Película El Sueño del Paraíso: ¿Realmente es cuestión de presupuesto?


Calificación CineVista:
Género: drama
Director: Carlos Palau
Reparto: Luz Marina Arcos (Isabel Sarmiento), Yudi Machida (Juzo Takeshima), Alejandro Buenaventura (padre de Isabel)
Duración: 1:23 Min
País: Colombia
Año: 2007
 
SINOPSIS
Durante los años 20, en un japón empobrecido por luchas internas, un joven llamado Juzo Takeshima, egresado de Filología Española, descubre en una vieja librería de Tokyo la obra “María” del Escritor Colombiano, Jorge Isaacs. Juzo, queda impresionado por el bellismo relato del poeta, que decide traducirla por entregas en la revista de La Universidad de Tokyo; la que es leíada por un puñado de estudiantes; estimulandolos así, a emigrar en busqueda de las tierras de María, sin imaginar jamás, que unos años después de haberse instalado en nuestras tierras, serían perseguidos y confinados injustamnete en un Campo de Confinamiento durante la II Guerra Mundial junto con Alemanes e Italianos.


RESEÑA, CRÍTICA

El Sueño del Paraíso
es el sueño hecho realidad del director vallecaucano Carlos Palau y que abrió la XXIV versión del Festival de Cine de Bogotá, en donde y, como señalamos en la sección de noticias de Colombia, Satanás fue la cinta ganadora a Mejor Película Colombiana entre otros reconocimientos.Esta película ha sido fuertemente cuestionada por varios fallos evidentes que no solo reconoce el público y la crítica, sino también su director. El Sueño del Paraíso es una cinta válida como documento histórico, pues nos recuerda una parte de nuestra historia poco o casi nada explorada y mencionada en cine, además de regalarnos una versión auténtica que involucra una obra literaria tan importante como lo es “María”. Suponer la llegada de los japonés a nuestra cultura tras la historia de este libro es sin duda algo digno de llevar a la pantalla gigante.

Palau junto al reconocido Sandra Romero, crearon una historia basada en hechos reales, interesante y sobre todo tomando a consideración una temática distinta, algo que aprecio mucho en la cinematografía colombiana por estos días. Es notorio el esfuerzo y el esmero por sacar adelante este filme contado en cuatro idiomas: español, alemán, nipón e italiano, algo que mal o bien, es innovador para una cinta cuyo presupuesto fue de tan solo Usd$20.000. A pesar de este bajo presupuesto, la fotografía es bastante aceptable y con cierto grado de belleza. Pero desafortunadamente la historia cae en un letargo que abruma al espectador, el estatismo en el que se envuelve su narración hace que los diálogos entre sus personajes no sean fluidos y que además se pierda el factor sorpresa, ya que todo en la cinta es demasiado evidente. Algo que también encuentra su razón de ser, en los actores naturales que se utilizaron, rescatando por supuesto, al único actor de título, el señor Alejandro Buenaventura.

Pero más allá de discutir y analizar cada elemento técnico de la cinta, El Sueño del Paraíso nos trae a colación una discusión interesante. Palau aseguró en el Periódico El Tiempo lo siguiente: “Me da un dolor ver las falencias de la película. Con plata yo hubiera hecho una maravilla”. Su sinceridad es inquietante y nos pone a reflexionar hasta que punto se apoya realmente la diversidad de nuestra cinematografía. Pero ¿ésta honestidad y la falta de presupuesto deben utilizarse como excusa para justificar los fallos de una cinta? ¿Cuántas películas se han hecho con actores naturales o de poca trayectoria que llevan a buen término su producción? Es realmente una odisea hacer cine con tan poco presupuesto, pero los resultados que se logren, más allá de la poca técnica que se use por razones conocidas, pues deben ser dignos y decorosos.

Palau dice algo con lo que estoy de acuerdo: “Me dolió mucho que no me pararan bolas en Bogotá para hacer El sueño… La puse a participar en todas las convocatorias, pero no pasó nada. Voy a retirarme del cine. Estoy deslumbrado con tanto derroche de dinero para otras películas colombianas, como “Esto huele mal”, a la que le entregaron 500 millones de pesos. Es que para las “comedietas” sí hay plata…”. Estas palabras seguramente calan en la cabeza de quienes las escuchan, la pasión con que las expresa, descubren la opinión de un director que son, además, una premisa que todos conocemos y que no es más de lo que se repite en nuestro país en diversos sectores: los intereses de terceros por negocio, priman sobre lo que realmente le interesa al cine colombiano para su total desarrollo. Como consecuencia de todo esto, El Sueño del Paraíso ha tan solo una semana de haberse estrenado, ya no hace parte de la cartelera nacional.

 


Película Next : Sumamente Irreal


Calificación Cinevista:
Título Original: Next
Género: Ciencia Ficción, Acción
Director: Lee Tamahori
Reparto: Nicolas Cage (Cris Johnson), Julianne Moore (Callie Ferris), Jessica Biel (Liz), Thomas Kretschmann (Sr. Smith), Tory Kittles (Cavanaugh), Peter Falk (Irv)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1:36 Min
Ver Trailer: Aquí
País: USA
Año: 2007
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SINOPSIS
Cris Johnson, un mago de Las Vegas, guarda un secreto que lo atormenta: él tiene la capacidad de ver el futuro. Cansado de ser examinado y de ser acosado por el gobierno y distintos laboratorios que intentaron sacar provecho de sus “poderes”, Cris se refugia en Las Vegas donde cambia de identidad y se dedica a hacer shows de magia barata y a vivir de pequeñas apuestas. Pero su vida cambia cuando el agente Callie Ferris lo encuentra y le informa que un grupo terroristas está planeando un atentado nuclear en Los Ángeles. El gobierno esta vez necesita de su habilidad para prevenir una catástrofe de dimensiones desconocidas.

