Muere Blas Jaramillo: El padre Ernesto en Satanás


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El mundo artístico colombiano está de luto, Blas Jaramillo, actor colombiano de tan solo 39 años de edad, falleció este jueves en la noche, víctima de una pancreatitis que se le complicó. Recordemos que él fue uno de los personajes centrales de la exitosa película Satanás, del director Andy Baiz, en la que interpretó destacadamente al “Padre Ernesto”, cinta basada en la novela con mismo nombre del escritor bogotano Mario Mendoza y que comentamos en CineVista. Esta lamentable noticia se produce poco tiempo después de conocerse que “Satanás” fue escogida por el Consejo Nacional de Cine de nuestro país para representar a Colombia y competir en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa de los Premios Oscar 2008.
La última participación de Jaramillo en cine, fue en la también película colombiana “Buscando a Miguel” en la que hace un pequeño papel y tuvimos oportunidad de reseñar. Este filme aún se presenta en nuestros cinemas.

Blas Jaramillo se reconocía a si mismo, como un verdadero actor de las tablas. Entre las obras mas conocidas que contaron con su participación estan: “Ricardo III”, La Impaciencia del Corazón” y “Sexo según Mae West”.

Foto: Película Satanás – papel de “Padre Ernesto”

Paz en su tumba.

Película Napola /Educación Alemana "Integral"


Calificación CineVista:
Género: Drama
Título Original: Elite für den Führer
Director: Dennis Gansel.
Reparto: Max Riemelt (Friedrich Weimer), Tom Schilling (Albrecht Stein), Jonas Jägermeyr (Christoph Schneider), Leon Alexander Kersten (Tjaden), Thomas Drechsel (Hefe), Martin Goeres (Siegfried Gladen), Florian Stetter (Justus von Jaucher), Devid Striesow (Vogler), Joachim Bissmeier (Dr. Karl Klein), Michael Schenk (Josef Peiner)
Página Oficial:
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País: Alemania
Año: 2004
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SINOPSIS

Berlín, 1942. Friedrich, de 16 años, que acaba de finalizar el bachillerato elemental y es un hábil boxeador aficionado, sueña con ser alguien en la vida. Su oportunidad le llega al fijarse en él durante un combate de boxeo por un joven simpático que es profesor de una escuela de elite de los nazis y ayuda a Friedrich a ingresar en el centro.

“Levantaremos una generación que hará temblar al mundo. Quiero jóvenes excepcionales, intrépidos, despiadados y salvajes. También serán fuertes y guapos. Aprenderán a pensar sólo en Alemania y a actuar para Alemania. Y así será como yo daré vida a un hombre nuevo” . Esta es una de las tantas expresiones que resume en buena forma una de las mil obsesiones de Hittler, pero que a su vez se convertiría en su mayor objetivo y por tanto resulta básicamente el punto de partida del director y guionista de esta cinta, tercera película de su cuenta personal después de “El Fantasma” del año 2000, un filme policíaco y de suspenso con una sinopsis bastante interesante y “Chicas al ataque” del año 2002, una comedia basada en los cambios hormonales sufridos por las mujeres en dicha etapa que las lleva a crear diversas situaciones.

Para lograr el objetivo de dar origen a una raza nueva aria – término acuñado en el siglo XIX que hace referencia al origen de los europeos como raza blanca-, Hittler creó las llamadas NAPOLA o NPEA, alrededor de toda Alemania; una sigla que se define como los Institutos de Educación Nacional-Política, en la que participó el abuelo del director; Fritz Gansel, como instructor de una de estas instituciones en el año 1940 y cuando éste solamente contaba con 24 años de edad. En estas peculiares escuelas los jóvenes eran reclutados a temprana edad; desde los 10 años y en ellas se llevaban a cabo prácticas que pretendían mejorar los llamados “defectos de carácter” de sus estudiantes y formarlos bajo los principios y políticas singulares de Hittler. Tan solo el 20% de los aspirantes lograban entrar a los claustros, de ahí el orgullo y prestigioso de sus graduados. Entre actividades lúdicas privilegiadas como las de permitirles montar a caballo, en avión, hacer gimnasia, se combinan otras de historia, artillería, boxeo y lucha libre, que de forma amañada iban impartiendo nuevos ideales a estos pobres adolescentes en extenuantes jornadas de 5 horas en la mañana y otras tantas en la tarde durante 9 años.

