El Ultimátum de Bourne: Cine Comercial de Buena Calidad


Calificación CineVista:
Género: Acción
Director: Paul Greengrass
Reparto: Matt Damon (Jason Bourne), Julia Stiles (Nicky Parsons), Joan Allen (Pamela Landy), David Strathairn (Noah Vosen), Paddy Considine (Simon Ross), Scott Glenn (Ezra Kramer), Edgar Ramírez (Paz), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch)
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver: Trailer
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SINOPSIS: Bourne seguirá las huellas de su pasado para poder encontrar su futuro. Deberá pasar por Moscú, París, Londres, Tánger y Nueva York en un intento de deducir quién es el verdadero Bourne, mientras le persiguen policías, agentes federales y la Interpol.

Se llevó a cabo el estreno de una de las películas de acción más esperadas de la temporada, El Ultimátum de Bourne o Identidad Desconocida como también se debe recordar en mi país, basadas en las series novelescas del escritor, Robert Ludlum; aunque se le hicieron adaptaciones para volverlas más contemporáneas y lo que tomaron de estas historias fue precisamente el tema de la conspiración y el sistema gubernamental corrupto. Esta cinta que tuvo un costo aproximado de 110 millones de dólares ya ha logrado recaudar 209, faltando su estreno en algunas países más.

Todos los filmes de esta secuela son un ejemplo palpable de que SI se puede hacer cine comercial de gran calidad, además de probar que el género de la acción y el espionaje aún tienen mucha tela de donde cortar de forma interesante y creativa. Para la elaboración de esta última versión, la producción utilizó en su mayoría, el mismo equipo que llevaría al éxito a la segunda entrega; El Mito de Bourne, comenzando desde su director, Paul Greengrass, hasta los camarógrafos, asistentes y demás. Esta acertada decisión se refleja perfectamente en cada una de las escenas, pues son muy fieles a las cintas anteriores. Aunque ya Bourne nos tenía acostumbrados a la acción alrededor del mundo, esta última, se convierte en toda una maratónica aventura, al recorrer 3 continentes y 7 países como: Tánger en Marruecos, una importante ciudad que en los años 50, fue el punto de encuentro de muchos espías secretos que desean planear ataques clandestinos. Es en esta región, donde se lleva a cabo pasajes de la película que realmente me sorprendieron y me parecieron muy emocionantes. También podemos ver movimientos de Bourne en París, Londres, Moscú, Madrid hasta llegar Nueva York, origen del personaje. Cada una de estas ciudades escogidas meticulosamente, le imprimen una credibilidad asombrosa. Para descubrir la identidad de Bourne, faltaba menos que esta búsqueda fuera algo fácil de hallar, después de haber recorrido tanto camino en la anteriores películas. Que dicha respuesta se hallara a la vuelta de la esquina, no resultaría apropiado y así lo entendió su director.

Para ayudar a cerrar el episodio de Bourne (aparentemente), regresan al repertorio dos personajes importantes dentro de la historia; Pamela Landy (Joan Allen) y Nicky (Julia Stiles), otro de los hechos para mi acertados que permiten contar la historia con una cohesión absoluta. Sin duda son piezas claves que ayudan desenredar la mente de este asesino profesional. La actuación de Matt Damon, encarnando el personaje principal ha sido vital y en esta última entrega es notorio su esfuerzo por regalar a su público, escenas verdaderas de acción, con gran calidad y elaboradas en buena parte por el mismo. A mi particularmente, me encanta esa dualidad creíble de su personaje entre el ser malo y bueno, combinado con un aspecto físico totalmente atípico a su carácter psicológico. El ritmo del filme es excepcional, muy envolvente y tremendamente rápido, sin perder por esto dramatismo e intriga. La labor del director vuelvo a reirterar, es muy destacable, pues combina cada uno de estos elementos a la perfección, dado que conoce al detalle la esencia de esta saga. La fotografía y ambientación por tanto también son valerosas.

En términos generales salí muy satisfecha de ver esta cinta, que ha sabido sortear las fallas y las bondades de las otras entregas, para superarse e ir en ascenso. Aunque debo confesarles que su final abierto me dejó un poco triste, pues insisto en el tema de que realizar demasiadas versiones, conllevan a historias rebuscadas. Además como diría Matt Damon en una entrevista a El Tiempo acerca de realizar una cuarta parte, dijo: “…una continuación podría centrarse en cómo Bourne pierde las llaves de su carro” (risas).

Lo Mejor de la Cinta: La acción y la actuación de Damon

Lo Peor: Su final abierto


No se la pierdan, vale la pena

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Sin Pelos en la Lengua dice: “Pero, en fin, tras poder ver esta tercera y, a priori, definitiva entrega de la saga Bourne, basada en las novelas de Robert Ludlum, uno no puede hacer otra cosa sino quitarse el sombrero. Que se aparten piratas, robots y superhéroes en pijama: El ultimátum de Bourne es acción trepidante en estado puro”.

