comentarios mencionaron anticipadamente al respecto. Seduce la caracterización aterradora que se le hizo a esta “especie” y el idioma no entendible en el que se comunican. En este punto, me sumo a las voces que resaltan esto y mencionan que el idioma extraño que hablan los vampiros, le de más credibilidad a la cinta, a diferencia de muchas otras películas, en donde seres venidos de mundos lejanos o incluso del nuestro pero totalmente aislados a nuestra forma de vida, pueden entendernos y aún mejor entablar conversaciones con nosotros. Además como seres que actúan casi como animales la utilización de este recurso para bien de film es mínima.

En 30 días de Oscuridad o de Noche como se tradujo en Colombia, no hay cabida para la salvación religiosa, pues ningún instrumento santo es válido para darles por terminado. Aquí solamente es acabarlos sanguinariamente y de forma despiadada como ellos mismos lo hacen con los humanos. Por tal razón, la sangre rueda por todas partes pero no hastía. En una de los apartes de la película, vemos como hasta los niños no se escapan de caer presos por esta especie y como una aparente “dulce niña” les complica por algunos minutos la existencia a los que áun sobreviven. Me agradó la astucia con la que el director, David Slade, con éste su segundo thriller, resuelve este problema, dejándole su exterminio a manos de un joven y no de un adulto. De hecho, el director se encarga de dejar bien en claro la incapacidad por razones morales, tanto del protagonista y otros personajes, por acabar con la niña ahora convertida en un monstruo. Y tras toda esta seria de aciertos y acontecimientos bien manejados, llega su final inesperado, alejado de cualquier terminación rosa pero con una gran belleza a su vez, con lo cual uno sale satisfecho del cine y con un muy buen sabor de boca.

Como toda película de héroes y villanos, la batalla se da, pero no se le sacó el provecho suficiente. Este es su mayor fallo. La lucha entre el protagonista, un alguacil y el vampiro rey de la manada, se da de forma insulsa y bastante sencilla a diferencia de lo que según los seguidores del cómic ocurre. Por lo demás y gracias a la participación del mismo creador en el guión de la película, se distingue la uno de la otra solo por algunos detalles. El otro punto, son sus actores principales, Josh Hartnett que aún no suupera su aclamada actuación en Black Haw Derribado de 2001, pero que sorprede por su versatilidad ya que lo hemos visto en diversos papeles en casi todos los géneros y Melissa George recordada por su papel en la pelicula Turistas del año pasado, pues ambos hacen su trabajo aunque tampoco logran sobresalir, especialmente Mellissa cuya actuación resulta poco espontánea.

30 días de Oscuridad no termina por estrenarse en todo el mundo y hará parte de la cartelera de muchos países el próximo año, así que la recomiendo pues es una versión vampirezca bastante tenebrosa y entretenida. No alcanza hacer la versión de culto que muchos podrían esperar, pero si se convertirá sin duda, en un nuevo punto de referencia para copiar y considerar a la hora de realizar una nueva versión.

Lo Mejor de la Película: El final

Lo Peor: La batalla entre el héroe y el villano

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Conversar de Películas dice: “No se la recomiendo a todos, pero pienso que sí tiene aspectos muy positivos. La caracterización de los vampiros es estupenda (no es para menos, es de los mismos neozelandeses que “maquillaron” a los orks en El Señor de los Anillos)”.

Lucas Robledo dice: .. “una historia de vampiros llamativa y original por 2 motivos: primero, el hecho de que atacaban en Alaska, un lugar donde durante 30 días es de noche, por una cuestión geográfica. Y el segundo, era el tipo de dibujo, sobre todo el plasmado de sus colores, semejantes al óleo, con interesantes contrastes y personajes exageradamente morbosos en cuanto a su diseño..”


Otras Películas del Director:
Película: Hard Candy
Género: Terror
Año: 2005


Crítica Película Vacancy – Hotel Sin Salida


Calificación de CineVista:
Título Original: Vacancy
Género: Thriller, Terror
Director: Nimród Antal
Reparto: Luke Wilson (David Fox), Kate Beckinsale (Amy Fox), Frank Whaley (Mason), Ethan Embry (mecánico)
Guión: Mark L. Smith
Duración: 1:25 Min
Página Oficial: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

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LA SINOPSIS
Un desvío tarde por la noche lleva a una inimaginable pesadilla cuando el auto de una pareja se descompone en una carretera remota. Encontrándose desamparados en una obscura y desierta carretera de dos carriles, David Fox y su próxima ex esposa Amy son forzados a pasar la noche en un sórdido motel administrado por un extraño pero aparentemente inofensivo propietario.

Antes de comenzar la crítica de esta película, les anticipo que durante este mes de diciembre, haré reseñas de filmes que se me quedaron en el tintero porque no los vi en su momento, porque no me llamaron lo suficientemente la atención para comentarlas o porque los vi pero no alcancé hacer la crítica correspondiente. Todo esto tomando ventaja del poco cine que llega a mi país por esta época y para aprovechar y hacer un recuento de las cintas que nos llegaron y las que no. No siendo más, entonces dediquemos a lo que nos compete.

LA RESEÑA CRÍTICA
Vacancy, Hotel sin salida o Habitación sin salida como ha sido traducida en diversos países, es un film que tuvimos la oportunidad de ver en Colombia varios meses atrás y que actualmente hace parte de la cartelera de España. La dirección le corresponde a Nimród Antal un joven director americano, reconocido por su ópera prima llamada Kontroll del año 2003 y que ganó varios reconocimientos en distintos festivales como el de Cannes, Filadelfia, Chicago y Varsovia en el 2004.

Habitación Sin Salida es una película que combina varias cosas interesantes para su género. Podemos ver que la historia está enmarcada dentro de un thriller psicológico, elemento que funciona muy bien en las películas de suspenso y terror y que para fortuna de Vacancy, no es la excepción, que además basa su trama en un tema que genera por si solo repugnancia y mucho temor con es el caso de los videos snuff que ya ha sido explorado en el cine y que incluso pudimos ver este año con la segunda entrega de Hostel (Ver Crítica) producida por Quentin Tarantino. La diferencia con Hostel es que este joven director incorpora, para mi gusto, el elemento gore de forma muy sutil y estrictamente limitada; dándole así gotas de realismo a la historia.

La atmósfera creada en Habitación Sin Salida es muy bien lograda, al igual que la escenografía que tomó un realismo asombroso. El hotel y la gasolinera fueron totalmente construidos en el mayor estudio del mundo, donde se han filmado grandes películas como Spiderman y El Mago de Oz, que le pertenece a la Sony Pictures. Puedo decirles entonces, que son estas dos cosas; la atmósfera y escenografía o ambiente, lo que más sobresale de esta película.

