Película Premoniciones – Buena pero en Casa


Calificación Cinevista:
Género: Suspenso
Director: Mennan Yapo.
Reparto: Sandra Bullock (Linda Hanson), Julian McMahon (Jim Hanson), Nia Long (Annie), Kate Nelligan (Joanne), Amber Valletta (Claire), Peter Stormare (Dr. Norman Roth)
Página Oficial: Ver Aquí
Duración: 1: 50 Min
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

SINOPSIS
La vida de Linda Hanson (Sandra Bullock) es perfecta hasta que recibe una devastadora noticia: su esposo Jim ha fallecido en un accidente de tránsito. Al despertarse a la mañana siguiente, Linda descubre que su esposo aún esta vivo. En un principio, Linda cree que el accidente ha debido de ser una pesadilla hasta que ocurre de nuevo. Algunos días Jim sigue a su lado cuando se despierta, pero otros debe enfrentarse a la realidad de haberse quedado viuda. Por alguna razón inexplicable, los días están desordenados. La traumática premonición de Linda, desencadena una serie de extraños sucesos que alteran el tiempo. En un intento desesperado por salvar a su familia, Linda lucha furiosamente contra el tiempo y el destino para intentar conservar todo lo que ella y Jim han construido juntos.

En las principales ciudades de Colombia se está presentando la tercera película de suspenso de la queridísima actriz Sandra Bullock después de “La Red” del año 1995 y “Tiempo de Matar” del 2000. Premoniciones o Siete días como se ha titulado en otros países de habla castellana, no logra poner de acuerdo a la crítica que la acusa de predecible y lenta en su trasegar.

Antes de escoger al director que finalmente realizó la cinta, fueron 35 los directores que tuvieron en sus manos el guión de esta película. Pero fue el director, actor y productor alemán Mennan Yapo quien tomó las riendas de Premoniciones, escogido tras su película “Soundless”, un thriller psicológico con características similares a las de su nuevo reto, que se convirtió en el año 2000, en todo un éxito taquillero en Alemania y fue aclamada por los críticos internacionales.

La película toca un tema que sin duda es muy interesante y causa por su realismo mucho temor, a parte de referirse a un fenómeno del que no tenemos mucha explicación lógica y que en gran porcentaje, es una historia del gusto del público. Estamos hablando de las precogniciones que su protagonista Bullock sufre de forma reiterativa. Las precogniciones son esa capacidad de ver hechos futuros con gran detalle; tal como sucede en la cinta, a diferencia de las premociones que son esas sensaciones o presentimientos que algo va a suceder, desconociendo que es realmente. Es por esto que la cinta motiva verla a simple vista.

Entrada ya en Premoniciones, no me molestó la forma como el director mezcla géneros como el drama y el romance con el suspenso; de hecho me pareció muy valido, interesante y que le agrega mucho más realismo a la historia. Pero el problema es que estos géneros no se delimitan claramente en la cinta, causando confusión y dejando que la esencia de la película; es decir, el suspenso, pierda su valor. Es fácil a lo largo del filme involucrarse sentimentalmente y tomar partido más con la parte humana de su personaje principal y su familia, que por los fenómenos tenebrosos que le ocurren a ella. Adicionalmente, para agregarle complejidad a Premoniciones, el guión se entremezcla en dos tiempos y genera una “maraña” que aunque parezca compleja guarda mucha simplicidad; pues como el lego para los niños, el director va dejando pistas con una cámara de mano asegurándose así, que el público los note. Sin embargo, lo que parecía complejo y simple a la vez, termina por enredar a Yapo, quien crea muchas escenas con fallos evidentes, situaciones ilógicas, alargadas y con cierto cliché innecesario.

Resalto también, la atmósfera de pueblo pequeño que se creó para la cinta rodada en Shreveport, Lousiana, como la buena actuación de Bullock que entendió a la perfección el peso que sobre sus hombres recaía, demostrando que si es buena para este tipo de género más allá de lo bueno o malo que resulte ser este filme. El cambio a una cámara de mano cada vez que Linda, interpretada por Bullock, sufría un evento extraño, está también a favor de este película, al igual que su estructura no lineal. 7 Días es una cinta que pienso es del gusto de los espectadores promedios que van a cine solo como medio de diversión y no desean percatarse o ahondar en los detalles adicionales.

Confieso que soy amante a este tipo de historias, pero fue un poco desilusionante su resultado final. No obstante, la película se deja ver gracias a la presencia de la adorable Bullock. Un recomendado más para disfrutar en casa con un género complicado de definir.