Por todas estas razones, Napola es un documento histórico real, netamente dramático, con información de primera mano, que le permitió a Gansel dar origen a un guión casi perfecto que va llevando escena tras escena una narrativa excepcional. Este filme se centra de forma vehemente en las prácticas malsanas de la institución para desarrollar su historia y no muestra interés alguno en ahondar, enseñar y explicar al espectador otros detalles, aspecto válido pues de forma inteligente, se vuelve casi imperceptible en mi parecer. Por ello, la cinta es un golpe psicológico ácido, que golpea al público, lo incomoda, lo impacta, pero su a vez lo sensibiliza, lo hace reflexionar y lo humaniza a pesar que su historia en apariencia sea la misma fórmula inspiradora de los artistas germanos. El potencial de la película radica en la novedad de mostrarnos una cruda realidad en la que se ven involucrados pequeños jóvenes que oscilan entre los 14 y 16 años cuyas interpretaciones son apreciables y bastante creíbles.

Los exteriores sin duda alimentan la historia y le dan el toque de sobriedad necesarios, al igual que su fotografía que es por demás, bella y con una vivacidad exquisita. La mayoría de ellos se hicieron en Baviera, estado meridional de Alemania, altísimamente rico en historia, basta con recordar los orígenes de los Illuminati y Masones, importantes logias secretas tan solo por citar algunos ejemplos.

Napola ha recibido diversos premios en Festivales como el de Mejor Director en el Festival de Baviera, el de Mejor Película Alemana otorgado por el público dentro del marco del Festival de Hamptons en New York, entre otros.

Esta es una cinta bastante recomendable que vi hace ya un mes y que dado los últimos estrenos no había tenido oportunidad de comentar. Para los colombianos que aún no la han visto, hay tiempo, pues sigue presentándose en algunos cinemas, como también se consigue fácilmente en las video tiendas dado su año de realización (2004).

Con pocos fallos en la película, algunos se estarán preguntando porqué no le otorgué 5 estrellas. Les confieso que aunque la mayoría de cosas me gustaron, quedé con la sensación de que algo le hizo falta para ser perfecta y que aún no descubro con precisión.

Lo que más me gustó de la cinta: la historia

Lo que menos me gustó: la marcada postura de su director frente al tema, haciendo que el espectador tome partido desde el inicio de la cinta. Recordemos que en esta escuela y según historia, no todos los jóvenes eran obligados a ingresar y casi en su mayoría, el orgullo y la ambición finalmente les pudo más que los valores de humanismo y compasión hacia sus semejantes.

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Por cierto antes de despedirme, FELIZ DÍA DEL BLOGGER, que desde hace 3 años se celebra mundialmente con el objetivo de que sus autores este día dediquen un espacio en sus bitácoras a dar a conocer otros blogs distintos al propio e incluso de otros idiomas.

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Bogotá 35MM dice: “Napola muestra cómo la percepción de la guerra puede ser universal, sin hacer diferencias entre el Eje y los Aliados, entre soldados y generales o entre jóvenes y viejos”.

Segunda Guerra Mundial dice: “Naturalmente, la visión de la época es necesariamente crítica, y en ese sentido “Nápola” muestra sus cartas desde el principio”.

Being Mex dice: “Siempre he creido que por mas patriota que seas no puedes dejarte caer o convencer por cosas que realmente estan fuera de todo sentido comun, una cosa era serle fiel a alemania y otra totalmente tragarte y creerte toda esa ideología”.




Fracture / Crimen Perfecto: FrAcTuRaDa


Calificación CineVista:
Género: Suspenso
Título Original: Fracture
Director: Gregory Hoblit
Reparto: Anthony Hopkins (Ted Crawford), Ryan Gosling (Willy Beachum), David Strathairn (Joe Lobruto), Rosamund Pike (Nikki Gardner), Embeth Davidtz (Jennifer Crawford), Billy Burke (detective Rob Nunally), Cliff Curtis (detective Flores), Bob Gunton (juez Gardner)

País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

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SINOPSIS
Narra la historia de dos hombres con muy pocas cosas en común: Willy Beachum (Ryan Gosling), un joven y ambicioso fiscal cuya carrera está empezando a despegar, y Ted Crawford (Anthony Hopkins), un ingeniero de mediana edad que acaba de dispararle a su mujer a sangre fría. Ambos hombres se encuentran cara a cara en un camino directo al desastre. Crawford resulta ser tan complejo e impredecible como el crimen que ha cometido y, mientras el caso perfecto de Willy comienza a desmoronarse, el futuro del joven fiscal parece destruirse con él.

Mencionar dentro del cartel de una película la presencia de Anthony Hopkins, representa por si solo un motivo que para mi, prácticamente obliga a verla. Esto a su vez tiene su contra, pues las expectativas que se generan al respecto en mi caso son elevadísimas. Y justamente esto es lo que me sucedió con Fracture o Crimen Perfecto.