Basado en una buena historia que se le ocurrió al guionista 8 años atrás viajando por una carretera secundaria de México junto a su esposa, la película no conlleva a buen término la intención que se propone. Los primeros minutos son atractivos y hacen suponer que el film va a prometer, pero se hizo necesario 20 minutos de su corto metraje (1:25 Min), para entrenarnos en diálogos entre una pareja a punto de separarse que a ratos cansan porque ya los conocemos como la palma de nuestras manos. Sin embargo, son 20 minutos que a pesar de su letargo, se dejan ver pero se convierten en su peor enemigo, pues la acción que el director reprime en el espectador necesita ser doblemente saciada en los minutos siguientes. Desafortunadamente, el desenlace y aún mucho más su final, son la peor cosa de esta película, pues comienza a comportarse como un thriller barato más, que se vuelve absolutamente predecible y que toma todos los clichés del cine de este género con el detonante de manejarlos precariamente.

La cuestión aquí no recae exactamente en los actores, aunque tampoco se les notó mucho esfuerzo por convencer. Estoy hablando de Luke Wilson, más recordado por sus papeles en la comedia y Kate Beckinsale que ha tenido la grandiosa oportunidad de actuar en super producciones como, Aviador de 2004, las dos partes de Inframundo de 2003 y 2006, y Pearl Harbor del año 2001.

Hotel Sin Salida es muy poco recomendable y debió quedarse sin posibilidades de salida como película para televisión.

Lo Mejor de la cinta: La atmósfera, iluminación, ambiente, escenografía

Lo Peor: El ritmo que la hace eterna a pesar de su corta duración


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Ktarsis dice: .. “Sin tener que buscar mucho en la filmoteca, uno se pregunta cómo este tipo de locales sigue haciendo negocio”.

Desde un blog dice: “Evítense la pena de ver esta película que es un gran churrazo… una perdida total de tiempo. Si no hay nada mas en el cine y no les queda otra que ver, entren pero ya los advierto que es un fraude para ser una película de terror”.

Reducto Cinéfilo dice: “En definitiva una película olvidable, solo para fans del cine fantástico en general, y del slasher en particular (aunque apenas hay sangre en pantalla), la cual tiene algún puntual acierto de puesta en escena y argumental, pero que resulta tan llena de tópicos que a medida que avanza la película se sigue por inercia más que por ningún interés, porque se hace absolutamente previsible”.

Otras Películas del Director

Nombre: Kontroll
Género: Thriller
Año: 2003




Crítica Película Bee Movie – Historia de una Abeja


Calificación CineVista:
tulo Original: Bee Movie
Género: Animación
Directores: Steve Hickner y Simon J. Smith.
Reparto /Doblaje: Jerry Seinfeld (Barry B. Benson), Renée Zellweger (Vanessa), Matthew Broderick (Adam Flayman), John Goodman (Layton T. Montgomery), Chris Rock (Picacuernos), Kathy Bates (Janet Benson), Patrick Warburton (Ken), Barry Levinson (Martin Benson), Megan Mullally (Trudy), Larry Miller (Buzzwell), Rip Torn (Lou Lo Duca).
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:30 Min
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí (en inglés)

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LA SINOPSIS

Una abeja llamada Barry B. Benson acaba de graduarse de la universidad, pero le invade la desilusión cuando comprende que sólo tiene una opción profesional: la miel. Entonces sale por primera vez de la colmena y transgrede una de las reglas cardinales del mundo de las abejas al hablar con un ser humano, una florista de Nueva York llamada Vanessa. Barry se queda atónito al averiguar que los humanos llevan siglos robando la miel de las abejas, y, de este modo, descubre cuál es su auténtica vocación: restablecer el orden y demandar a la raza humana por robar la miel.

LA RESEÑA CRÍTICA
Bee Movie o Historia de Una Abeja es la nueva cinta de DreamWorks después de Shrek Tercero de la pasada temporada vacacional de mitad de año, con la que se estrena el aclamado cómico estadounidense Jerry Seinfield en la pantalla gigante. Él fue el guionista, productor y protagonista de esta cinta que se originó por casualidad en una reunión que sostenía el cómico con Steven Spielberg desde hace cuatro años atrás. Todo partió del título, Bee Movie, cuya pronunciación se asemeja, en el ingles, a las películas de clase B; es decir, aquellas que tienen un bajo presupuesto. Y desde este pequeño pero igual importante detalle, comienza a notarse en Historia de una Abeja el sello que impone este novato guionista y productor.

Este film logró reunir también un importante grupo humano tanto en voces como las de los conocidos actores Renée Zellweger y el cómico Chris Rock, como en producción, entre los que se cuenta el luminotécnico colombiano William Arias y con los cuales se consigue una cinta técnicamente impecable. El género de la animación cada día nos sorprende más de forma muy grata y se ha convertido en uno de los mayores atractivos del cine norteamericano. Justamente es este aspecto el que más se puede disfrutar de la cinta. La textura de los cabellos, la tez de sus personajes, la fabulosa e increíble espesura de la miel, que por cierto representó un gran reto para la producción y que gracias al apoyo de la HP pudo lograrse, al igual que el aleteo de las abejas en la que fue necesario mejorar la tecnología usada en la madrina de Shrek para incorporarla a este proyecto en su versión mejorada. También se rescata el gran esfuerzo para lograr las escenas entre sus personajes principales, desiguales en estatura, ya que como sabrán algunos, esto representa todo un reto poder capturarlas en un mismo fotograma cuando se filman a la vez.

El “tinte” cómico de la película, aspecto infaltable conociendo los antecedentes, fue manejado con una sutiliza encantadora. El cómico aprovecha su gran talento para satirizar el comportamiento humano natural, al creerse el único poseedor de los bienes de la naturaleza. La capacidad creativa de Seinfield para idear y llevarnos a ese mundo imaginario de las abejas, es muy grande. Somos muchos los que en diversas ocasiones pensamos o inventamos en nuestra mente la forma como piensan diversos animales: las hormigas, los gatos, los perros, etc y Seinfield, supo hacer esto a la perfección llevándolo a la realidad más cercana que podemos conocer sobre este aspecto: el cine. Además de este modo consigue saciar el sueño de quienes solemos crear este tipo de historias pero que se quedan reservadas al plano netamente personal. Realmente se logró plasmar en imágenes como piensan las abejas, que hacen las abejas, como sienten y como nos ven. Creer como abejas, pensar como abejas fue una premisa fundamental en la historia que fue cumplida a cabalidad.