Diario de una Mente Perturbada: “Como ya he dicho, “El últimatum de Bourne” se sustenta gracias sobretodo a un guión competente de principio a fín. Si bien la idea es simple (el juego del gato y el ratón, pero esta vez por duplicado), la trama se va desarrollando de forma escalonada, captando el interés en todo momento, sin permitirse ningún bajón”.


Duro de Matar 4: Una película más de Acción


Calificación Cinevista:
Título Original: Live Free or Die Hard 4
Género: Acción
Director: Len Wiseman.
Reparto: Bruce Willis (John McClane), Timothy Olyphant (Gabriel), Maggie Q (Mai Lihn), Justin Long (Matt Farrell), Cliff Curtis (Bowman), Jeffrey Wright (Victor Pope), Mary Elizabeth Winstead (Lucy McClane).
País: USA.
Año: 2007

SINOPSIS:Un ataque a la vulnerable infraestructura informática de Estados Unidos comienza a apagar poco a poco a la nación entera. La misteriosa figura detrás de este plan devastador ha cuidado hasta el más mínimo detalle, pero nunca contó con John McClane (Bruce Willis).Después de 12 años de su antecesora, Duro de Matar o La Jungla de Cristal 3: La Venganza (1995) y de recibir esta saga en total 4 nominaciones a los Premios Oscar, lo que parecía tema olvidado, vuelve a la pantalla gigante. Y no solo marca el retorno de uno de los personajes más queridos por los norteamericanos, John McClane, sino también del actor que lo encarna, Bruce Willis, quien con más años pero casi la misma condición, retorna al género que le dio la fama internacional y lo vio crecer. Por fortuna, se presenta esta oportunidad para Willis después de su paso desafortunado a principios de año en la película “Seduciendo a Un Extraño” que protagonizó junto la ganadora del Oscar 2002 como Mejor Actriz, Halle Berry.Las películas de Duro de Matar, basadas en la novela “Nothing Lasts Forever” de Roderick Thorp, siempre han partido de una buena idea que las llevan a tener escenas con mucha acción; recordemos que la primera del año 1988, inició su historia cuando unos terroristas se toman un hotel con rehenes a bordo entre los cuales se encontraba su esposa. La segunda, “Alerta Roja”, llevada a cabo dos años más tarde, utilizaba una situación que se hizo extrema cuando un zar de la droga quiso tomar el tráfico aéreo norteamericano. La antepenúltima del año 1995, sin duda agudizó la trama, cuando los policías se vieron enfrentados a un posible ataque terrorista en New York y McClane por otra parte, sufre la separación de su esposa y del organismo policial. Esta última saga no sería la excepción y ahora toma como base, las nuevas formas de terrorismo basados en los sistemas de información y el mundo digital.

Entre los aspectos destacables de la cinta, yo podría subrayarles los siguientes: 1. Y como lo mencionaba al inicio, está el retorno de Willis junto a su personaje, pues dejan un muy buen sabor al finalizar la película. McClane siempre con su humor sarcástico, nos devuelve a ese policía singular, intrépido, casi imperturbable y sobre todo durísimo de matar. 2. La fidelidad a lo que ha sido la filosofía en las anteriores entregas, es decir, acción al 100%. 3. La reducción al mínimo de los efectos digitales. La mayoría de sus escenas fueron hechas por el mismo Willis y su doble, que por cierto sufrió una seria fractura en una de estas escenas. 4. Lo bien manejado del ritmo y su narración que nos ofrece una entretención de principio a fin. 5. La no elección de Paris Hilton y Britney Spears para interpretar el papel de la hija de McClane, que finalmente fue otorgado a Mary Elizabeth Winstead, quien ha actuado recientemente en Destino Final 3 y GrindHouse, pues considero que esto le hubiera restado mucha credibilidad a la cinta y le hubiera dado un mayor toque comercial, cosa redundante e innecesaria.

Lo desfavorable de esta última secuela, puedo decirles que por una parte, radica en la elección de su director, Len Wiseman, ya que pareciera haber emulado algunas cosas de series como Nikita, pues viendo la película se me vino a la mente diversos capítulos de esta famosa serie. Wiseman básicamente es muy reconocido por dirigir videos musicales y anuncios publicitarios de diversas compañías como Oracle, Intel, Play Station entre otras. Adicionalmente su argumento, que no ofrece nada innovador y hasta cierto punto muchas cosas son previsibles. Esto la convierte en una película más de acción, que no creo que trascienda tanto como las demás. Y aunque las cifras no me respaldan pues ha tenido muy buena taquilla, considero que esta corresponde más al hecho que el público no se resiste a ver el retorno del policía insignia de la cinematografía hollywoodense.