Gregory Hoblit director de esta cinta, nos trae una vez más un filme que gira en torno a los casos policíacos y jurídicos. Él parece haberse especializado ya en este tipo de temas; así lo confirman todas las películas dirigidas y/o producidas por él. Sin duda esta es su mayor fuente de inspiración en donde podemos recordar ; por ejemplo, “En las dos caras de la verdad”, su mejor película del año 1996, que se basó en el poder manejado por unos abogados, “Fallen” realizada dos años más tarde, que se trató de un policía que debe darse a la caza de un asesino, “Frequency” del 2000, que aunque intentó alejarse un poco de esta dinámica, usó como personaje principal a un joven policía que se comunica con su padre fallecido y de cierto modo regresa en el tiempo y su antepenúltima cinta “La guerra de Hart” del 2002, que regresa a su preferencia y nos narra la historia de una estudiante de leyes que debe defender a un asesino negro en unas circunstancias especiales. Esta manía del director es algo respetable y le da herramientas para crear producciones cada vez más elaboradas en torno a este tema. Como también es cierto que las ramificaciones por donde se puede mover el director alrededor del mismo son inagotables. Sin embargo con esta última entrega, su intención por hacer algo muy preparado hizo que Crimen Perfecto fuera en descenso y al final se quede uno con la sensación de deuda. Sin duda el argumento es poderoso pero el desarrollo de su narrativa no culmina a buen término la idea principal. El filme goza de un principio casi excelente, pero al paso de los minutos, su desarrollo es tedioso, denso, con una terminología jurídica pesada y con un alargue innecesario. Ya cuando aparece su desenlace y final, estos hace rato están consumados y la fuerza de los mismos se han perdido totalmente.

Adicionalmente, a ratos fue inevitable recordar la excelente película “Un Crimen Perfecto” del año 1998, interpretada por Michael Douglas y Gwyneth Paltrow, pues su temática es casi igual. Lo mismo me sucedió con Hopkins que aunque es cierto que este papel pareciera haberse hecho a la medida del zapato de este especialista, su actuación nos recuerda casi palmo a palmo su interpretación de Hannibal Lecter en las distintas películas que se crearon sobre este histórico psicópata. La experiencia de Hopkins se combina al lado del joven actor canadiense Ryan Gosling, merecedor a la nominación a los premios Oscar este año, como Mejor Actor en la película “Half Nelson” del año 2006 y que no ha llegado a nuestro país. Allí él interpreta a un dedicado profesor que lleva una doble vida, pues en su intimidad es un consumado adicto a las drogas. Yo no he visto esta cinta, pero su interpretación en Fracture no es tan sobresaliente. De hecho, las críticas lo juzgan de imitar muchas actitudes que asumió en su nominada película.

Con todo lo que he dicho hasta ahora, no estoy desmotivando la intención de irla a ver. De hecho pienso que se deja disfrutar con ciertas precauciones como, no esperar mucho de la cinta, ir con la mente despejada, los ojos bien abiertos e incluso sin cansancio. Por otra parte, se cruzan ciertos juegas de palabras entre sus dos personajes centrales, que seguramente estarán en la lista de frases célebres, la lucha de caracteres, el manejo del orgullo, del poder y del amor al dinero, que por supuesto son interesantes; también están, la impecable factura técnica, como su fotografía, montaje y manejo de las cámaras y finalmente la banda sonora que acrecienta la intriga en sus puntos más álgidos.

Lo Mejor de la Cinta: La impecable técnica.

Lo Peor: Su desarrollo

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Ojos Abiertos dice: “A pesar de que Crimen perfecto tiene algunos puntos favorables culmina siendo una película más de asesinos inteligentes con juicio incluido”.

El Séptmo Arte dice: “Parecía el típico thriller judicial sin la más mínima gracia y originalidad dirigida sin apenas nada de personalidad. El caso es que no es nada del otro mundo, pero tampoco se puede decir que sea una película mala, ni mucho menos”.


El Ultimátum de Bourne: Cine Comercial de Buena Calidad


Calificación CineVista:
Género: Acción
Director: Paul Greengrass
Reparto: Matt Damon (Jason Bourne), Julia Stiles (Nicky Parsons), Joan Allen (Pamela Landy), David Strathairn (Noah Vosen), Paddy Considine (Simon Ross), Scott Glenn (Ezra Kramer), Edgar Ramírez (Paz), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch)
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver: Trailer
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SINOPSIS: Bourne seguirá las huellas de su pasado para poder encontrar su futuro. Deberá pasar por Moscú, París, Londres, Tánger y Nueva York en un intento de deducir quién es el verdadero Bourne, mientras le persiguen policías, agentes federales y la Interpol.