Pero se hace inevitable compararla con la extraordinaria película de Pixar, la dura competencia de DreamWorks, “Ratatouille” (leer aquí la crítica), que impuso un punto muy elevado en el género de la animación y que desde que la vi, anticipaba que difícilmente podría lograrse, al menos por este año, algo que la superara ya que Ratatouille combina magistralmente la técnica con la historia, algo que le falta a Bee Movie. Historia de Una Abeja se queda en cuanto a trama y narración se refiere, pues se cuentan de una forma tan despreocupada que se pierde hilaridad y cohesión, es fácil ver como de un suceso se pasa a otro restándole gran importancia a las explicaciones. Es más, pude incluso encontrar un gran parecido físico entre los personajes animados femeninos de ambas cintas que me causó mucha curiosidad y perspicacia. Como también me pregunté: Será que estaremos dando los primeros pasos a la etapa en la que crearemos verdaderas actrices animadas? Y no me refiero a los ya creadas como Peggy, Deysi, etc. En cuanto a esto les dejo las fotos para que juzguen ustedes mismos, además por loco que suene todo es posible. Bee Movie ha logrado recaudar después de su estreno en Estados Unidos el 2 de Noviembre y a hoy en diversos países, un total de 137 millones de dólares; mientras que Ratatouille se acercó a los 610 millones, por algo será.

Historia de una Abeja a la final me quedó debiendo más emoción y carisma a la hora de narrar la trama y por tal razón no me resultó tan atrayente y completa, pero probablemente hará parte de las 3 finalistas a disputar el premio Oscar dentro de esta categoría gracias a su factura técnica. Es una cinta que recomiendo ver poniendo atención con lupa a los detalles de cada escena sin preocuparse por perderse de su floja estructura narrativa.

Lo que más me gusto: la animación

Lo que menos me gustó: la narración

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Maxicine dice: “Una película infravalorada en su país de origen, que no llega a ser obra maestra, pero igualmente, no es la bazofia que los americanos se encargaron de vapulear..”

El blog de RG dice:A pesar de haber sido recibida fríamente por la crítica norteamericana en una injusta
comparación con la ambiciosa Ratatouille, Bee Movie cumple de sobra con su propósito: hacer reír”.


Crítica: Leones Por Corderos


Calificación CineVista:
Título Original: Lions for lambs
Género: Drama político
Director: Robert Redford
Reparto: Robert Redford (Dr. Stephen Malley), Meryl Streep (Janine Roth), Tom Cruise (senador Jasper Irving), Michael Peña (Ernest), Andrew Garfield (Todd), Peter Berg (teniente coronel Falco), Derek Luke (Arian)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:36 Min
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

LA SINOPSIS
Cuenta la historia de varios individuos en distintas situaciones personales al finalizar la guerra de Afganistán: un político, intentando tejer una de las últimas “estrategias exhaustivas” alrededor de una periodista de una agencia de noticias; un catedrático idealista intentando convencer a uno de sus alumnos más prometedores de la necesidad de cambiar el curso de su vida; y dos hombres jóvenes, cuya necesidad de vivir una vida con cierto sentido les llevó a enrolarse en el ejercito americano y en la guerra de Afganistán.


LA RESEÑA CRÍTICA

Después de lo ocurrido el 11 de septiembre de 2001, la historia y sobre todo la de los norteamericanos se dividió en dos. En los últimos años hemos podido disfrutar de varias cintas que toman de forma directa o indirecta este hecho que aún le duele al mundo entero. Pero dentro de todo lo elaborado hasta el momento, destaco este nuevo filme dirigido, producido y actuado por Robert Redford que desde hacía 7 años se encontraba ausente del tema de la dirección de películas después de la cinta “La Leyenda de Bagger Vance”. Y es que dentro de todo lo realizado esta tiene un carácter político y de cierta denuncia interesante, audaz, atrevido y muy inteligente que tras de todo, nos pone sobre la mesa los elementos necesarios para enfocarnos en una reflexión profunda.
Leones por Corderos se estructura dentro de un momento supremamente actual, tomando sucesos, involucrando personajes e instituciones o sistemas vitales y espinosos en los eventos que hoy por hoy, se han desarrollado como consecuencia del 11S. Tres específicamente son estos elementos que Redford pone en juego: como lugar, utiliza la guerra de Afganistán, como sistema la política con el peso de todo su poder y como personajes a un político, una periodista y un profesor idealista. Con ellos construye una película donde se plantea a cada minuto la importancia de tomar acciones frente a lo que ocurre a nuestro alrededor y castiga nuestra indiferencia y desidia por afrontarlos y ser verdaderamente parta de ellos, porque realmente lo somos. Estos tres personajes representan un contraste de nuestra sociedad, sin lugar a dudas, pero que en esencia, encierran el alma de las 3 profesiones que más pueden influenciar la mente y el pensamiento colectivo.

El mismo Redford encarna uno de estos personajes, el profesor idealista, el resto lo componen la 2 veces ganadora al Oscar Meryl Streep y casi vitalicia en las nominaciones que hace el papel de periodista y quien comparte por primera vez set con Tom Cruise, productor además de este proyecto. Con ellos se construye unos diálogos muy buenos, largos y pesados que no han de ser del agrado de todo el público pero que encierran planteamientos que van más allá de una discusión superflua sin sentido. Involucrar la importancia que cobran los medios en este tipo de problemáticas es algo trascendental. Un leve sentimiento de culpa deja entrever esta cinta a los corderos de los medios de comunicación a la hora de asumir con responsabilidad el poder que manejan. Responsabilidad que a pasado desapercibida, pues no debemos desconocer que los leones politiqueros han coartado la estricta libertad que los medios de comunicación poseen. Un contrasentido debatible de la película por la razón que les acabo de exponer.

Otro de los planteamientos interesantes es el del profesor idealista que pretende con su sapiencia producir cambios o ser un hilo conductor de las dispersas mentes juveniles. Pero que a su vez se contrapone al final de la película, como consecuencia de la decisión que dos de sus alumnos toman de actuar con cordura y responsabilidad frente a la sociedad. Es este punto el que más controversia e inquietud genera al salir del cinema. Preguntas como: ¿Vale la pena salir de la comodidad para luchar por unos ideales confusos en pro de adquirir la paz a como de lugar?, ¿Vale la pena dejar, aunque sea por algún tiempo, nuestra vida cotidiana: estudio, trabajo, etc, para luchar con garantías limitadas? Y si interiorizo más esta problemática, podría preguntar: ¿Dejaría a un hijo enfilarse dentro de una guerra, como dura cuota que la sociedad me impone por hacer parte de ella?, son algunos de los cuestionamientos que fácil y profundamente nos deja esta cinta.