RESEÑA, CRÍTICA
Una de las obras del aclamado escritor norteamericano, ya fallecido, de ciencia ficción, Philip K. Dick llamada originalmente “The gold man” del año 1954, se está presentando en la pantalla gigante bajo el título de “Next” o “El Vidente”. Esta cinta llega bajo el aval de Nicolas Cage quien no solamente es el protagonista de esta historia, sino también su productor. De igual forma marca el retorno de su director Lee Tamahori después de su última cinta del año 2005 “XXX2” y trece años después de su obra maestra “El Guerrero de Antaño” de 1994 con la que obtuvo diversos premios en reconocidos festivales de cine.

Lo primero que debo mencionar es que la idea original de la cinta es sumamente interesante y así parece indicarle al espectador su trailer y la información preliminar que se entrega. Pero después de haberla visto puedo garantizarles que este aspecto hace parte de las pocas cosas positivas que la película “Next” tiene para ofrecer.

Primero que todo, es una cinta que no necesita más de 15 minutos (siendo generosa) para dejar mostrarnos su oscuro panorama. El desarrollo de su trama es sumamente flojo y está lleno de escenas irrelevantes, innecesarias y con una tremenda incoherencia. La película en su intento por convencer se carga de viajes en el tiempo confusos para explicar su razón de ser, pero estos se realizan sin lógica alguna, consiguiendo así que la historia pierda credibilidad. La trama, su principal problema, no tiene un concepto claramente definido, tampoco goza de buen ritmo y por eso es fácil que el público caiga en cuenta de los fallos evidentes que maneja a lo largo de su metraje. Es cierto que la ciencia ficción es especulativa y da cabida a dejar volar nuestras mentes a límites inimaginados, pero estos deben ser realizados cuidando las proporciones mínimas de congruencia por respeto a la historia, a los personajes y sobre todo a quienes van a disfrutarla. Probablemente este problema radica en que “El Vidente” tiene del cuento original tan solo el lema de ser una adaptación, pues los expertos aseguran que en nada se parece a la historia original. Igualmente así lo confirma las notas de producción quienes dicen que “Next” es una historia que se basó en el presente más que en el futuro.

Adicionalmente, la dirección del filme no es algo digno de resaltar y aunque este director goza de una buena impresión no ha logrado superar y convencer después de su ópera prima. Los efectos especiales son otro elemento decepcionante pues su calidad es sumamente baja y en nada hacen alarde del costo de la cinta estimada en unos 80 millones de dólares, a mi particularmente me parecieron unos momentos de burla más que otra cosa. Por otra parte puedo decirles que esta es otra desafortunada participación de Nicolas Cage, después de su anterior desacierto “Ghost Ridder” que tuvimos la oportunidad de ver a principios de año en Colombia. Cage últimamente no logra entregarnos buenos momentos a quienes si nos gusta verlo por la calidez que trasmite.

Pero, ¿tiene algo bueno esta película? Aparte de su trailer les mencionaré un par más: 1. La elección de Julianne Moore como detective en la historia. Un papel perfectamente calcado para ella y aunque no sobresale en la historia, sus apariciones en la película, sin ser nada del otro mundo, son acertadas y refrescan la trama. 2. Una de las locaciones en las que se rodó fue en la reserva amerindia llamada Havasupai que nos ofrece una fotografía bella y muy agradable. Esta locación fue sugerida por el mismo Cage, quien quizo compartir uno de los lugares sin lugar a dudas mágicos a los que ha llevado a su esposa, Alice Kim quien por cierto aparece en esta cinta y por primera vez en pantalla gigante en un corto papel.

El Vidente no alcanza a ser un recomendado medianamente aceptable. Yo les sugeriría esperar para verla en televisión así toque esperar 1 año o más para que esto suceda. La espera vale la pena pues les aseguro que no se estarán perdiendo de nada. Película para olvidar.

Lo que más me gustó de la cinta: El trailer

Lo que menos me gustó: La incoherencia de su historia.

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Películas de Culto dice:
“La historia promete acción a raudales, potentes efectos visuales y grandes emociones, con semejante argumento así debería ser, pero contra todo pronóstico, Next se aleja bastante de lo que uno espera ver”.

El moscardon asesino dice: “Quien espere ver una obra de ciencia ficción que aborde temas trascendentales y filosóficos ya puede ir olvidándose de Next”.


Cinemarama Critic dice:
“Uno de los problemas de Next es el personaje principal y su protagonista, Nicolas Cage. No se qué tanto hay de Phillip Dick en la historia, pero lo cierto es que el personaje de Chris Johnson (Cage) es una suma aburrida de muchos lugares comunes: actitud canchera, victimización, ausencia de responsabilidades, inteligencia superior al resto”.



Persiguiendo Un Sueño: Con mucho "Cliché" pero Encantadora


Calificación Cinevista:
Título Original: Dreamer
Género: Drama
Director: John Gatins
Reparto: Kurt Russell (Ben Crane), Dakota Fanning (Cale Crane), Kris Kristofferson (Papá Crane), Elisabeth Shue (Lily), David Morse (Palmer), Freddy Rodríguez (Manolin), Luis Guzmán (Balon),Oded Fehr (Príncipe Sadir)
Página Oficial:
Ver Aquí
Duración: 1:42 Min
País: Estados Unidos
Año: 2005
Ver Trailer: Aquí

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SINOPSIS
Ben fue un maravilloso jinete de caballos, cuyo talento ahora está siendo desperdiciado en beneficio de hombres millonarios. Él está a cargo de Sonya, una excelente yegua en la pista, hasta que ésta sufre un fatal accidente. Su dueño la desprecia y es comprada por Ben que junto a su hija intentarán dar recuperación al ahora postrado animal.