Se llevó a cabo el estreno de una de las películas de acción más esperadas de la temporada, El Ultimátum de Bourne o Identidad Desconocida como también se debe recordar en mi país, basadas en las series novelescas del escritor, Robert Ludlum; aunque se le hicieron adaptaciones para volverlas más contemporáneas y lo que tomaron de estas historias fue precisamente el tema de la conspiración y el sistema gubernamental corrupto. Esta cinta que tuvo un costo aproximado de 110 millones de dólares ya ha logrado recaudar 209, faltando su estreno en algunas países más.

Todos los filmes de esta secuela son un ejemplo palpable de que SI se puede hacer cine comercial de gran calidad, además de probar que el género de la acción y el espionaje aún tienen mucha tela de donde cortar de forma interesante y creativa. Para la elaboración de esta última versión, la producción utilizó en su mayoría, el mismo equipo que llevaría al éxito a la segunda entrega; El Mito de Bourne, comenzando desde su director, Paul Greengrass, hasta los camarógrafos, asistentes y demás. Esta acertada decisión se refleja perfectamente en cada una de las escenas, pues son muy fieles a las cintas anteriores. Aunque ya Bourne nos tenía acostumbrados a la acción alrededor del mundo, esta última, se convierte en toda una maratónica aventura, al recorrer 3 continentes y 7 países como: Tánger en Marruecos, una importante ciudad que en los años 50, fue el punto de encuentro de muchos espías secretos que desean planear ataques clandestinos. Es en esta región, donde se lleva a cabo pasajes de la película que realmente me sorprendieron y me parecieron muy emocionantes. También podemos ver movimientos de Bourne en París, Londres, Moscú, Madrid hasta llegar Nueva York, origen del personaje. Cada una de estas ciudades escogidas meticulosamente, le imprimen una credibilidad asombrosa. Para descubrir la identidad de Bourne, faltaba menos que esta búsqueda fuera algo fácil de hallar, después de haber recorrido tanto camino en la anteriores películas. Que dicha respuesta se hallara a la vuelta de la esquina, no resultaría apropiado y así lo entendió su director.

Para ayudar a cerrar el episodio de Bourne (aparentemente), regresan al repertorio dos personajes importantes dentro de la historia; Pamela Landy (Joan Allen) y Nicky (Julia Stiles), otro de los hechos para mi acertados que permiten contar la historia con una cohesión absoluta. Sin duda son piezas claves que ayudan desenredar la mente de este asesino profesional. La actuación de Matt Damon, encarnando el personaje principal ha sido vital y en esta última entrega es notorio su esfuerzo por regalar a su público, escenas verdaderas de acción, con gran calidad y elaboradas en buena parte por el mismo. A mi particularmente, me encanta esa dualidad creíble de su personaje entre el ser malo y bueno, combinado con un aspecto físico totalmente atípico a su carácter psicológico. El ritmo del filme es excepcional, muy envolvente y tremendamente rápido, sin perder por esto dramatismo e intriga. La labor del director vuelvo a reirterar, es muy destacable, pues combina cada uno de estos elementos a la perfección, dado que conoce al detalle la esencia de esta saga. La fotografía y ambientación por tanto también son valerosas.

En términos generales salí muy satisfecha de ver esta cinta, que ha sabido sortear las fallas y las bondades de las otras entregas, para superarse e ir en ascenso. Aunque debo confesarles que su final abierto me dejó un poco triste, pues insisto en el tema de que realizar demasiadas versiones, conllevan a historias rebuscadas. Además como diría Matt Damon en una entrevista a El Tiempo acerca de realizar una cuarta parte, dijo: “…una continuación podría centrarse en cómo Bourne pierde las llaves de su carro” (risas).

Lo Mejor de la Cinta: La acción y la actuación de Damon

Lo Peor: Su final abierto


No se la pierdan, vale la pena

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Sin Pelos en la Lengua dice: “Pero, en fin, tras poder ver esta tercera y, a priori, definitiva entrega de la saga Bourne, basada en las novelas de Robert Ludlum, uno no puede hacer otra cosa sino quitarse el sombrero. Que se aparten piratas, robots y superhéroes en pijama: El ultimátum de Bourne es acción trepidante en estado puro”.

Diario de una Mente Perturbada: “Como ya he dicho, “El últimatum de Bourne” se sustenta gracias sobretodo a un guión competente de principio a fín. Si bien la idea es simple (el juego del gato y el ratón, pero esta vez por duplicado), la trama se va desarrollando de forma escalonada, captando el interés en todo momento, sin permitirse ningún bajón”.