Lo que más me gustó: La estructura no lineal y la actuación de Sandra Bullock

Lo que menos me gusta: La dirección

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Depeco dice: “Extraña película, de las que hace algún tiempo no se ve en cartelera, entretiene y pone al espectador a pensar, a buscarle los detalles, a predecir qué va a suceder, a ordenar ideas”.

Megaline dice: “…el final es forzado y poco explicativo, lástima de cierre para un filme muy entretenido, especialmente si gustan de las películas de suspenso”.

Kaztelan dice: A mi juicio es una buena película sin llegar a ser excelente, suspenso y algo de ficción aborda un tema sujeto a juicio de interpretación y de creencias como las premoniciones.


Película Apocalipsur – Polémica e Irritante


Calificación CineVista:
Género: Drama, Comedia
Director y Guionista: Javier Mejía
Reparto: Andres Echavarría (Flaco), Maricela Gómez (Malala), Pedro Ochoa (Caliche), Ramón Marulanda (La Comadreja), Camilo Díaz (Pipe)
Página Oficial y Trailer: Ver Aquí
País: Colombia
Año: 2005
 

 

SINOPSIS
“El Flaco” huye hacia Londres debido a las amenazas dirigidas a su madre. Unos meses después regresa y encuentra a la ciudad igual como la dejó. Sus mejores amigos “Caliche”, “Comadreja” y “Malala”, junto con “Pipe”, un adicto a las drogas van a recogerlo al aeropuerto en su “Bola de Nieve”, una van que se ha convertido en el refugio de todos ellos y en la que han recorrido kilómetros juntos.

Inspirado en la desaparición de un amigo que viajó a Ginebra, Suiza, a estudiar artes sin que hasta ahora se tenga noticias de él, el director, guionista y comunicador social colombiano de este film , Javier Mejía, creó Apocalipsur como excusa para homenajear la vida de su amigo y recreó toda una historia alrededor de la Medellín oscura de finales de los 80s y principios de los 90s. Mejía, ganador del premio de periodismo C.P.B y el Premio Nacional de Cine, recibió aportes por más de 50.000 dólares para su posproducción y 6.500 de dólares más para su participación en festivales internacionales como los de Chile, Brasil, Estados Unidos, México entre otros, por parte del Ministerio de Cultura. De hecho esta película se presenta a los colombianos después de llevar un largo recorrido de exhibiciones a nivel internacional.

Apocalipsur, nombre con el que se denominó a la innumerable cantidad de asesinatos de jóvenes paisas (gentilicio de los nacidos en Medellín, Antioquia ) en la tierra del capo de capos Pablo Escobar, ocurridos entre 1989 y 1991, ha sido la película ganadora del 47º Festival de Cine de Cartagena, el más grande de mi país. Su elección es una de las más polémicas pues en palabras de los expertos, Apocalipsur es una cinta a la que “se ama y se odia” y que ha sido finalmente la triunfadora más por su temática que por reunir todos los elementos cinematográficos, por encima incluso de la taquillera “Soñar No Cuesta Nada” que se encuentra en estos momentos en las carteleras del cine español.

Así como la época de Hittler ha servido de inspiración a muchos cineastas, no podemos esperar cosa distinta con la Medellín en la época del narcoterrismo, para nuestros cineastas criollos. Y bajo ese orden de ideas, estoy muy de acuerdo con el apelativo con el que se sintetíza en buena parte el sentimiento que trasmite este filme a los espectadores. Apocalipsur es a lo largo de su metraje y lenguaje usado, una película ácida, cruda, vulgar, inquietante, a ratos fastidiosa e irritante, que intenta a través de una alta dosis de puro humor negro, anestesiar la forma tan escueta como su director nos narra esta violenta y triste historia. Yo les confieso que su temática me deprimió a pesar de su humor, como también la vida de sus personajes que es triste, lamentable y nos adentra en los más profundo de la bajeza humana.

Lo válido de este filme, sin duda, es la forma tan realmente distinta como se aborda el tópico de la Medellín narcotizada, que veía a Escobar como un “duro”, un héroe capaz de comprar a media Colombia y que ayudaba a los más desfavorecidos de su tierra, dándole así a esta película, un sello propio que pienso se debe reconocer y diferenciándola de otras cintas, como por ejemplo, las creadas por el también director colombiano Victor Gaviria con su “Rodrigo D”, “La Vendedora de Rosas”, entre otras. El grupo de cinco actores que hicieron parte de esta historia sin ser reconocidos agudizan esta tragicomedia cumpliendo a cabalidad su objetivo. Finalmente, estoy de acuerdo también con la crítica que menciona que Apocalipsur es más valida y fue reconocida más por el trasfondo de su historia que por su forma, pues los aspectos técnicos no son tan destacados como para hacerla el filme ganador del festival de cine colombiano más importante.