Dos años más tarde, nos llega Dreamer o Persiguiendo un Sueño, proyecto inspirado aparentemente en un hecho real ocurrido en el año de 1995 y con el cual, hizo su debut el director, actor y guionista de esta cinta, John Gatins, recordado por muchos, por sus papales en filmes como “Infiltrado” del año 2002 y “Pacto de Sangre” de 1993.

El carácter esencial de esta cinta es su simpleza y las pocas pretensiones que esta tiene. Por tal razón no hay mucho que decir sobre ella. Dreamer es una película absolutamente noble, tierna, que gira en torno al nucleo familiar, la base de sus valores y la historia de un animalito en problemas. De inicio a fin es fácil adelantarse a los acontecimientos de su drama; sin embargo, no incomoda ese elemento predicible que enmarca la película. El hecho de que esto no moleste, se debe a la grandiosa forma como se narra la historia y al buen manejo que el director hace del ritmo, el espacio y el tiempo.

Dreamer es una película que se sostine durante todo su metraje, mantiene una carga emotiva, sentimental y dramática bastante aguda e importante. Este filme es coherente en todo momento y profundamente honesto. De forma notaria, se evidencia la intencionalidad de su director por construir valores en los espectadores, especialmente en su audiencia más pequeña. Sin embargo, no se debe dejar de reconocer que la cinta no tiene una “pizca” de originalidad y muchas de sus escenas son copia del manual acerca de cómo crear y hacer escenas de este tipo. Pero Persiguiendo un Sueño tiene una magia especial dada primero, por su director, que supo manejar cada elemento del “manual” casi a la perfección para llegarle de muy buena forma al público, además de crear una atmósfera perfecta para su historia. Y segundo, por el reparto, encabezado por Kurt Russell, a quien pienso la mayoría de nosotros lo recordamos por su reciente participación en el remake “Poseidón” del año inmediatamente anterior, quien gracias a su aspecto físico pareciera el prototipo ideal para este clase de género y Dakota Fanning, la pequeña y prometedora actriz de tan solo 12 años a quien ya hemos tenido el placer de verla en varias cintas con cierto renombre y que sin duda le aporta mucha dulzura, naturalidad y frescura a este cinta. Las interpretaciones son muy creíbles haciendo que todo el tiempo respiremos pureza y amor.

Una película que recomiendo como fórmula de escape a las presiones de la semana y es mucho más recomendable para aquellos que tienen hijos entre los 8 y 13 años de edad. Indiscutiblemente es un filme familiar muy entretenido y encantador. Yo les aseguro que al final de la cinta uno sale del cinema con un muy buen sabor de boca y con un sentimiento de paz y tranquilidad bastante agradables.

Lo que mas me gustó de la cinta: La narrativa y lo dulce de su historia.

Lo que menos me gustó: El uso de mucho “cliché”.

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Cinema para pernos dice: Hace un par de años se estreno una pelicula llamada Seabiscuit a cual basicamente tomaba la historia de un caballo para contar una historia acerca de la redencion y la superacion; bueno esta pelicula es una especie de Seabiscuit para niños.

Black Movie dice: Este drama es una belleza, no solo porque esta chiquilla (Dakota Fanning) es tremenda actriz desde pequeña y ya ha sido comparada con Bette Davis, sino porque te sumerjes en la historia sin darte cuenta y uno se siente identificado con las situaciones.


Stardust: Un Cuento de Hadas Moderno y Entretenido


Calificación Cinevista:

Título Original: Stardust
Género: Aventuras, Fantasía
Director: Matthew Vaughn
Reparto: Claire Danes (Yvaine), Charlie Cox (Tristan), Sienna Miller (Victoria), Ricky Gervais (Ferdy the Fence), Jason Flemyng, Peter O’Toole (rey), Michelle Pfeiffer (Lamia), Robert De Niro (capitán Shakespeare)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 2:05 Min
Países: Reino Unido y Estados Unidos
Año: 2007
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SINOPSIS
Cuenta la historia de un joven llamado Tristan que intenta conquistar el corazón de Victoria a través del objeto de su deseo: una estrella caída del cielo. Su viaje le lleva a un país misterioso y prohibido más allá de los muros de su pueblo. Pero Tristan prontamente descubrirá que no es el único en búsqueda de esta preciada y hermosa estrella.

A partir del viernes pasado, se presenta en los cinemas colombianos Stardust, la nueva película de aventuras y fantasías de Neil Gaiman creador de historietas y diversos cuentos de ciencia ficción, que ha ganado más de 30 premios en su carrera literaria. Esta es la primera vez que una de sus obras es llevada a la pantalla gigante. El Misterio de la Estrella fue inicialmente un comic que posteriormente se llevó a formato libro como novela gráfica en el año 1997 y no tardó en convertirse en un betseller. La adaptación para cine fue hecha por el productor Matthew Vaughn, quien también es el director de esta cinta, junto a un novato guionista.

No me sentía tan motivada a ver esta cinta pues su trailer no me pareció tan poderoso. Sin embargo, era casi inevitable verla, gracias a su género y a la cierta evocación que sentía por Harry Potter (sagas de las que no soy amante), pero el resultado fue gratamente sorpresivo. El Misterio de la Estrella es una película colmada de momentos plenos de mucha magia y fantasía. A los pocos minutos, no es difícil concentrarse, soñar y dejar volar la imaginación gracias su creativa historia. Todo su metraje es un vistoso collage de personajes y géneros que su director supo combinar de forma bastante acertada. Así pues, veremos príncipes, piratas, magia, brujas, hadas, hechiceras, viajes en el tiempo y amor.