Duro de Matar 4: Una película más de Acción


Calificación Cinevista:
Título Original: Live Free or Die Hard 4
Género: Acción
Director: Len Wiseman.
Reparto: Bruce Willis (John McClane), Timothy Olyphant (Gabriel), Maggie Q (Mai Lihn), Justin Long (Matt Farrell), Cliff Curtis (Bowman), Jeffrey Wright (Victor Pope), Mary Elizabeth Winstead (Lucy McClane).
País: USA.
Año: 2007

SINOPSIS:Un ataque a la vulnerable infraestructura informática de Estados Unidos comienza a apagar poco a poco a la nación entera. La misteriosa figura detrás de este plan devastador ha cuidado hasta el más mínimo detalle, pero nunca contó con John McClane (Bruce Willis).Después de 12 años de su antecesora, Duro de Matar o La Jungla de Cristal 3: La Venganza (1995) y de recibir esta saga en total 4 nominaciones a los Premios Oscar, lo que parecía tema olvidado, vuelve a la pantalla gigante. Y no solo marca el retorno de uno de los personajes más queridos por los norteamericanos, John McClane, sino también del actor que lo encarna, Bruce Willis, quien con más años pero casi la misma condición, retorna al género que le dio la fama internacional y lo vio crecer. Por fortuna, se presenta esta oportunidad para Willis después de su paso desafortunado a principios de año en la película “Seduciendo a Un Extraño” que protagonizó junto la ganadora del Oscar 2002 como Mejor Actriz, Halle Berry.Las películas de Duro de Matar, basadas en la novela “Nothing Lasts Forever” de Roderick Thorp, siempre han partido de una buena idea que las llevan a tener escenas con mucha acción; recordemos que la primera del año 1988, inició su historia cuando unos terroristas se toman un hotel con rehenes a bordo entre los cuales se encontraba su esposa. La segunda, “Alerta Roja”, llevada a cabo dos años más tarde, utilizaba una situación que se hizo extrema cuando un zar de la droga quiso tomar el tráfico aéreo norteamericano. La antepenúltima del año 1995, sin duda agudizó la trama, cuando los policías se vieron enfrentados a un posible ataque terrorista en New York y McClane por otra parte, sufre la separación de su esposa y del organismo policial. Esta última saga no sería la excepción y ahora toma como base, las nuevas formas de terrorismo basados en los sistemas de información y el mundo digital.

Entre los aspectos destacables de la cinta, yo podría subrayarles los siguientes: 1. Y como lo mencionaba al inicio, está el retorno de Willis junto a su personaje, pues dejan un muy buen sabor al finalizar la película. McClane siempre con su humor sarcástico, nos devuelve a ese policía singular, intrépido, casi imperturbable y sobre todo durísimo de matar. 2. La fidelidad a lo que ha sido la filosofía en las anteriores entregas, es decir, acción al 100%. 3. La reducción al mínimo de los efectos digitales. La mayoría de sus escenas fueron hechas por el mismo Willis y su doble, que por cierto sufrió una seria fractura en una de estas escenas. 4. Lo bien manejado del ritmo y su narración que nos ofrece una entretención de principio a fin. 5. La no elección de Paris Hilton y Britney Spears para interpretar el papel de la hija de McClane, que finalmente fue otorgado a Mary Elizabeth Winstead, quien ha actuado recientemente en Destino Final 3 y GrindHouse, pues considero que esto le hubiera restado mucha credibilidad a la cinta y le hubiera dado un mayor toque comercial, cosa redundante e innecesaria.

Lo desfavorable de esta última secuela, puedo decirles que por una parte, radica en la elección de su director, Len Wiseman, ya que pareciera haber emulado algunas cosas de series como Nikita, pues viendo la película se me vino a la mente diversos capítulos de esta famosa serie. Wiseman básicamente es muy reconocido por dirigir videos musicales y anuncios publicitarios de diversas compañías como Oracle, Intel, Play Station entre otras. Adicionalmente su argumento, que no ofrece nada innovador y hasta cierto punto muchas cosas son previsibles. Esto la convierte en una película más de acción, que no creo que trascienda tanto como las demás. Y aunque las cifras no me respaldan pues ha tenido muy buena taquilla, considero que esta corresponde más al hecho que el público no se resiste a ver el retorno del policía insignia de la cinematografía hollywoodense.

Duro de Matar 4 es una película entretenida pero que a la final no resulta con una trama tan extraordinaria como sus antecesoras.