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Mata Moscas dice: “…
digo que a pesar de lo malo que resulta el sonido, por fin nos ofrecen una película distinta. Y buena. Al menos no hay más pum pum, ni ‘ángeles exterminadores’ como el de Vallejo y su Virgen de los sicarios, que mata por pura diversión. Y sí: hay droga, bombas que explotan, sicarios de escapulario, secuestros, caballos, whisky y traquetos, pero al menos son el telón de fondo y no el centro de la narración. Y lo que importa, en últimas, es que se cuenta una buena historia”.




Ases Calientes – Venganza a la Americana


Calificación de CineVista:
Género: Acción
Título Original: Smokin’ Aces
Director y guionista: Joe Carnahan
Reparto: Ben Affleck (Jack Dupree), Andy Garcia (Stanley Locke), Alicia Keys (Georgia Sykes), Jeremy Piven (Buddy ‘Ases’ Israel), Ray Liotta (agente Carruthers), Ryan Reynolds (agente Messner), Peter Berg (‘Pistrol’ Pete Deeks), Taraji Henson (Sharice Watters), Chris Pine (Darwin Tremor), Martin Henderson (Hollis Elmore), Joseph Ruskin (Primo Sparazza)
Página Oficial:
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Países: Reino Unido, Francia y Estados Unidos
Año: 2006

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SINOPSIS
El jefe mafioso Primo Sparazza ofrece una generosa recompensa a quien liquide a Buddy ‘Aces’ Israel, un mago que va a testificar contra la mafia de Las Vegas. El FBI ve la oportunidad de usar al embaucador para atrapar a Sparazza y ofrece protección a ‘Budy’ al que custodiarán dos agentes en su refugio de Lake Tahoe. Cuando la comunidad de malhechores se entera del precio de la cabeza de ‘Aces’, una multitud de cazadores de recompensas, matones, bellas y sensuales sirenas traidoras y mafiosos salen a la caza.

Después de la exitosa película Narc del año 2002 que narraba la corrupción de un organismo policiaco y que hizo merecedor a su director, Joe Carnahan, al premio Espíritu en el Festival de Sudance, retorna con la cinta Ases Calientes del cual y al igual que la anterior, es su director y guionista. Narc fue una película obasionada por la críticos de reconocidas medios escritos como “The New York Times”, “Detroit News”, “The New Yorker” entre otros.

La anterior película de este director fue catalogada como un drama bastante complejo y con ese mismo apelativo podemos calificar esta nueva cinta. “La Última Carta” título con el que se conoce en mi país, es un filme cargado de información, con un ritmo endomoniadamente agil, frenético y con una acción al 100%. Desde el inicio, ya se hace inevitable el hecho de evocar cintas como “Pulp Fiction” de 1994 y las sagas de “Kill Bill” 1 y 2 de los años 2003 y 2004, ambas de Quentin Tarantino. Esto ocurre no solo por la intríngulis que esta maneja, sino por recursos como el humor negro y el gore que en ambos casos, quedaron tan bien delimitados y el uso fue tan suprementamente sutil que nunca llegan hacer incómodos para el espectador; de hecho, le brindan un condimiento más a esta película cargada de muchos elementos a la vez. No soy la única que al ver “Smokin’ Aces” ha recordado los filmes de Tarantino, pero si son muy pocos los que valoran el hecho de que el director se haya atrevido a sacar su propia versión del género tarantinesco y por tal razón lo ven como una copia más. A mi particularmente me gustó mucho por que convirtió a La Última Carta en una venganza a la americana muy bien elaborada y nos enseña que introducir el recurso gore de forma sutil es valido para quienes no somos tan gustosos de el.