Otros aspectos admirables de esta encantadora película es la mezcla que se hace de fantasía y realidad convirtiéndola en un cuento de hadas sumamente moderno apto para grandes y medianamente chicos. Digo medianamente, pues esta cinta obtuvo clasificación PG13, por ciertos momentos de ironía y comedia no aptos y poco interesantes para la audiencia netamente infantil.

Stardust se encargó de reunir una importante cantidad de reconocidos artistas a quienes podemos ver en roles poco convencionales. Tales son los casos de Robert de Niro quien interpreta a un peculiar y graciosísimo capitán llamado Shakespeare, que por cierto ha sido duramente criticado por aquellos que están acostumbrados a verlo en sus papeles de capo, mafioso y demás. Pero en mi opinión este aspecto es otra de las gratas sorpresas de la cinta, que por el contrario me gustó por la forma como con este personaje, rompe sus esquemas y por otra parte, Michael Pfeiffer quien hace de Lamia una cruel y despediada bruja que se destaca por su gran caracterización y excelente maquillaje. Los efectos especiales de Stardust son muy buenos y su utilización fue medida y perfectamente distribuída a lo largo de la cinta, haciendo que la historia se torne aún más real. La fotografía, el espacio y su ritmo narrativo son también muy bien logrados.

Aunque me pareció un poco larga, pues se da alargue a una que otra escena sin mucha relevancia dentro de la historia, su estructura narrativa es lo que más destaco de esta película. La forma como se cuenta esta historia es deliciosa y conserva en términos generales durante su arranque, desarrollo, desenlace y final, la magia e intriga que todo filme debe mantener. El Secreto de la Estrella es un filme recomendable para todos aquellos amantes a este hermoso género que nos permite soñar e ir más allá de la a veces cruel e irritante realidad.

Lo que más me gustó de la cinta: La estructura narrativa

Lo que menos me gustó: La duración, no es excesivamente larga (2:05) pero igual le hubiese restado unos diez minutos para ganar con ellos más agilidad.

Les regalo el trailer subtitulado, ya que me di cuenta que no solo en Colombia, esta cinta llegó doblada únicamente. Una verdadera lástima.

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Santiagozky dice:
“La historia me pareció magnífica. El guión está lleno de situaciones de todo tipo, en especial cómicas (algo subidas de tono y que un niño podría no entender)”.


Fragmentos y bunburismos dice: “Creo que la historia carece de grandeza, pues al igual que muchas otras películas del estilo, se basan en una serie de estereotipos ya determinados y en situaciones de vida que pocos creeríamos podrían suceder”.

Imogalnd dice: “Cuando vi los avances de Stardust (“Stardust: El misterio de la estrella”) me pareció interesante y pensé que seguramente la vería cundo saliera en el cine. Jamás me imaginé que sería una película fantástica, mucho mejor de lo que siquiera podría soñar”.




Película Mexicana Niñas Mal – Imitación Americana?


Calificación Cinevista:
Género: Comedia
Director: Fernando Sariñana

Reparto: Martha Migadera (Adela), Blanca Guerra (Maca), Camila Sodi (Pia), Maria Aura (Maribel), Alejandra Adame (Heidi), Ximena Sariñana (Valentina), Daniel Berlanga (Emiliano), Kike (Victor González), Rafael Navarro (Martín León), Mario Pérez de Alba (Julio Mera), Roberto D’Amico (Enrique), Zaide Silvia Gutiérrez (Fina), Diana Golden (Mamá Pia)
Página Oficial:
Ver Aquí
Ver Trailer: Aquí
Duración: 1:40 min
País: México
Año: 2007

Si lo prefieres escucha áquí esta Reseña:

SINOPSIS
Adela es una adolescente desubicada y rebelde, que recientemente fue arrestada por mal comportamiento; su padre teme que ella afecte su campaña para Jefe de Gobierno, así que la ingresa en la escuela para señoritas más prestigiosa de la ciudad, cuya estricta directora garantiza que la convertirá en una “Diosa Doméstica”.

Junto a las comedias Lifting de Corazón de Argentina, Mi Mejor Amigo de Francia y El Regreso del Todo Poderoso que al parecer se rehusa a salir de carteleras, se está presentando esta nueva comedia mexicana producida por vez primera por Columbia Pictures, que además, fue rodada totalmente en dicho país, durante casi dos meses.

Niñas Mal es un filme que reúne a un equipo con mucha trayectoria y reconocimiento en ese país. Comenzando desde su director, Fernando Sariñana, un gustoso de este género, con películas como “Todo el Poder” de 1994, hasta el reparto que cuenta con famosos actores, actrices y cantantes de la tierra de los aztecas como: Martha Migadera, la protagonista, que ha sido distinguida con importantes premios como el “Diosa de Plata”, como actriz revelación de cine y por esa misma razón dos premios más: el “MTV Movie Award Latino” y el “Palmas de Oro”. Blanca Guerra, quien interpreta a Maca, una actriz con mucho recorrido en el séptimo arte mexicano, ha participado en más de 80 producciones, al igual que Zaide Silvia Gutiérrez que también se ha hecho partícipe en más de 30 producciones. Finalmente las jóvenes actrices y cantantes Camila Sodi y Ximena Sariñana, entre otros.

Por el estilo que guarda Niñas Mal y su producción, a los pocos minutos de estar viendola, no es difícil caer en cuenta que la película parece estar emulando las típicas comedias americanas. Y sin dudarlo es así, aunque yo no la juzgaría duramente por este aspecto, pues a pesar de hacerse muy notoria su intención, considero que no es una copia tan mala; además, este producto no logra hacernos temer que la cinematografía mexicana comenzará a producir cine menos auténtico, tradicional y basado en sus raíces y cultura.