Sorprende la mesura con la que se exponen teorías total y absolutamente subjetivas acerca de la política exterior de los Estados Unidos. Sin embargo, es esa misma subjetividad, la que puede incomodar a muchos espectadores que ven ella un film politiquero, adecuado solamente como recurso o casi un grito desesperado de los retractores de Bush, próximo a terminar su segundo mandato presidencial. En este aspecto, puedo decir que Leones por Corderos recrea una situación muy íntima de los norteamericanos y su sistema político que es un altavoz de un porcentaje considerable de aquellos que no comparten la guerra absurda que les ha costado infinidad de dólares y que los ha sumergido en deudas impensables años atrás, así sea que se realicen bajo la excusa de aplicar justicia a un hecho que costó la vida de más de 2.000 personas inocentes. Además considero que más que discutir las decisiones de un gobierno, esta película pone de manifiesto, la primerísima necesidad de poner frente a todo lo que sucede en nuestro entorno y nos despierta sobre la importancia de tomar acciones como parte de un grupo al que pertenecemos, es para mí un “basta ya de ignorar”, deja de ser cordero y conviértete en un león furioso que defiende con compromiso los intereses propios y los de los demás bajo principios de armonía y paz.

Por otra parte, al centrar la trama en 3 espacios distintos, la narrativa de la película se pierde un poco, además de plantear un ritmo propio para cada situación lo que “enloquece” de cierto modo al público y lo que le quite los puntos necesarios para ser una película perfecta. A pesar de ello, rescato de esta cinta el esfuerzo por alejarse de aquellas producciones tradicionales de la cinematografía comercial de la mayor industria del cine y dejarse ver como una película casi de tipo independiente a costa de los riesgos que ello implica. De hecho a una semana de su estreno ha logrado recaudar poco más de 20 millones de dólares.

Reconociendo que no es una película para todo tipo de espectadores, la recomiendo pues es interesante, genera debate, es ética, tiene una capacidad inmensa para ponernos a pensar y reflexionar sobre nuestras actuaciones y para muchos críticos hará parte de las nominadas en los próximos premios Oscar con aspiración verdadera a llevarse alguno. Veremos que sucede.

 




Película El Cantante – Ídolo o antiheroína?


Calificación CineVista:
Género: Biopic, drama, musical.
Dirección: Leon Ichaso
Reparto: Marc Anthony (Héctor Lavoe), Jennifer Lopez (Puchi), John Ortiz (Willie Colón), Manny Perez (Eddie)
Página Oficial: Ver Aquí

Duración: 1:56 Min
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

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LA SINOPSIS
La película relata la vida del cantante puertorriqueño Héctor Lavoe, conocido como “Cantante de los cantantes”, que introdujo la música salsa en Estados Unidos en los años 70, y cuya carrera quedó truncada por su adicción a la heroína.

LA RESEÑA CRÍTICA
Desde el pasado 30 de Julio en uno de los CineVistAZOS, anunciaba la llegada de este cinta a las carteleras del cine norteamericano a partir del 1ro de agosto, tras su presentación en el Festival de Cine de Toronto. Ahora 3 meses después llega esta película a la pantalla gigante de nuestro país cargada de noticias desesperanzadoras y una taquilla pobre que no sobrepasa los 8 millones de dólares, pero que como lo decía desde aquel entonces, para aquellos amantes del género y conocemos el legado de Héctor Lavoe se hace inevitable verla.

La película El Cantante inició su rodaje en New York el 05 de diciembre de 2005 y lo finalizó durante las primeras semanas de febrero de 2006. Marc Anthony encarna entonces a “el cantante de los cantantes”, don Héctor Pérez Martínez, nombre de pila del conocido, recordado y admirado Héctor Lavoe mientras que Jennifer López, productora además de este proyecto, encarna a Puchi su esposa que falleció en el año 2002 antes de que López pudiera conocerla. Su interpretación cobro vida gracias a diversos videos y entrevistas que JLO analizó sobre ella. Por otra parte León Ichaso, reconocido por dirigir en algunas ocasiones el show “Saturday Night Live”, series como “Miami Vice” y películas para televisión como “Un beso hasta morir”, fue el responsable de darle un sentido y finalidad a este film, de otorgarle credibilidad a la actuación de Marc Anthony y dirigir a esta pareja de esposos que participan por primera vez juntos en una película.

Admiro la ambición de JLO y Marc Anthony al querer realizar una película biográfica de un artista tan admirado y venerado como lo es Héctor Lavoe, pero a su vez tan complejo que aún hoy mueve a centenares de seguidores que año tras año celebran su vida y música. Inmiscuirse en los terrenos de unos fanáticos, independientemente a lo buena o mala que resulta la cinta, es algo complicado, muy difícil de manejar y es lo primero que de entrada rescato y me merece por lo menos en mi caso, media estrella. Tal es el fanatismo que genera el cantante de los cantantes que al momento de recrear uno de los instantes más importantes y emotivos de Lavoe; estamos hablando de su concierto en el Madison Square Garden, la producción no necesito de tanto esfuerzo y todo salió naturalmente gracias a la admiración de su público. La escena se recreó en Puerto Rico donde fueron invitados la gente del común como extras. Todos llegaron vestidos de la época, con pancartas y sin ser requeridos, gritaban y coreaban “Que salga Héctor”, momentos que sin duda son emotivos y que solo se logran por artistas que dejan huella en su gente. La caracterización que se le hizo a Anthony fue casi perfecta tanto en maquillaje y vestuario, como en interpretación; sus ademanes y expresiones fueron muy bien calcadas. Finalmente está la música bien interpretada por Anthony que acompaña los momentos cruciales de esta historia y que se convierten en lo mejor de esta película.

Cuando el proyecto se creo, la producción pensó en realizar un film que celebrara la vida y música de este artista y además revelara su vida no solo como arquitecto de la salsa sino también dentro de su conducta autodestructiva. Esta última intención se cumple a cabalidad, pero la primera al paso del desarrollo de la historia se pierde totalmente. Al final de la cinta lo que te queda es un triste resumen de un Lavoe melancólico, triste, sin coraje casi un antihéroe que para quienes no lo conocieron deja interrogantes y dudas sobre su fama y legado. Hubo en la cinta cierta manía por recrear y ahondar más sobre su pasado oscuro, casi al punto de auto culparlo, regalándole al público una razón escueta y hasta justa de su muerte.