Duro de Matar 4 es una película entretenida pero que a la final no resulta con una trama tan extraordinaria como sus antecesoras.




Blogger Nacional: Se Iniciaron las Votaciones


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Se dio inicio a las votaciones del Concurso el “Blogger Nacional” realizado por la Revista Semana y en la que como les comentaba CINEVISTA quedó seleccionado entre los 16 finalistas. La votación estará abierta hasta el próximo 09 de septiembre y cada día durante este lapso de tiempo, se podrá efectuar un voto diario por IP o computador.

El link para realizar la votación diaria es: http://portal2.semana.com/utilitarios/BloggerVotacion/votacion.html y el blog de CineVista está ubicado en la segunda fila, tercera columna a nombre mío; Sandra Ríos. Una vez ubicado en la imagen del blog, la verás dividida en dos partes. Haciendo click a la primera, visitarás la página y haciendo click en la segunda, le darás un voto a CineVista.

Esta sin duda es una gran oportunidad; no solo para mi sino para el blog, pues es una gran motivación y ayuda al crecimiento de la misma con el fin de ofrecerles a todos sus lectores lo MEJOR. Te invito entonces, a que hagas parte de esta buena noticia para la página y apoyes su crecimiento.

De Antemano muchas GRACIAS!!!!


Buscando a Miguel: Le dió Amnesia a su director?


Calificación de CineVista:
Género: Drama
Director: Juan Fischer
Reparto: Luis Fernando Bohórquez (Miguel), Laura García (Sol), Luis Fernando Montoya (Edgar), Ernesto (Pedro Mogollón), Mónica Gómez (Helena), Pepe Sánchez (Dr. Vidal), Leonor (Ana María Kamper), Juan Sebastián Arango (Alfonso), Mónica (Marcela Carvajal), Martha Bolaños (La Mona)
Página Oficial:
http://www.buscandoamiguel.com/
País: Colombia
Año: 2007
Ver: Trailer
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SINOPSIS: Cuenta la historia de un político que por circunstancias de la vida se convierte en un NN. Su afán por encontrarse consigo mismo, lo lleva a vivir y descubrir las crueldades de la ciudad que lo había visto crecer desde otro ángulo de su vida. Una lección a fuerza de su voluntad le tocará vivir.

Se estrenó el viernes una nueva película colombiana del actor, director, productor y guionista bogotano Juan Fischer, recordado por muchos de nosotros en sus papales en telenovelas y seriados de los años 80. Buscando a Miguel se convierte en su segundo largometraje después de la cinta “El Séptimo Cielo” con la que se presentó en diversos festivales y la que lo hizo merecedor al Premio como Mejor Película del año 1997, dentro del marco del Festival de Cine de Bogotá.

Este filme se rodó en parte, gracias al estímulo que se ganó del Fondo de Desarrollo Cinematográfico el año pasado. El rodaje tomó alrededor de 3 meses y se realizó en la capital de mi país en su totalidad. La cinta cuenta una historia urbana, cruda, cruel y real. Se basa en una perfecta fotografía de lo que son las ciudades de hoy día; no solo en Colombia sino en el resto del mundo. Su temática como lo cuento en la sinopsis, es la de un hombre con muchos privilegios, razón por la cual su percepción sobre la vida, sobre lo que la ciudad le brinda es totalmente diferente, a lo que el común denominador de una ciudad implacable, opina acerca de ella. De entrada entonces, su historia cautiva; por lo que representa, por lo real de su argumento, por la crudeza y por lo alejado de cualquier interés netamente comercial. Su carácter independiente queda evidente y gratamente marcado en el filme. Según las propias palabras de su director, la intención al realizar “Buscando a Miguel” fue la siguiente: “La historia que cuenta mi película es, de muchas maneras, la de una guerra sin cuartel, en la que participamos todos los habitantes de las ciudades, queramos o no, y en la que matamos a los que amamos, y nos matan quienes nos aman, mientras perseguimos como locos la comprensión, la felicidad, la plenitud, el reconocimiento. El campo de batalla está listo, ahora puede rodar la sangre o llegar el amor.” Con dichas palabras, podríamos decir que Fischer tomó una resonancia muy bien escaneada de una ciudad; que le permitiría obtener una historia auténtica, incomparable y con una exquisita riqueza narrativa y visual.