Niñas Mal es una comedia extramedamente light, con un target muy limitado; es decir, el adolescente. Considero que díficilmente esta cinta va a logar sobresalir entre el público diferente al de esta edad. Como igual pienso que este filme resulta menos irritante para un público extranjero que para los espectadores de su propia casa, quienes están saciados con las historias de la exitosa serie Rebeldes, por citar un único ejemplo. La película entretiene y goza de varios momentos cómicos que hacen sacar unas generosas carcajadas, además las actuaciones que en términos generales la hacen soportable sin que se logre destacar alguien en especial, incluyendo dentro de este grupo a la premiada actriz principal. Su temática hace un llamado a la convivencia y tolerencia, sin embargo, al estar lleno de chistes tan simples, se pierde un poco esta intencionalidad. Creo que los valores que se quisieron expresar, serán a la final, los menos recordados de la película. Por el contrario la selección de más de 10 canciones que se realizó, son un muy buen acompañante a lo largo de su metraje. Entre dichas canciones están: “Niñas bien, niñas mal” de Pombo, “Niñas Mal” de Nikki Clan y “Como Soy” de Ximena Sariñana que interpreta el papel de Valentina, una lesbiana.

A pesar de todos los detalles que les he mecionado, a mi no me pareció un ejercicio tan desagradable el que quizo experimentar el cine mexicano junto a Columbia Pictures. Esta cinta mal que bien, será una nueva ventana que acercará aún más el cine de México a otros países, justamente por su naturaleza de comedia típica al estilo americano, que parece ser desde hace largo tiempo, el punto de referencia para este género. Obviamente no es la mejor película, pero igualmente lejos está de ser la peor.

Lo que más me gustó de la cinta: la música

Lo que menos me gustó: un comedia demasiado ligera


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Y mi pollo dice: “Película poco recomendable, es como un capitulo de telenovela con escenas de sexo y desnudos y con buen sonido, es mejor quedarte en tu casa y no gastar 45 pesos, y ver un capitulo de Rebelde RBD”.

Churros y Palomitas dice: “La película tiene algunos momentos divertidos (lo cual muestra que si había guión), sin embargo hay sobre actuaciones, cliches y sobre explotación de nudismo gratuito”.


Película Premoniciones – Buena pero en Casa


Calificación Cinevista:
Género: Suspenso
Director: Mennan Yapo.
Reparto: Sandra Bullock (Linda Hanson), Julian McMahon (Jim Hanson), Nia Long (Annie), Kate Nelligan (Joanne), Amber Valletta (Claire), Peter Stormare (Dr. Norman Roth)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1: 50 Min
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

SINOPSIS
La vida de Linda Hanson (Sandra Bullock) es perfecta hasta que recibe una devastadora noticia: su esposo Jim ha fallecido en un accidente de tránsito. Al despertarse a la mañana siguiente, Linda descubre que su esposo aún esta vivo. En un principio, Linda cree que el accidente ha debido de ser una pesadilla hasta que ocurre de nuevo. Algunos días Jim sigue a su lado cuando se despierta, pero otros debe enfrentarse a la realidad de haberse quedado viuda. Por alguna razón inexplicable, los días están desordenados. La traumática premonición de Linda, desencadena una serie de extraños sucesos que alteran el tiempo. En un intento desesperado por salvar a su familia, Linda lucha furiosamente contra el tiempo y el destino para intentar conservar todo lo que ella y Jim han construido juntos.

En las principales ciudades de Colombia se está presentando la tercera película de suspenso de la queridísima actriz Sandra Bullock después de “La Red” del año 1995 y “Tiempo de Matar” del 2000. Premoniciones o Siete días como se ha titulado en otros países de habla castellana, no logra poner de acuerdo a la crítica que la acusa de predecible y lenta en su trasegar.

Antes de escoger al director que finalmente realizó la cinta, fueron 35 los directores que tuvieron en sus manos el guión de esta película. Pero fue el director, actor y productor alemán Mennan Yapo quien tomó las riendas de Premoniciones, escogido tras su película “Soundless”, un thriller psicológico con características similares a las de su nuevo reto, que se convirtió en el año 2000, en todo un éxito taquillero en Alemania y fue aclamada por los críticos internacionales.

La película toca un tema que sin duda es muy interesante y causa por su realismo mucho temor, a parte de referirse a un fenómeno del que no tenemos mucha explicación lógica y que en gran porcentaje, es una historia del gusto del público. Estamos hablando de las precogniciones que su protagonista Bullock sufre de forma reiterativa. Las precogniciones son esa capacidad de ver hechos futuros con gran detalle; tal como sucede en la cinta, a diferencia de las premociones que son esas sensaciones o presentimientos que algo va a suceder, desconociendo que es realmente. Es por esto que la cinta motiva verla a simple vista.

Entrada ya en Premoniciones, no me molestó la forma como el director mezcla géneros como el drama y el romance con el suspenso; de hecho me pareció muy valido, interesante y que le agrega mucho más realismo a la historia. Pero el problema es que estos géneros no se delimitan claramente en la cinta, causando confusión y dejando que la esencia de la película; es decir, el suspenso, pierda su valor. Es fácil a lo largo del filme involucrarse sentimentalmente y tomar partido más con la parte humana de su personaje principal y su familia, que por los fenómenos tenebrosos que le ocurren a ella. Adicionalmente, para agregarle complejidad a Premoniciones, el guión se entremezcla en dos tiempos y genera una “maraña” que aunque parezca compleja guarda mucha simplicidad; pues como el lego para los niños, el director va dejando pistas con una cámara de mano asegurándose así, que el público los note. Sin embargo, lo que parecía complejo y simple a la vez, termina por enredar a Yapo, quien crea muchas escenas con fallos evidentes, situaciones ilógicas, alargadas y con cierto cliché innecesario.