Blogger Nacional: Se Iniciaron las Votaciones


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Se dio inicio a las votaciones del Concurso el “Blogger Nacional” realizado por la Revista Semana y en la que como les comentaba CINEVISTA quedó seleccionado entre los 16 finalistas. La votación estará abierta hasta el próximo 09 de septiembre y cada día durante este lapso de tiempo, se podrá efectuar un voto diario por IP o computador.

El link para realizar la votación diaria es: http://portal2.semana.com/utilitarios/BloggerVotacion/votacion.html y el blog de CineVista está ubicado en la segunda fila, tercera columna a nombre mío; Sandra Ríos. Una vez ubicado en la imagen del blog, la verás dividida en dos partes. Haciendo click a la primera, visitarás la página y haciendo click en la segunda, le darás un voto a CineVista.

Esta sin duda es una gran oportunidad; no solo para mi sino para el blog, pues es una gran motivación y ayuda al crecimiento de la misma con el fin de ofrecerles a todos sus lectores lo MEJOR. Te invito entonces, a que hagas parte de esta buena noticia para la página y apoyes su crecimiento.

De Antemano muchas GRACIAS!!!!


Buscando a Miguel: Le dió Amnesia a su director?


Calificación de CineVista:
Género: Drama
Director: Juan Fischer
Reparto: Luis Fernando Bohórquez (Miguel), Laura García (Sol), Luis Fernando Montoya (Edgar), Ernesto (Pedro Mogollón), Mónica Gómez (Helena), Pepe Sánchez (Dr. Vidal), Leonor (Ana María Kamper), Juan Sebastián Arango (Alfonso), Mónica (Marcela Carvajal), Martha Bolaños (La Mona)
Página Oficial:
http://www.buscandoamiguel.com/
País: Colombia
Año: 2007
Ver: Trailer
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SINOPSIS: Cuenta la historia de un político que por circunstancias de la vida se convierte en un NN. Su afán por encontrarse consigo mismo, lo lleva a vivir y descubrir las crueldades de la ciudad que lo había visto crecer desde otro ángulo de su vida. Una lección a fuerza de su voluntad le tocará vivir.

Se estrenó el viernes una nueva película colombiana del actor, director, productor y guionista bogotano Juan Fischer, recordado por muchos de nosotros en sus papales en telenovelas y seriados de los años 80. Buscando a Miguel se convierte en su segundo largometraje después de la cinta “El Séptimo Cielo” con la que se presentó en diversos festivales y la que lo hizo merecedor al Premio como Mejor Película del año 1997, dentro del marco del Festival de Cine de Bogotá.

Este filme se rodó en parte, gracias al estímulo que se ganó del Fondo de Desarrollo Cinematográfico el año pasado. El rodaje tomó alrededor de 3 meses y se realizó en la capital de mi país en su totalidad. La cinta cuenta una historia urbana, cruda, cruel y real. Se basa en una perfecta fotografía de lo que son las ciudades de hoy día; no solo en Colombia sino en el resto del mundo. Su temática como lo cuento en la sinopsis, es la de un hombre con muchos privilegios, razón por la cual su percepción sobre la vida, sobre lo que la ciudad le brinda es totalmente diferente, a lo que el común denominador de una ciudad implacable, opina acerca de ella. De entrada entonces, su historia cautiva; por lo que representa, por lo real de su argumento, por la crudeza y por lo alejado de cualquier interés netamente comercial. Su carácter independiente queda evidente y gratamente marcado en el filme. Según las propias palabras de su director, la intención al realizar “Buscando a Miguel” fue la siguiente: “La historia que cuenta mi película es, de muchas maneras, la de una guerra sin cuartel, en la que participamos todos los habitantes de las ciudades, queramos o no, y en la que matamos a los que amamos, y nos matan quienes nos aman, mientras perseguimos como locos la comprensión, la felicidad, la plenitud, el reconocimiento. El campo de batalla está listo, ahora puede rodar la sangre o llegar el amor.” Con dichas palabras, podríamos decir que Fischer tomó una resonancia muy bien escaneada de una ciudad; que le permitiría obtener una historia auténtica, incomparable y con una exquisita riqueza narrativa y visual.