Pero por desgracia, lo que tan excelentemente plasmo en ideas su director y guionista, no quedó tan claro en su argumento, pues al paso de la cinta, son muchos los vacíos “profundos” que va dejando. Fueron tantas las escenas, había tanto que contar, que muchas de ellas, quedaron evidentemente cortadas e incoherentes. Muchas son las cosas que se dejan a la auto explicación del espectador, como también muchos los hechos sin razón de ser o con una lógica prudente. Por otra parte, su personaje principal interpretado valerosamente y de muy, muy buena forma por Luis Fernando Bohórquez, no muestra un perfil definido, en su carácter de “amnésico” y recorre el trasegar del filme, en la dualidad de hacernos pensar si realmente recuerda o no quien es. Hago una aclaración aquí, pues a pesar de este fallo para mi, resalto nuevamente la actuación de este actor que sin duda es excepcional. Pero no solo el trabajo de Bohórquez es meritorio, sino otros, como el de Laura García, actual directora de la Escuela de Actuación de Caracol, quien interpreta de forma brillante, el papel de Sol, un travesti, el de Luis Fernando Montoya, quien hace de hermano de Sol, un taxista llamado Edgar, y que nos gratifica con su retorno al cine, entre otros. Puedo decirles a este punto, que básicamente la lectura que su director hizo de la idea principal de su historia, quedó en términos generales muy bien construida en los personajes; pues la mayoría tienen una profundidad y un contexto psicológico destacable, con el que se da el lujo de mostrarnos unos perfiles totalmente delimitados. Igualmente ocurre con la fotografía y ambientación que encajan perfectamente dentro de la narrativa. Pero la lectura de su argumento en el producto final, no fue la más acertada, las ansias por narrar a un solo tajo, todo lo que absorbió de la Bogotá urbana y noctámbula, terminaron por confundirlo, enredarlo y desboronar la historia colombiana más interesante que se ha presentado este año.

Buscando a Miguel se deja ver, porque a pesar de la incoherencia en muchas de sus escenas, la historia es realmente interesante y el contexto de sus personajes es impresionante. Insisto que debemos apoyar el cine colombiano, formar parte de él, hacer parte de su crecimiento, de su crítica para ayudarlo justamente a su pleno desarrollo. Y aunque rayos me caen cada vez que hablo de esto, pues la opinión está muy dividida, debemos hacer el esfuerzo por pagar la boleta!!!.

Lo que más me gustó de la cinta: Las actuaciones

Lo que menos me gustó: La incoherencia de muchas escenas

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.



Cinevista: Es Nominada para el Concurso "Blogger Nacional"


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SEMANA
, la Revista más importante de mi país me ha seleccionado entre los 16 bloggers finalistas al concurso “EL BLOGGER NACIONAL”. El jurado esta compuesto por Rodrigo Pardo (Editor General SEMANA), Armando Neira (Editor Semana.com) y Jaime Andrés Monsalve (Editor de la Revista SOHO). Este se convierte en un hecho importante para CINEVISTA. Igualmente es una motivación más para continuar esta labor que realizo con un placer sin igual. Espero que el Blog siga conquistando triunfos que permitan a la página crecer en beneficio de todos sus lectores, que por cierto, hacen parte de esta buena y gran noticia.

Prontamente la revista SEMANA, estará abriendo las votaciones para que sus lectores escojan al mejor. De paso, doy mis felicitaciones desde ya al resto de finalistas.


Buena Suerte!!!


Evan Almighty: Lo Mejor la Consciencia Ecológica


Calificación Cinevista:
Género: Comedia:
Título Original: Evan Almighty
Director: Tom Shadyac.

Reparto: Steve Carell (Evan Baxter), Morgan Freeman (Dios), Lauren Graham, John Goodman (Long), John Michael Higgins (Marty), Jimmy Bennett (Ryan Baxter), Wanda Sykes (Rita), Johan Hill (Eugene).

Página Oficial: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Trailer: Ver Aquí
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SINOPSIS: El engreído presentador de televisión Evan Baxter (Steve Carell) quien fuera el rival de Bruce Nolan en la precuela de esta aventura fílmica, es ahora el nuevo candidato escogido por Dios para cumplir una sagrada misión.

Antes que nada, quiero excusarme con aquellos lectores que se han acostumbrado a ver 2 o tres artículos semanales en el blog, pero diversas ocupaciones no me habían permitido seguir esta regularidad; sin embargo mi tarea de ver mucho cine cada semana no la he suspendido. Así que hoy hablaré de “El Regreso del Todopoderoso” o “Sigo Como Dios”, película que se estrenó el pasado viernes en mi país, junto a otras que ya vi y pronto estaré comentando.

Para mi resultaba inevitable ir a ver esta cinta, primero por lo que representó su primera versión y aunque mi percepción inicial me inclinaba por considerarla regular, valía la pena darle la oportunidad y confirmarlo. Segundo, por su director que ha tenido la gran fortuna, de contar en sus producciones con los actores más cómicos de la actualidad como Jim Carrey, Eddie Murphy, Adam Sandler y ahora quien entra a este podio de los mejores; Steve Carell, recordado hace poco en su papel de tío en la también película cómica “La Pequeña Miss Sunshine del año pasado y ganadora de los Premios Oscar al Mejor Guión y Mejor Actor Secundario. Shadyac ha dirigido filmes recordadísimos por su gran cuota de humor como “Ace Ventura” de 1993, “El Profesor Chiflado” de 1996, “Mentiroso, Mentiroso” de 1997, “Patch Adams” de 1998 y “Como un Dios” del 2003.