Sin que se quiera desconocer la cruda realidad de este artista, la cinta falla al intentar desmitificar la gran admiración que los fanáticos sienten por él, además desconocer los aspectos positivos por los cuales sigue siendo recordado, que sin duda, debieron ser más fuertes que sus defectos de carácter, para que aún hoy sea tan venerado y seguido por tanta gente incluso de generaciones posteriores. A parte de ello, el ritmo se me hizo soso, lento y con falta de narrativa. Desconozco hasta que punto se contó con la participación de su público seguidor, pues estos hubiesen sido los mejores guías para descubrir y develar en la película, el lado humano de este súper artista y así reivindicar ambos aspectos. Yo no imagino una película de Diego Armando Maradona en donde solo se destaque su adicción a las drogas para justificar su condición actual. Esto es algo que no se pensó en la producción definitivamente. Además fueron muy osados al dejar como causa de su muerte el sida, pues es un tema que hasta hoy se sigue debatiendo, como también el hecho no hacer mención alguna de la hija del artista llamada Leslie. Estoy de acuerdo con las palabras que expresó Willie Colon en su página web tras conocer el film: “Los responsables de la película perdieron la oportunidad de hacer algo relevante para la comunidad hispana”.

Lo que mas me gustó de la cinta: la interpretación y caracterización de Marc Anthony

Lo que menos me gustó: el enfoque y el ritmo

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Otras Películas del Director

Película Género Año
Poder, Pasión y Crimen Drama 1984
Verónica Clare Intriga 1991
Zooman Drama 1993
Sugar Hill Drama 1995
Azúcar Amarga Drama 1996
Execution Drama 1999

La Ministra Inmoral – Inmoral pero para el Cine Colombiano


Calificación CineVista:
Género: Drama
Director: Julio Lizardo y Celmira Zuluaga
Reparto: Ruddy Rodríguez (Gilma Zuleta, La Ministra), Claude Pimont (Simón), Catalina Lago (Andrea), Valeria Esteban (Paula), Maria Fernanda Martínez (La tuerta), Miguel (Giovanni Ramos), Hernando (Julio César Herrera), Alirio (Hebert King)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:50 Min
País: Colombia
Año: 2007

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SINOPSIS
En un gobierno cualquiera, se distinguió una exitosa mujer Gilma Zuleta, Ministra de la República que con su inteligencia y belleza lo alcanzó todo menos el amor. Al encontrarse en la cúspide de su carrera, la Ministra sufre una enfermedad bipolar que le desequilibra el litio en su organismo ocasionándole una profunda depresión con fuertes cambios de comportamiento que la induce a tomar la decisión de quitarse la vida. No siendo capaz de suicidarse por su propia mano, encuentra la forma perfecta para no empañar esa imagen que pasaría a la historia y es ahí cuando Alirio, un ex sicario rehabilitado en su Fundación y su servidor de confianza durante años, es utilizado por la Ministra bajo engaños y una fuerte suma de dinero para que la contacte con un asesino a sueldo y así lograr darle fin a sus días.


RESEÑA CRÍTICA

Esta es la primera película de la libretista colombiana Celmira Zuluaga que se basa según lo ha expresado a diversos medios en un caso real que además, hace parte de un libro escrito por ella misma y con igual nombre. La Ministra Inmoral es la primera cinta colombiana en ser distribuida y comercializada por Sony Pictures, hecho que ha sido marcado como un hito en la historia del cine de nuestro país. Lo cierto es que este film no solo marcará un hito por tal suceso, sino que también lo hará por el hecho de ser una de las películas más malas que ha producido Colombia. La suerte que tuvo esta cinta al lograr ser distribuída por la Sony, no ratifica en lo absoluto su condición de buena película con una buena calidad al analizarla con detenimiento.

Después de haber visto a comienzos de año la desafortunada cinta “Al Final del Espectro” (click para ver el comentario de CineVista), yo pensé que nada más, al menos por este año, iba ser capaz de superarle, pero muy a mi pesar nos topamos con el estreno de esta película que narra una historia que siendo real, se aleja totalmente de este aspecto a tal punto de hacer pensar que pareciera increíble que haya sido tomada de hechos vividos por alguien. Son muchas las cosas que se pueden calificar de absurdas en esta película comenzando entonces por su historia y lo mal narrada que resulta. Los argumentos que soportan la sinopsis son nulos, carecen de coherencia y no existe el mínimo esfuerzo por dar explicación a los acontecimientos que desencadenan la trama, hay muchas situaciones que se manejaron de forma aislada. Se hace notorio una incapacidad de traducir en imágenes el propósito que muy probablemente tenga el libro; es decir, la intencionalidad tampoca se logra. De hecho uno se entera de la enfermedad de la ministra gracias a la sinopsis y no porque en la película lo proyecten claramente. En ella se hace mención a los desniveles del litio, pero quienes no conozcan sobre el tema, sencillamente quedará como una pieza suelta mas dentro de la historia y particularmente considero que quienes no conozcan de los detalles de la enfermedad bipolar, no estan cometiendo una falta contra lo que todos debemos saber de “cultura general”.

Aunque ha sido catalogada como drama, entremezcla varios instantes de comedia que rayan en lo ridículo y que le quitan peso y seriedad al drama que vive esta mujer y aunque hayan incorporado este elemento gracioso en la cinta sin necesidad, no logró arrebatarme risa alguna. Y es que pareciera como si la comedia ya hiciera parte del manual de toda película colombiana, así esta sea la más terrible de las tragedias para poder ser viable. El ritmo es también toda una montaña rusa que lo que hace es agobiar al espectador al igual que la fotografía y el uso de la cámara. En general, las actuaciones son estereotipadas, exageradas y no se interiorizó en ningunos de los personajes, nisiquiera en el principal, lo que se refleja fielmente en la cinta. Pero esto no es culpa de los actores, sino más de las ordenes de la dirección. Algunos comentarios aseguran que La Ministra Inmoral es valida pues al final tiene un factor sopresa que la rescata y la hace distinta al final del libro; sin embargo yo no puedo ni siquiera resaltar este elemento diferenciador, pues hacia la mitad de la película ya se hizo evidente quienes eran los buenos y los malos, a pesar de que le dan un rodeo aburridor a este hecho.

La Ministra Inmoral es el típico caso de las historias sumamente interesantes con las que se encuentra un director, pero que a la final no logran ser bien llevadas a la pantalla gigante. Pienso que hubiera funcionado mucho mejor, si se hubiese explotado más el tema de la enfermedad bipolar y se hubiese convertido en un verdadero drama “psicológico” alejado de la comedia y aprovechando además, las grandes dotes histriónicas y carisma de Ruddy Rodríguez.