Resalto también, la atmósfera de pueblo pequeño que se creó para la cinta rodada en Shreveport, Lousiana, como la buena actuación de Bullock que entendió a la perfección el peso que sobre sus hombres recaía, demostrando que si es buena para este tipo de género más allá de lo bueno o malo que resulte ser este filme. El cambio a una cámara de mano cada vez que Linda, interpretada por Bullock, sufría un evento extraño, está también a favor de este película, al igual que su estructura no lineal. 7 Días es una cinta que pienso es del gusto de los espectadores promedios que van a cine solo como medio de diversión y no desean percatarse o ahondar en los detalles adicionales.

Confieso que soy amante a este tipo de historias, pero fue un poco desilusionante su resultado final. No obstante, la película se deja ver gracias a la presencia de la adorable Bullock. Un recomendado más para disfrutar en casa con un género complicado de definir.

Lo que más me gustó: La estructura no lineal y la actuación de Sandra Bullock

Lo que menos me gusta: La dirección

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Depeco dice: “Extraña película, de las que hace algún tiempo no se ve en cartelera, entretiene y pone al espectador a pensar, a buscarle los detalles, a predecir qué va a suceder, a ordenar ideas”.

Megaline dice: “…el final es forzado y poco explicativo, lástima de cierre para un filme muy entretenido, especialmente si gustan de las películas de suspenso”.

Kaztelan dice: A mi juicio es una buena película sin llegar a ser excelente, suspenso y algo de ficción aborda un tema sujeto a juicio de interpretación y de creencias como las premoniciones.


Película Apocalipsur – Polémica e Irritante


Calificación CineVista:
Género: Drama, Comedia
Director y Guionista: Javier Mejía
Reparto: Andres Echavarría (Flaco), Maricela Gómez (Malala), Pedro Ochoa (Caliche), Ramón Marulanda (La Comadreja), Camilo Díaz (Pipe)
Página Oficial y Trailer: Ver Aquí
País: Colombia
Año: 2005
 

 

SINOPSIS
“El Flaco” huye hacia Londres debido a las amenazas dirigidas a su madre. Unos meses después regresa y encuentra a la ciudad igual como la dejó. Sus mejores amigos “Caliche”, “Comadreja” y “Malala”, junto con “Pipe”, un adicto a las drogas van a recogerlo al aeropuerto en su “Bola de Nieve”, una van que se ha convertido en el refugio de todos ellos y en la que han recorrido kilómetros juntos.

Inspirado en la desaparición de un amigo que viajó a Ginebra, Suiza, a estudiar artes sin que hasta ahora se tenga noticias de él, el director, guionista y comunicador social colombiano de este film , Javier Mejía, creó Apocalipsur como excusa para homenajear la vida de su amigo y recreó toda una historia alrededor de la Medellín oscura de finales de los 80s y principios de los 90s. Mejía, ganador del premio de periodismo C.P.B y el Premio Nacional de Cine, recibió aportes por más de 50.000 dólares para su posproducción y 6.500 de dólares más para su participación en festivales internacionales como los de Chile, Brasil, Estados Unidos, México entre otros, por parte del Ministerio de Cultura. De hecho esta película se presenta a los colombianos después de llevar un largo recorrido de exhibiciones a nivel internacional.

Apocalipsur, nombre con el que se denominó a la innumerable cantidad de asesinatos de jóvenes paisas (gentilicio de los nacidos en Medellín, Antioquia ) en la tierra del capo de capos Pablo Escobar, ocurridos entre 1989 y 1991, ha sido la película ganadora del 47º Festival de Cine de Cartagena, el más grande de mi país. Su elección es una de las más polémicas pues en palabras de los expertos, Apocalipsur es una cinta a la que “se ama y se odia” y que ha sido finalmente la triunfadora más por su temática que por reunir todos los elementos cinematográficos, por encima incluso de la taquillera “Soñar No Cuesta Nada” que se encuentra en estos momentos en las carteleras del cine español.

Así como la época de Hittler ha servido de inspiración a muchos cineastas, no podemos esperar cosa distinta con la Medellín en la época del narcoterrismo, para nuestros cineastas criollos. Y bajo ese orden de ideas, estoy muy de acuerdo con el apelativo con el que se sintetíza en buena parte el sentimiento que trasmite este filme a los espectadores. Apocalipsur es a lo largo de su metraje y lenguaje usado, una película ácida, cruda, vulgar, inquietante, a ratos fastidiosa e irritante, que intenta a través de una alta dosis de puro humor negro, anestesiar la forma tan escueta como su director nos narra esta violenta y triste historia. Yo les confieso que su temática me deprimió a pesar de su humor, como también la vida de sus personajes que es triste, lamentable y nos adentra en los más profundo de la bajeza humana.

Lo válido de este filme, sin duda, es la forma tan realmente distinta como se aborda el tópico de la Medellín narcotizada, que veía a Escobar como un “duro”, un héroe capaz de comprar a media Colombia y que ayudaba a los más desfavorecidos de su tierra, dándole así a esta película, un sello propio que pienso se debe reconocer y diferenciándola de otras cintas, como por ejemplo, las creadas por el también director colombiano Victor Gaviria con su “Rodrigo D”, “La Vendedora de Rosas”, entre otras. El grupo de cinco actores que hicieron parte de esta historia sin ser reconocidos agudizan esta tragicomedia cumpliendo a cabalidad su objetivo. Finalmente, estoy de acuerdo también con la crítica que menciona que Apocalipsur es más valida y fue reconocida más por el trasfondo de su historia que por su forma, pues los aspectos técnicos no son tan destacados como para hacerla el filme ganador del festival de cine colombiano más importante.