La película no es realmente una secuencia de la primera; sino más bien, un capítulo adicional con algunos personajes y una historia totalmente diferentes. “Como un Dios”, nos hizo gozar de la risa, gracias a Jim Carrey y a su temática, que hacia apología al poder. Esta última por el contrario, 4 años después, hace un llamado al desprendimiento de lo material para conseguir la plenitud real. Para llevar a cabo este cometido; la producción utilizó dos estrategias: la figura épico-bíblica del Arca de Noe, popular y muy conocida por casi toda la humanidad, más el calentamiento global y los desastres causados por el hombre; temática muy de moda ahora y que parece ser la inspiración de muchos. Tal es el caso del documental “Una Verdad Incómoda” de Al Gore, abanderado de este tema y que lo hizo; además, ganador al Premio Oscar, en la categoría de Mejor Documental en este año y “Los Simpson”, que basó también su trasfondo en esta problemática para su película inicial. Sin embargo a la final, esta cinta no deja de ser una película cómica más, con algunos elementos risibles y un mensaje claro, medianamente importante, con unas actuaciones poco excepcionales, exceptuando a Morgan Freeman, quien sin sobre-actuarse, cumple su deber. Por desgracia, son muchas menos las escenas en las que espontáneamente nos “reventamos” de la risa, pero si, muchos más los momentos, en que las escenas se extienden sin ninguna razón poderosa. La imperiosa necesidad de crear un filme con temática netamente “familiar”, que permitiera ser vista por cada uno de los integrantes de la misma; la hizo venir a menos y le resto mucho del absurdo jocosamente admisible. Su ritmo narrativo por tanto, me pareció lento y por ratos insoportable. Como consecuencia de esto, la estructura también cae en descenso; un principio llamativo, un desarrollo monótono, un final común y poco convincente.

Sin duda el mayor atractivo de la cinta está en sus escenarios naturales y la forma cómo la producción reconstruyó un arca de grandes proporciones cuyas medidas finales fueron, 18 metros alto, por 82 de largo y 24 de ancho. Con tales dimensiones, ir a visitar dicho “monumento” en Crozet, Virgina, EE.UU. era un paso obligado. Fue necesario, hacer uso de unas 177 especies diferentes de todo este país como perros, gatos, leones, tigres, mapaches, camellos, etc, de un domador especializado y de mucha paciencia para grabar cada una de las escenas con estos peculiares personajes; que además sirvieron para crear el resto de animales que vemos en la cinta, recreados por computador. Pero el hecho de tocar el tema del medio ambiente, realmente fue tomado en serio, para las directivas de la película e incuestionablemente asumieron las medidas necesarias para no dejarlo en el plano superficial. Entre las acciones que realizaron fueron: plantar 2050 árboles durante todo el rodaje, imprimir los guiones por ambas caras, regalar bicicletas a toda la producción para que hicieran menos uso del carro, vender el acero con el que realizaron el arca, cuyo dinero fue donado a una importante fundación y finalmente crear una página (http://www.getonboardnow.org/) en la que la gente puede comprar y plantar árboles entre otras. Algo para reconocer y que los deja bien “plantados”. De paso ahuyentan las críticas, que no se han hecho esperar en las demás cintas que han tocado el tema para crear conciencia en los demás, pero han sido “inconscientes” en la producción.

Lamentablemente “Sigo como Dios” es una película para ver preferiblemente en casa y sin esperar mucho.

Lo que más me gustó de la cinta: Los detalles ecológicos de su producción

Lo que menos me gustó: la falta de momentos realmente cómicos.

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Críticas de Loberto dice:

“….Por tanto, Sigo como Dios vuelve a desaprovechar una divertida idea de partida por su incapacidad de hacer un producto interesante para los mayores de seis años, y resulta una secuela a la altura de su primera parte: más o menos, cerca del suelo”.

Notas Desde el Lado Oscuro dice:
“… Fui al cine a divertirme y no en búsqueda de una película que cambiara la perspectiva de mi vida, sin embargo, salí defraudado”.


Los Reyes de las Olas / Surf’s Up – Nueva Fórmula Innovadora


Calificación CineVista:
Género: Comedia, Animación
Dirección: Ash Brannon y Chris Buck
Reparto: Doblaje – Shia LaBeouf (Cody Maverick), Zooey Deschanel (Lani Aliikai), Jeff Bridges (The Geek), Jon Heder, James Woods (Reggie Belafonte), Mario Cantone (Mikey Abromowitz), Diedrich Bader (Tank), Jane Krakowski.
Ver :
Página Oficial Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Trailer: Ver Aquí
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SINOPSIS: Se basa en el deporte extremo que se practica en el mar, llamado comúnmente surf y lo presenta como una práctica inventada originalmente por los pingüinos.