No es justo para el cine de nuestro país y para sus espectadores que se produzca este tipo de producto que lo que hace es demostrar con creces que estamos en punto nulo y que nos falta un trecho muy grande para seguir avanzando. De acuerdo estoy con los que dicen que esta cinta es una novela más de las que a diario se ven y que esta totalmente alejada de lo que podemos llamar ARTE. Una lástima, una verdadera lástima.

Lo que más me gustó de la película: nada

Lo que menos me gustó: la narración y la duración

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Francisco Bermúdez Guerra dice: “La película tiene facetas cómicas, otras escenas no se entienden muy bien, y al final una moraleja que puede tranquilizar pero que también inquieta. Felicitaciones para los realizadores de esta película, ya que hacer cine no es fácil”.

Juan Manuel Rocha dice: “Ayer fui a ver la tan mencionada película “LA MINISTRA INMORAL” tuve que salirme faltando el fin pero creo no haberme perdido de nada. Que mala película, me sentí viendo los comienzos del cine colombiano, la edición un desastre, el sonido creí porque lo visto en otras películas había mejorado y los actores parecían presentando el examen de graduación de una academia de actuaciónAyer fui a ver la tan mencionada película “LA MINISTRA INMORAL” tuve que salirme faltando el fin pero creo no haberme perdido de nada”.

Carlos Ardila dice: “La historia es como sacada de una de esas leyendas urbanas y en verdad el tema se puede explotar, pero en la película creo que no se hizo muy bien. Muchos personajes sueltos sin explicación clara de su papel en la película…”


El Tiempo que Resta – La realidad a la hora de morir


Calificación CineVista:
Título Original: Le temps qui reste
Género: Drama
Director y Guionista: François Ozon
Reparto: Melvil Poupaud (Romain), Jeanne Moreau (Laura), Valeria Bruni-Tedeschi (Jany), Daniel Duval (Padre), Marie Rivière (Madre), Christian Sengewald (Sasha), Louise-Anne Hippeau (Sophie), Henri de Lorme (Doctor), Walter Pagano (Bruno), Ugo Soussan Trabelsi (Romain [Niño])
Duración: 1:30 Min

País: Francia
Año: 2005
 
SINOPSIS
Romain es un fotógrafo de moda de 31 años, gay, egocéntrico y arrogante, que descubre que el cáncer ha invadido su cuerpo. La esperanza de recuperación es prácticamente nula y la muerte cuestión de tiempo. Su primera reacción es descargar su ira sobre sus padres, su hermana y, por último, sobre su novio, al que expulsa del apartamento que comparten. Ninguno de ellos conoce el secreto que explica su conducta. La soledad que siente después le lleva hacia su abuela, primera persona a la que confiesa su enfermedad.
RESEÑA CRÍTICA

El Tiempo que queda es la nueva cinta del reconocido, admirado y prometedor director francés François Ozon que hace parte de una trilogía que inició con la cinta “Bajo la Arena” del año 2001 y que terminará con la historia de un niño, todas enmarcadas bajo el significado de la muerte y cómo afrontarla desde diversas perspectivas, situaciones y ambientes. La primera parte de esta secuela, nos narra la historia de una mujer que va con su pareja a un viaje de descanso pero que después se convertiría en toda una tragedia, dolor, intriga y reflexión cuando el esposo se pierde en el mar. Es decir, en Bajo la Arena, la protagonista desde su condición de mujer, debe afrontar la muerte de forma simbólica pues no existe un cadáver que reafirme tal condición, su esposo simplemente desaparece en el mar sin dejar ningún rastro, es además un ir y venir acerca de cómo enfrentar el duelo por la pérdida de un ser querido. Por su parte en El tiempo que queda, la muerte es propia, no es ajena y le pertenece única y exclusivamente a su protagonista un hombre gay, joven con una fuerte personalidad y que son tres ingredientes que le imprimen mucho interés a este film.

El tiempo que resta o El tiempo de vivir como también se le conoce, goza de aspectos vistos en otras películas importantes en la historia del cine que incluso han sido reconocidas por su mismo director, sin embargo, Ozon ha logrado imprimirle una belleza visual, fotográfica única. Me refiero a una fuerte influencia de películas como “Fresas Salvajes” de Ingmar Bergman del año 1957, “Búsqueda Frenética” de Roman Polanski del año 1988 e incluso reflejos de las historias misteriosas de Alfred Hitchcock. Este director alrededor del tema que nos ocupa, nos compromete con una historia cargada de los elementos disonantes de la sociedad, dejando a un lado los prototipos ideales acerca de la familia, la amistad, el amor, etc. Muestra nuevamente la otra realidad de situaciones comunes para todos como el de la familia y su incapacidad para comunicarse verdaderamente, para citarles tan solo un ejemplo.

La forma como el personaje le corresponde vivir la muerte no permite, a diferencia de sus demás cintas, una doble lectura. Aquí la realidad es escueta y directa. Es notable la forma como el director desmitifica el proceso que vive un hombre enfrentado ante semejante situación, pues es inmensamente real, no vemos en esta cinta el típico cliché en donde la persona que va a morir se despide casi con “resignación” de todos sus amigos y perdona por demás a sus enemigos. Lo que vemos es lo que corresponde a un ser de carne y hueso con problemas de carácter que a pesar de enterarse del poco tiempo que le queda vida no cambia la esencia de su ser. Él confronta la realidad conservando su personalidad natural y con ella lucha por aceptar el final inevitable que le depara. Sin sobreactuaciones, la película nos lleva a un final que conmueve hasta las lágrimas.

El Tiempo de Vivir combina elementos ambientales y físicos que contrastan con el drama de la cinta. Ambientales como la belleza de la naturaleza y la delicia de una playa y físicos como las regresiones a su pasado, especialmente a su infancia. La actuación del protagonista, cantante además, es sorprendente y en eso influyó el cambio físico al que debió someterse. En la primera parte de la película se debía ver musculoso, pero al pasar de la enfermedad que lo aqueja debía verse sumamente delgado y esto se logra ver claramente. La dieta a la que se vio sometido durante el rodaje y la falta de comida, le ayudó a comprenetrarse en su papel y sentirlo como propio. Gracias a esto, la cinta goza de escenas y de muchos diálogos memorables que sobresalen por la forma carnal y humana de asumirlos. A este punto pareciera no ser tan importante la condición de gay que tiene su personaje, pues la reacción que asume frente a la muerte no pareciera ser diferente a la que debiera sentir otro persona cuya preferencia sexual sea otra. Este es un punto al que quería llegar, pues es aquí donde la película falla un poco al incorporar un elemento en cierta medida innecesario. La homosexualidad de su personaje principal es más un ingrediente disociador con el que pretende su director llevar un mensaje oculto a la sociedad, que como aporte en sí al desarrollo de la historia. De hecho es la parte que no logra generalizar la crítica que incluso califica a ciertas escenas como grotescas y explícitas. Yo personalmente no las considero como tal y más bien pienso que el director resuelve el tema con una belleza visual y corporal hermosa, además de mezclarlas en la trama sabiamente.