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Mata Moscas dice: “…
digo que a pesar de lo malo que resulta el sonido, por fin nos ofrecen una película distinta. Y buena. Al menos no hay más pum pum, ni ‘ángeles exterminadores’ como el de Vallejo y su Virgen de los sicarios, que mata por pura diversión. Y sí: hay droga, bombas que explotan, sicarios de escapulario, secuestros, caballos, whisky y traquetos, pero al menos son el telón de fondo y no el centro de la narración. Y lo que importa, en últimas, es que se cuenta una buena historia”.


Ases Calientes – Venganza a la Americana


Calificación de CineVista:
Género: Acción
Título Original: Smokin’ Aces
Director y guionista: Joe Carnahan
Reparto: Ben Affleck (Jack Dupree), Andy Garcia (Stanley Locke), Alicia Keys (Georgia Sykes), Jeremy Piven (Buddy ‘Ases’ Israel), Ray Liotta (agente Carruthers), Ryan Reynolds (agente Messner), Peter Berg (‘Pistrol’ Pete Deeks), Taraji Henson (Sharice Watters), Chris Pine (Darwin Tremor), Martin Henderson (Hollis Elmore), Joseph Ruskin (Primo Sparazza)
Página Oficial:
Ver Aquí
Países: Reino Unido, Francia y Estados Unidos
Año: 2006

Si lo prefieres escucha esta Reseña aquí:


SINOPSIS
El jefe mafioso Primo Sparazza ofrece una generosa recompensa a quien liquide a Buddy ‘Aces’ Israel, un mago que va a testificar contra la mafia de Las Vegas. El FBI ve la oportunidad de usar al embaucador para atrapar a Sparazza y ofrece protección a ‘Budy’ al que custodiarán dos agentes en su refugio de Lake Tahoe. Cuando la comunidad de malhechores se entera del precio de la cabeza de ‘Aces’, una multitud de cazadores de recompensas, matones, bellas y sensuales sirenas traidoras y mafiosos salen a la caza.

Después de la exitosa película Narc del año 2002 que narraba la corrupción de un organismo policiaco y que hizo merecedor a su director, Joe Carnahan, al premio Espíritu en el Festival de Sudance, retorna con la cinta Ases Calientes del cual y al igual que la anterior, es su director y guionista. Narc fue una película obasionada por la críticos de reconocidas medios escritos como “The New York Times”, “Detroit News”, “The New Yorker” entre otros.

La anterior película de este director fue catalogada como un drama bastante complejo y con ese mismo apelativo podemos calificar esta nueva cinta. “La Última Carta” título con el que se conoce en mi país, es un filme cargado de información, con un ritmo endomoniadamente agil, frenético y con una acción al 100%. Desde el inicio, ya se hace inevitable el hecho de evocar cintas como “Pulp Fiction” de 1994 y las sagas de “Kill Bill” 1 y 2 de los años 2003 y 2004, ambas de Quentin Tarantino. Esto ocurre no solo por la intríngulis que esta maneja, sino por recursos como el humor negro y el gore que en ambos casos, quedaron tan bien delimitados y el uso fue tan suprementamente sutil que nunca llegan hacer incómodos para el espectador; de hecho, le brindan un condimiento más a esta película cargada de muchos elementos a la vez. No soy la única que al ver “Smokin’ Aces” ha recordado los filmes de Tarantino, pero si son muy pocos los que valoran el hecho de que el director se haya atrevido a sacar su propia versión del género tarantinesco y por tal razón lo ven como una copia más. A mi particularmente me gustó mucho por que convirtió a La Última Carta en una venganza a la americana muy bien elaborada y nos enseña que introducir el recurso gore de forma sutil es valido para quienes no somos tan gustosos de el.

Por otra parte rescato mucho la forma como el director nos cuenta la historia; él arma toda una maraña en la que involucra a una infinidad de personajes con los que enriquece la trama, personajes unos más famosos que otros pero con un perfil muy bien marcado y trabajado. Desde los experimentados Andy García, Ryan Reynolds, Ray Liotta, Jeremy Piven hasta la novata y cantante hip-hop Alicia Keys gozan en términos generales de buenas interpretaciones. Nada mal el debut de Keys por cierto. Cosa diferente con Ben Affleck a quien ni menciono pues su aparición en el filme es poca y definitivamente no me convence. A propósito de Piven quien interpreta a Body, debió ser entrenado por un experto y para ello contaron con la asesoría de un ilusionista escocés R.Paul Wilson e incluso como parte del entretamiento fue integrante de uno de los shows más populares de Hollywood en el Club “The Magic Castle”. Gracias a esta ardua preparación, podemos disfrutar de escenas reales en las que este actor nos muestra su habilidad adquirida con el manejo de las cartas. El montaje y fotografía también son aspectos a destacar de la película. El rodaje guardó su magia al filmar en Lake Tahoe, un inmenso y cristalino lago ubicado entre California y Nevada y que fue además escenario de Coppola en la película El Padrino II, como también lugar de esparcimiento de Sinastra y sus más íntimos amigos. Lo grandioso de la cinta es que a pesar de armarse todo una trama enredadísima con la que a veces se trata de confundir al público, al final no decepciona, pues con la inmensa facilidad con la que las abuelas desenredan los hilos de una costura, Carnahan nos devela el final con un increíble factor sorpresa.

A pesar de que se hace uso de muchos aspectos vistos en otras películas, esta historia goza de mucha autenticidad, es notoria la huella que le quiso imponer e imprimir su director. Una película que recomiendo para aquellos amantes al género políciaco y de acción. Ojalá se la vean más de una vez para disfrutarla y entenderla mejor.