Por otra parte rescato mucho la forma como el director nos cuenta la historia; él arma toda una maraña en la que involucra a una infinidad de personajes con los que enriquece la trama, personajes unos más famosos que otros pero con un perfil muy bien marcado y trabajado. Desde los experimentados Andy García, Ryan Reynolds, Ray Liotta, Jeremy Piven hasta la novata y cantante hip-hop Alicia Keys gozan en términos generales de buenas interpretaciones. Nada mal el debut de Keys por cierto. Cosa diferente con Ben Affleck a quien ni menciono pues su aparición en el filme es poca y definitivamente no me convence. A propósito de Piven quien interpreta a Body, debió ser entrenado por un experto y para ello contaron con la asesoría de un ilusionista escocés R.Paul Wilson e incluso como parte del entretamiento fue integrante de uno de los shows más populares de Hollywood en el Club “The Magic Castle”. Gracias a esta ardua preparación, podemos disfrutar de escenas reales en las que este actor nos muestra su habilidad adquirida con el manejo de las cartas. El montaje y fotografía también son aspectos a destacar de la película. El rodaje guardó su magia al filmar en Lake Tahoe, un inmenso y cristalino lago ubicado entre California y Nevada y que fue además escenario de Coppola en la película El Padrino II, como también lugar de esparcimiento de Sinastra y sus más íntimos amigos. Lo grandioso de la cinta es que a pesar de armarse todo una trama enredadísima con la que a veces se trata de confundir al público, al final no decepciona, pues con la inmensa facilidad con la que las abuelas desenredan los hilos de una costura, Carnahan nos devela el final con un increíble factor sorpresa.

A pesar de que se hace uso de muchos aspectos vistos en otras películas, esta historia goza de mucha autenticidad, es notoria la huella que le quiso imponer e imprimir su director. Una película que recomiendo para aquellos amantes al género políciaco y de acción. Ojalá se la vean más de una vez para disfrutarla y entenderla mejor.


Lo que más me gustó de la cinta: la trama y la dirección.

Lo que menos me gustó: la carga de información puede resultar excesiva y un tanto agobiante para el espectador, generándole vacíos sobre todo por su ritmo. Pero por sugerencia les digo que por este aspecto no se deben guiar cuando la vayan a ver.

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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Pareja Remoto dice: “…cuenta con un reparto espectacular, donde da rienda suelta a su virtud audiovisual para deleitarnos con una sarta de tiros digno del mejor Sam Peckinpah o el gran Guy Ritchie, una mezcla de los dos. Pero no solo es esa la unica virtud de esta pelicula (aunque si la más destacable)”.

Tresblau dice: “Al fin pude ver esta tremenda película de acción, muy entretenida. No tenía mucha publicidad pero si buenas críticas y la verdad no defraudó”.


Película Exterminio 2 – Historia Floja con buena fotografía


Calificación de CineVista:
Género: Terror, ciencia-ficción
Título Original: 28 Weeks Later
Diretor: Juan Carlos Fresnadillo.
Reparto: Robert Carlyle (Don), Rose Byrne (Scarlet), Jeremy Renner (Doyle), Harold Perrineau (Flynn), Catherine McCormack (Alice), Imogen Poots (Tammy), Idris Elba (general Stone), Mackintosh Muggleton (Andy)
Página Oficial: Ver Aquí
País: Reino Unido
Año: 2007
Trailer: Ver aquí
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SINOPSIS
La película arranca seis meses después de que el virus ha asolado Gran Bretaña. El ejército de los Estados Unidos declara que la guerra contra la infección ha sido ganada y que la reconstrucción del país puede dar comienzo. Con el regreso de una primera oleada de refugiados se produce la reunión de una familia que se vio separada por los terribles acontecimientos que se produjeron, aunque uno de sus miembros porta, sin ser él consciente, un terrible secreto. El virus todavía no ha desaparecido y esta vez, es aún mucho más peligroso.

Después de 4 años esta en la mayoría de pantallas de nuestro país la película “Exterminio 2” o “28 Semanas Después” secuela de la cinta “28 Días Después” un thriller que aterrorizó medio mundo marcando un éxito importante de su tiempo y el regreso al género de los zombies que sirvió, además, de inspiración para otros filmes más.

Crear una segunda parte de esta película era algo esperado, pues la primera nos presentó una historia que en su parte final nos dejo muchos interrogantes que valían la pena ser resueltos en otra cinta. “28 Días Después” fue un filme que me gustó mucho pues reunió varios aspectos interesantes: una muy buena historia, peculiarmente novedosa a través de un género renovado. Es decir que representaba no solo por la taquilla sino por la historia, un punto de referencia bastante alto. Por tal razón, la producción asume el riesgo primero de cambiar el director, dándole la oportunidad al español Juan Carlos Fresnadillo, un prometedor cineasta que se dio a conocer internacionalmente gracias a su nominación en los Oscar por el cortometraje “Esposados” del año 1997 y posteriormente por su ópera prima la película “Intacto” ganadora del premio Goya en el 2002 y segundo, la implementación del discutible elemento gore. Un elemento que no es del disfrute de todo público pero que se trae a colación en la cinta excusados bajo el género de esta.