“Los Reyes de las Olas” o “Locos por el Surf” títulos con los que se conoce en nuestro idioma, nos trae una vez más una historia alrededor de los pingüinos; animalitos que gracias a películas como “Happy Feet” del año pasado y “La Marcha del Emperador” del año 2005, nos han permitido familiarizarnos y encariñarnos con ellos. Esta cinta se realizó bajo la dirección de Ash Brannon, codirector de la película “Toy Story 2” y Chris Buck director de la película animada “Tarzán” del año 1999. Este filme adicionalmente, contó con la participación de Andrés Martínez, un colombiano que lleva 10 años abriéndose espacio en Hollywood y 2 años con la compañía que la realizó; Imageworks. Su misión fue la de capturar una importante cantidad de imágenes para luego ser emuladas en movimientos absolutamente reales en la película.

Los pingüinos ahora son los protagonistas de una historia de animación fantasiosa acerca del competitivo mundo del Surf, poco practicado y conocido en mi país. Para acercarse a la intensidad y pasión que emana este deporte alrededor del mundo, la producción contó con el asesoramiento de verdaderos expertos en el tema como Kelly Slater, gran surfista que ha revolucionado la forma de deslizarse por las olas, entre otros. Este fillme se reconoce sobre los demás de su categoría, por la innovadora manera de contar la historia; simulando ser un documental y tomando algunos elementos de los “realities”. Básicamente “Los Reyes de las Olas” tomó las bases del documental “El Club de las Olas” del año 2003 y la película “Second Thoughts” del año 2004. Todos este trabajo de campo les permitió realmente crear un filme, sorprendentemente real en su aspecto técnico. Esta ha sido la primera vez que se utiliza una cámara real para capturar los movimientos en una película animada. El realismo de sus escenarios es significativo. Podemos ver movimientos impresionantes cuando alguno de sus personajes pisa la arena, la simulación de una cámara de mano dentro del agua y el movimiento de las hojas al viento; son algunas de las cosas que se pueden disfrutar. El matiz que le dan a cada una de sus escenas, es fresco y muy agradable, tal cual, como se puede percibir al llegar a una isla. La música pop y punk seleccionada, ayuda a generar ese ambiente caribeño, tropical, de competencia, de lucha, de alcanzar los ideales. Se pueden escuchar canciones de los grupos Green Day, destacándose Holiday y otras de Incubus; además de canciones propias que se crearon exclusivamente para la cinta.

Todo lo anterior es un atractivo de la cinta que permite ver la película por su innovadora forma de presentarla, pero el fallo de la misma es para mi su historia, que no presenta la misma formula creativa de su técnica. De hecho puedo decir, que resulta floja, con escenas que se alargan sin necesidad. Es fácil distraerse del argumento y centrarse más en los detalles de la producción. Por otra parte, la película no se me hizo tan infantil y por el contrario me pareció estar creada, tal vez sin pensarlo, para un público más maduro; juvenil.

Lo que más me gustó de la cinta: Presentar la película como documental

Lo que menos me gustó: la exagerada simplicidad de su historia

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El Blog de la Negra dice:
“… es una lindísima comiquita moderna sobre unos pingüinos que practican surf, nos presenta toda una filosofía de vida y me ha hecho sumamente feliz durante este reposo”.

Debates Blog dice:
“Lo mejor de los “Reyes de las olas’’ está en su estructura de documental periodístico, lo que le da humor, novedad y verosimilitud a la historia del pingüino surfista, pero al mismo tiempo le añade una complejidad narrativa extra”.


Película Colombiana Esto Huele Mal – Y muy mal con su final


Calificación Cinevista:
Género: Drama, Comedia
Dirección: Jorge Alí Triana
Reparto: Diego Bertie (Ricardo), Cristina Campuzano (Elena), Valerie Domínguez (Manuela), Diego Cadavid (Guzmán), Maria Eugenia Dávila (Mercedez), Victor Hugo Morant (Joaquín), Sandra Reyes (Claudia Jacome), Natty Botero (Patricia)
Página Oficial: Ver Aquí