Lo que más me gustó de la cinta: la trama y la dirección.

Lo que menos me gustó: la carga de información puede resultar excesiva y un tanto agobiante para el espectador, generándole vacíos sobre todo por su ritmo. Pero por sugerencia les digo que por este aspecto no se deben guiar cuando la vayan a ver.

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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Pareja Remoto dice: “…cuenta con un reparto espectacular, donde da rienda suelta a su virtud audiovisual para deleitarnos con una sarta de tiros digno del mejor Sam Peckinpah o el gran Guy Ritchie, una mezcla de los dos. Pero no solo es esa la unica virtud de esta pelicula (aunque si la más destacable)”.

Tresblau dice: “Al fin pude ver esta tremenda película de acción, muy entretenida. No tenía mucha publicidad pero si buenas críticas y la verdad no defraudó”.


Película Exterminio 2 – Historia Floja con buena fotografía


Calificación de CineVista:
Género: Terror, ciencia-ficción
Título Original: 28 Weeks Later
Diretor: Juan Carlos Fresnadillo.
Reparto: Robert Carlyle (Don), Rose Byrne (Scarlet), Jeremy Renner (Doyle), Harold Perrineau (Flynn), Catherine McCormack (Alice), Imogen Poots (Tammy), Idris Elba (general Stone), Mackintosh Muggleton (Andy)
Página Oficial: Ver Aquí
País: Reino Unido
Año: 2007
Trailer: Ver aquí
Si lo prefieres escucha aquí, esta Reseña:

SINOPSIS
La película arranca seis meses después de que el virus ha asolado Gran Bretaña. El ejército de los Estados Unidos declara que la guerra contra la infección ha sido ganada y que la reconstrucción del país puede dar comienzo. Con el regreso de una primera oleada de refugiados se produce la reunión de una familia que se vio separada por los terribles acontecimientos que se produjeron, aunque uno de sus miembros porta, sin ser él consciente, un terrible secreto. El virus todavía no ha desaparecido y esta vez, es aún mucho más peligroso.

Después de 4 años esta en la mayoría de pantallas de nuestro país la película “Exterminio 2” o “28 Semanas Después” secuela de la cinta “28 Días Después” un thriller que aterrorizó medio mundo marcando un éxito importante de su tiempo y el regreso al género de los zombies que sirvió, además, de inspiración para otros filmes más.

Crear una segunda parte de esta película era algo esperado, pues la primera nos presentó una historia que en su parte final nos dejo muchos interrogantes que valían la pena ser resueltos en otra cinta. “28 Días Después” fue un filme que me gustó mucho pues reunió varios aspectos interesantes: una muy buena historia, peculiarmente novedosa a través de un género renovado. Es decir que representaba no solo por la taquilla sino por la historia, un punto de referencia bastante alto. Por tal razón, la producción asume el riesgo primero de cambiar el director, dándole la oportunidad al español Juan Carlos Fresnadillo, un prometedor cineasta que se dio a conocer internacionalmente gracias a su nominación en los Oscar por el cortometraje “Esposados” del año 1997 y posteriormente por su ópera prima la película “Intacto” ganadora del premio Goya en el 2002 y segundo, la implementación del discutible elemento gore. Un elemento que no es del disfrute de todo público pero que se trae a colación en la cinta excusados bajo el género de esta.

Fresnadillo cumple en buena parte los objetivos primarios de “28 Semanas Después”: impacto, tensión, un ritmo continúo, muchas escenas bien logradas, una ambientación impresionante y la utilización de una música que ayuda en cada uno de estas características. El resultado de todos los elementos que incorporó este director dan como consecuencia un filme que es incómodo, brutal y agresivo visualmente para el espectador que casi en su totalidad se grabó con cámara de mano y que como ya lo hemos dicho, permite meter aún mas al público dentro de la historia. La creación de un ambiente apocalíptico junto a una atmósfera raída son muy bien llevados a cabo, generando en efecto terror y espanto tan solo por imaginarse una realidad semejante y es mi caso lo que se convirtiría en el mayor atractivo de la cinta.

Desafortunadamente, la historia en esta oportunidad no es tan poderosa y por tanto goza de unos vacíos, de falta de cohesión e incoherencias increíbles que le restan credibilidad e importancia al trabajo bien realizado de su director que sale avante con esta segunda parte. Solo criticable por el excesivo uso que le dio al elemento gore que cansa, hastía y confunde. 28 Semanas Después por tal razón no es para todo tipo de público y en esta ocasión si se quiere disfrutar de esta secuela, se debe ver desde la perspectiva netamente visual y obviar todo lo demás. Es aceptablemente entretenida.

Lo que más me gustó de la cinta: La ambientación y fotografía

Lo que menos me gustó: la historia


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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Cine en el sofá dice:El guión me parece que flaquea por los extremos. Resumiendo, apocalíptica película sobre como un virus arrasará la Humanidad por no sabemos qué motivo. Mucha salsa de tomate que diría mi suegra, algunos sustos, y un guion a la altura de una resecuela. No me ha gustado”.

Amnesia Compartida dice: “la banda sonora (OST) de esta película, muy ajustada a la desolación de un Londres desierto tras el virus de la furia que infecta a Reino Unido y lo deja completamente despoblado”.

Curioso pero cine dice: “La película empieza con acción, sigue con acción y acaba con acción. Y no cansa. La secuencia inicial es magistral. Aunque fuentes cercanas me han comentado que lo de correr por campo abierto y ser atacado por todos los flancos es una idea “muy Fresnadillo”.


– Profesora: ¿Leyendo a oscuras? Anina: Sí, por lo menos estoy leyendo.