No es la mejor película pero sí es una buena cinta que nos hace reflexionar sobre todo por la forma tan íntima en la que se exploran los sentimientos, a pesar de un leve problema con el ritmo que hace dar la impresión de ser una película más larga de lo que realmente es.

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Waldo va al cine dice: “Hay ritmo suficiente para saborear cada escena y posibilidad de desentrañar la naturaleza de cada personaje, cada ser humano representado. Aunque el tema podría prestarse para discursos existencialistas y sesudas reflexiones, el director no cae en aquello..”

El Balón de Bea dice: “La película tiene una atmósfera muy poética y melancólica, el mejor ejemplo de esto es la escena final en la playa. El problema es que Poupaud es muy poco convincente físicamente como moribundo (la comparación que me viene a la cabeza es Bruno Todeschini, que hace una interpretación impresionante y dolorosísima en Son Frere de Patrice Chéreau), y eso acaba siendo un lastre para la película”.


Otras Películas del Director

Película Género Año
5×2 Drama 2004
Swimming Pool Intriga 2003
Ocho Mujeres Comedia 2002
Bajo la Arena Drama 2001
Amantes Criminales Intriga 1999
Gotas de Agua sobre piedras calientes Drama 1999
Sitcom Comedia 1998
 

Ligeramente Embarazada – Un Embarazo Cómico, dulce e Inteligente


Calificación CineVista:
Título Original: Knocked Up
Género: Comedia romántica
Director y Guionista: Judd Apatow.
Reparto: Seth Rogen (Ben Stone), Katherine Heigl (Allison Scott), Paul Rudd (Pete), Leslie Mann (Debbie), Jay Baruchel (Jay), Jonah Hill (Jonah), Jason Segel (Jason), Martin Starr (Martin), Iris Apatow (Charlotte), Maude Apatow (Sadie)
Página Oficial: Ver Aquí

Duración: 2:09 min
Trailer: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Si lo prefieres escucha aquí esta reseña:

SINOPSIS
Allison Scott es una periodista de 24 años con una brillante carrera. Por desgracia, después de una noche de “rumba” con el vago de Ben Stone, descubre que está embarazada. La joven pareja no sabe qué hacer. ¿Deben criar al bebé juntos? ¿Cómo se llega a un feliz compañerismo de por vida? Después de unas cuantas copas y de una noche loca, les quedan nueve meses para decidirlo.

RESEÑA CRÍTICA
Después de recaudar más de 177 millones de dólares con la gran película “Virgen a los 40” cuyo presupuesto fue de 26 millones, Judd Apatow, cómico, productor y director, nos trae su segunda película traducida como: “Ligeramente Embarazada” en algunos países y “Lío Embarazoso” en otros. Inspirado en su anterior éxito que tuvo como protagonista al actor cómico del momento Steve Carell, proyectó esta nueva cinta que toca un tema muy real, actual y sobre todo interesante. De hecho se tomaron como base muchas de las escenas de “Virgen a los 40”; pero a pesar de esto, “Ligeramente Embarazada”, grabada en escenarios naturales como Malibú, Santa Mónica, Hollywood e incluso en el Casino Aladin donde se presenta uno de los shows del Circo el Sol, que a propósito aparece en la cinta, es muy distinta a su fuente creadora.

Como lo he expresado ya en otras reseñas, el género de la comedia no es mi favorito y a la hora de ver películas de esta categoría selecciono mucho y básicamente las veo según el actor o actriz protagónico. Sin embargo, este filme es bien especial sobre todo por su historia que parte de un hecho que puede identificar a millones de jóvenes adultos, no solo en Estados Unidos, sino también en el resto del mundo; es decir, “Una noche de copas con consecuencias evidentes”. A partir de ahí, se efectuó el guion considerando todas las variantes humanamente posibles tanto desde el punto de vista masculino como del femenino y cuándo me refiero a todas las variantes, me refiero a todos los pensamientos malévolos y angelicales que tienen ambos sexos respecto al tema; hecho que resulta muy acertado en ambos casos y funciona perfectamente en la cinta. Mas allá de los elementos cómicos rebuscados que puedan sacarse de esta “embarazosa” situación, la película con un muy buen ritmo, nos regala momentos de gran comedia combinados con otros de ligera drama, dolor, confusión y mucha pero mucha reflexión. Podemos decir que este filme maneja un tipo de comedia diferente al usual. De ella, no se puede esperar que nos robe momentos en los que nos reventemos de la risa, sino más bien situaciones jocosas que a pesar de la seria problemática que maneja, se hace inevitable sonreir.

Lío Embarazoso va más allá de lo extrictamente baladí, es una comedia inteligente y bastante sensible que nos pone a pensar acerca de las relaciones de parejas, de la locura de la juventud, de la responsabilidad, del matrimonio, de los hijos, de la elección de la pareja, de la aceptación a los demás, de la clase social, de la influencia de la amistad, del amor, las decisiones, la madurez, el ser y ceder. Todos estos planteamientos, manejados muy hábilmente por su director, no son más que el reflejo del trabajo y el propósito que pretende Apatow, que yo podría intrepretar como su inmenso deseo y pasión por trascender este género y no dejarlo en el ejercicio de construir simples chistes agudos basados en situaciones absurdas.

Yo puedo decirles que sin ser la gran película, me gustó, me sorprendió y esta bien lograda. Las actuaciones son agradables, creíbles y hay varios personajes que por su irreverencia y descarada frescura, te irritan y divierten. Más de uno seguramente se sentirá identificado o recordará por lo menos, algún amigo en tal situación. El guión es bien original. Una película para ver en pareja, sin esperar un derroche de chistes típicos de este género pero que sin duda los haré sonreir y pasar un buen momento.

Lo Mejor de la Película: La historia

Lo Peor: Me pareció larga (2:09Min)

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8MM dice: “A mediados de 2007, en época de estreno de tanques en los Estados Unidos (Piratas del Caribe 3, Spiderman 3), una pequeña comedia se acomodó en los primeros puestos del ranking. Se trataba de Knocked Up, la nueva película del director y escritor Judd Apatow (Dirigió Virgen a los 40), había sorprendido a público y crítica por igual. Filmada con 30 millones de dólares, recaudó 140. Exito total. Ahora bien, ¿qué tiene Ligeramente Embarazada?, creo que lo primero a marcar son su justo equilibro entre dulzura, romanticismo y diversión”.