Pero por desgracia, lo que tan excelentemente plasmo en ideas su director y guionista, no quedó tan claro en su argumento, pues al paso de la cinta, son muchos los vacíos “profundos” que va dejando. Fueron tantas las escenas, había tanto que contar, que muchas de ellas, quedaron evidentemente cortadas e incoherentes. Muchas son las cosas que se dejan a la auto explicación del espectador, como también muchos los hechos sin razón de ser o con una lógica prudente. Por otra parte, su personaje principal interpretado valerosamente y de muy, muy buena forma por Luis Fernando Bohórquez, no muestra un perfil definido, en su carácter de “amnésico” y recorre el trasegar del filme, en la dualidad de hacernos pensar si realmente recuerda o no quien es. Hago una aclaración aquí, pues a pesar de este fallo para mi, resalto nuevamente la actuación de este actor que sin duda es excepcional. Pero no solo el trabajo de Bohórquez es meritorio, sino otros, como el de Laura García, actual directora de la Escuela de Actuación de Caracol, quien interpreta de forma brillante, el papel de Sol, un travesti, el de Luis Fernando Montoya, quien hace de hermano de Sol, un taxista llamado Edgar, y que nos gratifica con su retorno al cine, entre otros. Puedo decirles a este punto, que básicamente la lectura que su director hizo de la idea principal de su historia, quedó en términos generales muy bien construida en los personajes; pues la mayoría tienen una profundidad y un contexto psicológico destacable, con el que se da el lujo de mostrarnos unos perfiles totalmente delimitados. Igualmente ocurre con la fotografía y ambientación que encajan perfectamente dentro de la narrativa. Pero la lectura de su argumento en el producto final, no fue la más acertada, las ansias por narrar a un solo tajo, todo lo que absorbió de la Bogotá urbana y noctámbula, terminaron por confundirlo, enredarlo y desboronar la historia colombiana más interesante que se ha presentado este año.

Buscando a Miguel se deja ver, porque a pesar de la incoherencia en muchas de sus escenas, la historia es realmente interesante y el contexto de sus personajes es impresionante. Insisto que debemos apoyar el cine colombiano, formar parte de él, hacer parte de su crecimiento, de su crítica para ayudarlo justamente a su pleno desarrollo. Y aunque rayos me caen cada vez que hablo de esto, pues la opinión está muy dividida, debemos hacer el esfuerzo por pagar la boleta!!!.

Lo que más me gustó de la cinta: Las actuaciones

Lo que menos me gustó: La incoherencia de muchas escenas

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

Cinevista: Es Nominada para el Concurso "Blogger Nacional"


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SEMANA
, la Revista más importante de mi país me ha seleccionado entre los 16 bloggers finalistas al concurso “EL BLOGGER NACIONAL”. El jurado esta compuesto por Rodrigo Pardo (Editor General SEMANA), Armando Neira (Editor Semana.com) y Jaime Andrés Monsalve (Editor de la Revista SOHO). Este se convierte en un hecho importante para CINEVISTA. Igualmente es una motivación más para continuar esta labor que realizo con un placer sin igual. Espero que el Blog siga conquistando triunfos que permitan a la página crecer en beneficio de todos sus lectores, que por cierto, hacen parte de esta buena y gran noticia.

Prontamente la revista SEMANA, estará abriendo las votaciones para que sus lectores escojan al mejor. De paso, doy mis felicitaciones desde ya al resto de finalistas.


Buena Suerte!!!


Evan Almighty: Lo Mejor la Consciencia Ecológica


Calificación Cinevista:
Género: Comedia:
Título Original: Evan Almighty
Director: Tom Shadyac.

Reparto: Steve Carell (Evan Baxter), Morgan Freeman (Dios), Lauren Graham, John Goodman (Long), John Michael Higgins (Marty), Jimmy Bennett (Ryan Baxter), Wanda Sykes (Rita), Johan Hill (Eugene).

Página Oficial: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Trailer: Ver Aquí
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SINOPSIS: El engreído presentador de televisión Evan Baxter (Steve Carell) quien fuera el rival de Bruce Nolan en la precuela de esta aventura fílmica, es ahora el nuevo candidato escogido por Dios para cumplir una sagrada misión.

Antes que nada, quiero excusarme con aquellos lectores que se han acostumbrado a ver 2 o tres artículos semanales en el blog, pero diversas ocupaciones no me habían permitido seguir esta regularidad; sin embargo mi tarea de ver mucho cine cada semana no la he suspendido. Así que hoy hablaré de “El Regreso del Todopoderoso” o “Sigo Como Dios”, película que se estrenó el pasado viernes en mi país, junto a otras que ya vi y pronto estaré comentando.