País: Colombia
Año: 2007
Ver: Trailer
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SINOPSIS:
Basada en un hecho real, ESTO HUELE MAL es una apasionante historia de seducción, mentira e infidelidad. Nada pone en peligro la vida íntima y de mentira que maneja Ricardo Caicedo, destacado hombre de negocios, hasta la noche trágica en que sucedió la explosión de la bomba en el atentado al Club El Nogal.
Este viernes 03 de Agosto los colombianos nos dimos cita para ver el estreno de la última película colombiana llamada “Esto Huele Mal”. La cinta está basada en la segunda novela homónima con igual nombre, del escritor y periodista bogotano Fernando Quiroz, quien por circunstancias insólitas de la vida se topó con la historia que inspiró su libro, tras el atentado ocurrido en el Club El Nogal el pasado 06 de febrero de 2003 y que sacudió al país entero. Durante la época del atentado terrorista Quiroz hacía parte de una importante revista colombiana llamada “Cambio”. Por esos dias, cumpliendo con su deber, visitó lo que quedaba de el Club para recoger testimonios. Gracias a esto, contó con la suerte de hallar un hombre sobreviente, quien le narro todo lo sucedido delante de su familia, pero que más adelante le confesaría que todo lo que había dicho era mentira y que nunca había estado en ese lugar. El engaño que aquel hombre hizo, fue por ocultar la relación que sostenía con su amante. El olfato del escritor Quiroz, hizo que el drama completo de esta historia, fuera develado a través de su novela. Esto Huele Mal recreó de forma parcial la destrucción vivida en el Club y realizó rodajes en Bogotá y El Tabio. Esta película ostenta el record de tiempo de producción más corto, ya que en tan solo 5 semenas y unos dias más lograron darla por terminada.

Lo cierto es que no hay muchos elementos que explorarle a la cinta. Así que en términos generales hablaré de ella. Uno de los géneros de la misma es el drama, pero pienso que dicha calificación fue otorgada más por respeto, al usar como trasfondo el tema del atentado; que otra cosa; y es que la película se aleja totalmente de este doloroso episodio y por el contrario nos cuenta una historia absolutamente descarada, única, irónica y con muchos elementos risibles. Toda el filme es un reflejo de nuestra idiosincracia jocosa, pues siempre sacamos nuestra mejor cuota de humor, aún en los momentos más difíciles. Esto Huele Mal, es bastante entretenida, agradable, que se deja ver, con un ritmo simétrico y un uso del recurso del “Flasback” justo y apropiado para los intereses de la historia. Igualmente puedo decirles que es muy sencilla y poco ambisosa que deja todo en manos de su argumento y los personajes para salir adelante. Los escenarios y la fotografía no son algo de resaltar, pero tampoco desentonan en el filme. Igual sucede con los personajes, ya que ninguno logra destacarse de forma notable. Sin embargo, la naturalidad con la actúa Diego Cadavid es muy buena y en últimas el que lleva en su espalda, la responsabilidad de hacernos reir.

Este filme tiene un buen inicio y desarrallo pero el desenlace y final son abruptamente interrumpidos dejando al espectador en silencio y generándose preguntas de qué fué lo que terminó sucediendo realmente. Además cuando llegan esos dos momentos (desenlace y final), la película ya es totalmente predecible; al menos, para mi, aunque no se si esta sensación, es porque igual soy colombiana y la cinta es un reflejo diario de las relaciones de pareja. Adicionalmente la inapropiada y muy desafortunada “actuación” o mejor presencia de la cantante Nati Botero, cuyo personaje es importante en la historia y sin embargo solo tartamudea tres o cuatros frasesillas necias al principio y al final. Una actuación innecesaria que evidencia su presencia en el filme, tan solo por mostrar de su álbum homónimo, el single “Fuego”. Realmente lamenté estos hechos, pues la película logró meterme de lleno en su relato bien manejado, gracioso y sin exageraciones de tiempo entre escena y escena.

Una película para ver sin mayores pretensiones, digna de presenciar en momentos de relajación y diversión. Además, aunque su corte abrupto en el final no me haya gustado, lo positivo es que, el que sale avante en la cinta es el menos esperado. Lo que le hace real y auténtica, alejada de un moralismo en muchas ocasiones absurdo.

Lo que más me gustó de la cinta: El ritmo, la duración

Lo que menos me gustó: El descenlace, final y la actuación de la cantante Naty Botero

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Valerie+Domínguez
Naty+Botero
Club+El+Nogal
Infidelidad
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Fbermudezg dice:
“La película es muy hilarante en ciertas escenas, pero tiene el defecto que el transfondo es un hecho calamitoso que sucedió realmente en Bogotá, como lo fue el espantoso acto terrorista acaecido en el Club El Nogal”.


El Viento Que Acaricia el Prado: Cine Político


Calificación de Cinevista:
Género: Historia, Drama
Título Original: The Wind that Shakes the Barley
Dirección: Ken Loach.

Reparto: Cillian Murphy (Damien), Pádraic Delaney (Teddy), Liam Cunningham (Dan), Orla Fitzgerald (Sinead), Mary O’Riordan (Peggy), Mary Murphy (Bernadette), Roger Allam (Sir John Hamilton), Laurence Barry (Micheail), Damien Kearney (Finbar), Frank Bourke (Leo), Myles Horgan (Rory), Martin Lucey (Congo).
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Países: Irlanda, Reino Unido, Alemania, Italia y España.