Reducto Cinéfilo dice: “En definitiva, una buena comedia agridulce que supera con creces la media de productos anuales de este género (cosa tampoco muy complicada, pero bueno), y que no solo funciona en sus escenas cómicas, sino también en aquellas más profundas…”

EP3 dice: “… en manos de Judd Apatow y de sus magníficos actores (desternillantes Seth Rogen y Katherine ‘Anatomía de Grey’ Heigl), este lío se convierte en una entrañable reflexión sobre el síndrome de Peter Pan, la vida en pareja y los champiñones alucinógenos”.

Otras Películas del Director

Película Género Año
Virgen a los 40 Comedia 2005

Película El Libertino / The Libertine – Le falto verdadero sentido libertino


Calificación CineVista:
Título Original: The Libertine

Género: Drama
Director: Laurence Dunmore
Reparto: Johnny Depp (Conde de Rochester), Samantha Morton (Elizabeth Barry), John Malkovich (Rey Carlos II), Rosamund Pike (Elizabeth Malet), Kelly Reilly (Jane), Tom Hollander (Etherege), Johnny Vegas (Sackville), Rupert Friend (Downs), Richard Coyle (Alcock), Jack Davenport (Harris)
Página Oficial:
Ver Aquí
Duración: 1:55 Min
Trailer: Ver Aquí
País: Reino Unido
Año: 2004

Si lo prefieres, escucha aquí esta reseña:

SINOPSIS

Ubicada en Londres, en plena época de la Restauración (1660), un momento fundamental de progresismo en donde se producían constantes descubrimientos en el mundo de la ciencia, la religión y las artes, y donde crecía una libertad sensual nueva, tiene lugar la historia de John Wilmot, segundo conde de Rochester, una de las personalidades más complejas de la historia de Inglaterra, un artista que alcanzó la popularidad en su época gracias a su personalidad libertina, su talento y como no, a su estilo de vida lascivo y rebelde.

RESEÑA / CRÍTICA

Como lo indica la sinopsis, se presenta en cartelera esta cinta que nos trae la historia de John Wilmot, un poeta y escritor inglés de pensamientos absolutamente libres cuya corta vida (murió a los 33 años de sífilis), estuvo marcada por los excesos y la extravagancia. Adicto al alcohol, como su padre, y a las mujeres, dedicó su vida a “el violento amor por el placer”, con una “buena disposición para el gozo extravagente”, según sus propias palabras. A él se le atribuye los primeros esbozos de pornografía en la literatura inglesa que fueron quemados una vez falleció. Personajes como Voltaire y Goethe solían recordarlo por sus sátiras cargadas de energía y fuego.

Esta cinta es la primera que dirige su director, reconocido por sus trabajos en el campo publicitario y es a su vez la adaptación de una pieza teatral con mismo nombre de Stephen Jeffreys, cuyo estreno fue en 1994 en el Royal Court Theatre de Londres. Por su parte, la versión cinematógrafica tuvo su estreno en el Festival de Toronto en el 2004.

La única razón que se explica porque está película de tres años atrás se está presentando actualmente en la cartelera nacional de mi país, es para mostrarnos una vez más la inmensa capacidad histriónica de Johnny Deep encarnando a este conde adicto a las mujeres y el alcohol. Su guión, la dirección y el bajo recaudo no la apoyan. Con un prespuesto no determinado, esta cinta ha recaudado tan solo un poco más de 10 millones de dólares.

Fue difícil para el director de esta cinta, lograr un buen filme alejado de su estilo teatral, por eso esta versión de “El Libertino” es compleja, pesada y tediosa de disfrutar. Su dos mayores problemas son la adaptación de su guión y el carrusel de su ritmo. Esta película tiene como inicio un prólogo al mejor estilo teatral que llama la atención y la hace prometedora, pero a partir de ahí recae en un desarrallo sumamente argumentativo con cambios de ritmo extraños e inexplicables. La primera hora con 16 minutos, aunque parezca increíble ese tiempo, se convierten en un desafío para el espectador el tratar de comprender, compenetrarse y no dejar perder su concentración por la cinta. Más de la mitad del tiempo es un intento por llegar a un clímax que se pierde junto a su fotografía en tonalidad sepia un tanto innecesaria a pesar de ser una cinta de época. Estoy de acuerdo con aquellos que dicen que este aspecto pudo haber sido sacrificado en pro de brindarle más claridad al espectador y no enrarecer más, lo oscuro de su historia.

La trama recrea con cierta fidelidad la vida de este libertino, pero lo que no posee en esencia ni logra trasmitir, es la pasión, emoción, carisma, arrogancia y la filosofía cínica con la que personajes como este conde, Don Juan y el Marquéz de Sade vivían. Su vida no fue menos interesante que los que acabo de mencionar, pero este filme no logra resaltar este aspecto.

Como decía al inicio, todos los créditos de la película son unica y exclusivamente para Johnny Deep quien no deja asombrar por su actuación casi impecable. Dibuja con gran precisión la forma de vida de este personaje; el prólogo y épilogo con el que se enmarca esta cinta así lo demuestran. Él sobre todo, junto a uno que otro momento de parlamento realmente interesantes, son los que hacen soportable esta cinta que a ratos raya en una incómoda tragicomedia.

Recomendable solo como documento valorativo de las capacidades, ya más que desmotrables de su personaje principal.

Lo que más me gustó de la cinta: la interpreación de Deep

Lo que menos me gustó: el guión y la dirección

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Extra cine dice: “..Y no sólo eso: no hay nada más en la película aparte de eso y las ganas de irse a dormir de rato en rato. No hay una buena construcción de época ni un argumento sólido, casi que sólo conocemos a Rochester sin ningún contexto, y hasta ahí lo conocemos: ¿o acaso sólo se dedicaba a escribir obras malísimas de teatro?”.

Movies Maniac dice: “Existen ocasiones donde ciertas peliculas producen diferentes reacciones en una persona puesto que trabajan en diferentes y variados niveles. Para mi El Libertino (The Libertine) es una de ellas”.

Gonzalo Fontánes dice: “Esta película deja un raro sabor después de haberla visto, aunque cuenta con la actuación de Johnny Depp, John Malcovich y Paul Ritter no logra cuajar la puesta en escena”.

Cinefilia Terminal dice: “…The Libertine es una película de época hecha en esta época y con sensibilidades que no son características de ninguna de las dos. Le pertencen al protagonista, y que nadie más finja ser el dueño. Es algo distinto a lo que estamos acostumbrados, sin volverse una revolución genérica”.


¿Te molestarías si te doy un beso?