Para mi resultaba inevitable ir a ver esta cinta, primero por lo que representó su primera versión y aunque mi percepción inicial me inclinaba por considerarla regular, valía la pena darle la oportunidad y confirmarlo. Segundo, por su director que ha tenido la gran fortuna, de contar en sus producciones con los actores más cómicos de la actualidad como Jim Carrey, Eddie Murphy, Adam Sandler y ahora quien entra a este podio de los mejores; Steve Carell, recordado hace poco en su papel de tío en la también película cómica “La Pequeña Miss Sunshine del año pasado y ganadora de los Premios Oscar al Mejor Guión y Mejor Actor Secundario. Shadyac ha dirigido filmes recordadísimos por su gran cuota de humor como “Ace Ventura” de 1993, “El Profesor Chiflado” de 1996, “Mentiroso, Mentiroso” de 1997, “Patch Adams” de 1998 y “Como un Dios” del 2003.

La película no es realmente una secuencia de la primera; sino más bien, un capítulo adicional con algunos personajes y una historia totalmente diferentes. “Como un Dios”, nos hizo gozar de la risa, gracias a Jim Carrey y a su temática, que hacia apología al poder. Esta última por el contrario, 4 años después, hace un llamado al desprendimiento de lo material para conseguir la plenitud real. Para llevar a cabo este cometido; la producción utilizó dos estrategias: la figura épico-bíblica del Arca de Noe, popular y muy conocida por casi toda la humanidad, más el calentamiento global y los desastres causados por el hombre; temática muy de moda ahora y que parece ser la inspiración de muchos. Tal es el caso del documental “Una Verdad Incómoda” de Al Gore, abanderado de este tema y que lo hizo; además, ganador al Premio Oscar, en la categoría de Mejor Documental en este año y “Los Simpson”, que basó también su trasfondo en esta problemática para su película inicial. Sin embargo a la final, esta cinta no deja de ser una película cómica más, con algunos elementos risibles y un mensaje claro, medianamente importante, con unas actuaciones poco excepcionales, exceptuando a Morgan Freeman, quien sin sobre-actuarse, cumple su deber. Por desgracia, son muchas menos las escenas en las que espontáneamente nos “reventamos” de la risa, pero si, muchos más los momentos, en que las escenas se extienden sin ninguna razón poderosa. La imperiosa necesidad de crear un filme con temática netamente “familiar”, que permitiera ser vista por cada uno de los integrantes de la misma; la hizo venir a menos y le resto mucho del absurdo jocosamente admisible. Su ritmo narrativo por tanto, me pareció lento y por ratos insoportable. Como consecuencia de esto, la estructura también cae en descenso; un principio llamativo, un desarrollo monótono, un final común y poco convincente.

Sin duda el mayor atractivo de la cinta está en sus escenarios naturales y la forma cómo la producción reconstruyó un arca de grandes proporciones cuyas medidas finales fueron, 18 metros alto, por 82 de largo y 24 de ancho. Con tales dimensiones, ir a visitar dicho “monumento” en Crozet, Virgina, EE.UU. era un paso obligado. Fue necesario, hacer uso de unas 177 especies diferentes de todo este país como perros, gatos, leones, tigres, mapaches, camellos, etc, de un domador especializado y de mucha paciencia para grabar cada una de las escenas con estos peculiares personajes; que además sirvieron para crear el resto de animales que vemos en la cinta, recreados por computador. Pero el hecho de tocar el tema del medio ambiente, realmente fue tomado en serio, para las directivas de la película e incuestionablemente asumieron las medidas necesarias para no dejarlo en el plano superficial. Entre las acciones que realizaron fueron: plantar 2050 árboles durante todo el rodaje, imprimir los guiones por ambas caras, regalar bicicletas a toda la producción para que hicieran menos uso del carro, vender el acero con el que realizaron el arca, cuyo dinero fue donado a una importante fundación y finalmente crear una página (http://www.getonboardnow.org/) en la que la gente puede comprar y plantar árboles entre otras. Algo para reconocer y que los deja bien “plantados”. De paso ahuyentan las críticas, que no se han hecho esperar en las demás cintas que han tocado el tema para crear conciencia en los demás, pero han sido “inconscientes” en la producción.

Lamentablemente “Sigo como Dios” es una película para ver preferiblemente en casa y sin esperar mucho.

Lo que más me gustó de la cinta: Los detalles ecológicos de su producción

Lo que menos me gustó: la falta de momentos realmente cómicos.

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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

Lee Comentarios de Otros Bloggers sobre la película

Críticas de Loberto dice:

“….Por tanto, Sigo como Dios vuelve a desaprovechar una divertida idea de partida por su incapacidad de hacer un producto interesante para los mayores de seis años, y resulta una secuela a la altura de su primera parte: más o menos, cerca del suelo”.

Notas Desde el Lado Oscuro dice:
“… Fui al cine a divertirme y no en búsqueda de una película que cambiara la perspectiva de mi vida, sin embargo, salí defraudado”.


La vanidad es mi pecado favorito