Año: 2006.
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SINOPSIS: Irlanda, 1920. Dos hermanos campesinos se unen a un ejército de guerrilleros voluntarios para enfrentarse a los despiadados grupos Black & Tans, tropas británicas que habían sido enviadas para sofocar las aspiraciones independentistas de Irlanda.

Una cantidad importante de países han tenido la oportunidad de ver ya, esta película que desde hace unas semanas, se estrenó en nuestro país. Como ganadora al Premio Palma de Oro de Cannes 2006, por encima de filmes de la mano de Pedro Almodóvar con “Volver” y Alejandro González Iñarritu con “Babel”, se hacía indispensable comentarla. Su temática desde luego es un llamado a recordar y conocer para quienes no lo sabemos al detalle, la historia de Irlanda y sus conflictos con Inglaterra. Así que vi la cinta con esta intención. “El Viento que Acaricia el Prado”, ha sido una de las películas que mayor polémica ha generado en el Festival de Cannes, en los últimos tiempos, pues tras su elección, logró dividir la opinión de un importante grupo de críticos. Su director, Ken Loach, bastante conocido por los europeos; siempre se le ha reconocido por sus marcadas tendencias izquierdistas y su incansable denuncia social. Por lo tanto, duras críticas del gobierno de su país ha soportado este filme, a la que se le han unido otros países como España y que la castigan de ser la película pro IRA (grupo paramilitar republicano) jamás filmada.

El valor histórico de la cinta es importante y valeroso, tan solo por el hecho de que no son muchos los documentos cinematográficos sobre este tema específico, los que irrumpen la esfera internacional para ser mostrados. De Igual manera, suponía una gran responsabilidad y retos, narrar un momento de la historia tan complejo y que aún invade una parte del pueblo Irlandés; especialmente en la zona norte de la misma. Básicamente el filme, que toma su nombre de un verso de una canción del siglo XIX perteneciente a Robert D. Joyce y que además, era cantada por los simpatizantes del grupo IRA; tiene como punto de referencia los acontecimientos ocurridos entre 1920 y 1923, momento crucial en que la resistencia irlandesa, se opone al Tratado de Autonomía Anglo-Irlandés. De este hecho, que generó y ha generado por un largo tiempo cruentos enfrentamientos; la producción recogió anécdotas y hechos reales de los habitantes de las regiones en conflicto, para dar origen a la historia de dos hermanos que luchan unidos por unos ideales y que más adelante se separan a luchar por intereses propios; pues ya no se identifican el uno con el otro, pero que a la final, les trae nefastas consecuencias. Aunque narrar momentos de guerra, a través del ojo de una familia no está mal; tal como planteó el filme su director; es decir, de mero documento histórico; éste va perdiendo dicho valor a medida que trascurre, ya que incurre en la narrativa de dos hermanos; sin detenerse realmente a contar, aclarar, enseñar o explicar los acontecimientos importantes que la misma película va presentando y que hacen además parte, de las decisiones que estos dos hermanos deben tomar. Para aquellos que van a verla sin antecedentes previos, de los orígenes de este conflicto, la película comienza a ser pesada, tediosa y con vacíos que a la final no son resultos.

El anterior es el mayor problema de la cinta, pues a pesar de estar ambientada en época de guerra la película no exagera en los momentos de violencia; sin pretender desconocer, la crudeza en la narración y una sobriedad marcada en la conducta de sus personajes; que aún en los momentos más dolorosos, conservan su postura, siempre simple y muy poco descarnada, propia de los habitantes de dicho país y general de Europa entera. Lo que a mi parecer hace díficil que uno tome partido en la historia que presenta el director, aunque si se hace notorio la posición del mismo. Finalmente y los puntos más destacables a simple vista son la ambientación y su fotografía realmetne excepcional y muy bella.

Se recomienda para aquellos gustosos de las películas históricas con una postura tajante y evidentemente política, que además conocen de antemano el conflicto Irlandés.

Lo que más me gustó de la cinta: La ambientación y fotografía

Lo que menos me gustó: La duración (2:04 min) y su final


Blogalaxia Tags: Ken+Loach
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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

Lee Comentarios de Otros Bloggers sobre la película

Ideas de Babel dice:

“…Lo que me fastidia del film es que, para mí, es perfectamente predecible. Tal vez porque conozco la historia de Irlanda, quizá porque he visto muchas películas de Loach. Desde el principio intuí el final. Creo que era inevitable”.

Sesión Discontínua dice:

“….hace falta un director como Ken Loach en España, de la misma manera que hace falta un auténtico cine político que se acerque a los temas polémicos y conflictivos de nuestra historia reciente….”

¿Y que es la vida sino la persecucion de un sueño?