Fresnadillo cumple en buena parte los objetivos primarios de “28 Semanas Después”: impacto, tensión, un ritmo continúo, muchas escenas bien logradas, una ambientación impresionante y la utilización de una música que ayuda en cada uno de estas características. El resultado de todos los elementos que incorporó este director dan como consecuencia un filme que es incómodo, brutal y agresivo visualmente para el espectador que casi en su totalidad se grabó con cámara de mano y que como ya lo hemos dicho, permite meter aún mas al público dentro de la historia. La creación de un ambiente apocalíptico junto a una atmósfera raída son muy bien llevados a cabo, generando en efecto terror y espanto tan solo por imaginarse una realidad semejante y es mi caso lo que se convirtiría en el mayor atractivo de la cinta.

Desafortunadamente, la historia en esta oportunidad no es tan poderosa y por tanto goza de unos vacíos, de falta de cohesión e incoherencias increíbles que le restan credibilidad e importancia al trabajo bien realizado de su director que sale avante con esta segunda parte. Solo criticable por el excesivo uso que le dio al elemento gore que cansa, hastía y confunde. 28 Semanas Después por tal razón no es para todo tipo de público y en esta ocasión si se quiere disfrutar de esta secuela, se debe ver desde la perspectiva netamente visual y obviar todo lo demás. Es aceptablemente entretenida.

Lo que más me gustó de la cinta: La ambientación y fotografía

Lo que menos me gustó: la historia


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Cine en el sofá dice:El guión me parece que flaquea por los extremos. Resumiendo, apocalíptica película sobre como un virus arrasará la Humanidad por no sabemos qué motivo. Mucha salsa de tomate que diría mi suegra, algunos sustos, y un guion a la altura de una resecuela. No me ha gustado”.

Amnesia Compartida dice: “la banda sonora (OST) de esta película, muy ajustada a la desolación de un Londres desierto tras el virus de la furia que infecta a Reino Unido y lo deja completamente despoblado”.

Curioso pero cine dice: “La película empieza con acción, sigue con acción y acaba con acción. Y no cansa. La secuencia inicial es magistral. Aunque fuentes cercanas me han comentado que lo de correr por campo abierto y ser atacado por todos los flancos es una idea “muy Fresnadillo”.




Blogger Nacional: Y El Ganador Fue…



El día de ayer se dio a conocer el ganador del concurso realizado por la Revista Semana “El Blogger Nacional”. El contundente ganador ha sido el blog Tienen Huevo, dedicado a la crítica irreverente de tinte político, que a la final obtuvo 1683 votos en las casi tres semanas de concurso. Por otra parte les cuento que CineVista se ubicó en el séptimo lugar.

Les confieso que no tenía planeado hacer mayores comentarios al respecto aparte del dar a conocer el resultado final de CineVista y mencionarles por ende, el ganador. Pero me enteré de una noticia muy lamentable para mi, que se une a varias inconformidades con la Revista Semana, gracias a la forma como desarrollaron la mecánica del concurso. Debo comenzar por decirles que el ganador no fue un blogger, tal como este concurso fue llamado, el ganador fue un blog, ya que Tienen Huevo es una página alimentada por 12 personas. Un hecho sin duda irracional e injusto para quienes se dedican solos – incluyo ahí a CineVista -, a realizar la ardua labor de subir contenido permanentemente. En tal caso, debieron existir dos categorías: una para los bloggers con página individual y otra para los bloggers con páginas colectivas, o haber sido lo suficientemente claros en determinar si el ganador era un BLOG o un BLOGGER, dos aspectos que aunque van de la mano el uno del otro, son totalmente distintos. Es decir, que no fui abatida por 6 bloggers ubicados delante de mí, sino por 18. Si este aspecto hubiese sido aclarado, CineVista por simple ejercicio matemático no hubiese entrado a participar. Con respecto al digno ganador y rival, pregunto: ¿A quién le repartirán el premio? (Una palm), ¿A quien de los 12 le permitirán escribir?. Aclaro antes de proseguir, que mi crítica e inconformismo no va dirigida al blog ganador, ni mucho menos, a quien por cierto doy mis FELICITACIONES.

Por otra parte, el pasado jueves, a tan solo 3 días del cierre de las votaciones, los 16 finalistas fuimos invitados a un Chat de la revista para tener la “oportunidad” de dar a conocer por qué debíamos ganar y porque además especificaban que las votaciones entre el primer y segundo puesto estaban muy cerradas. EL resultado final, para nada refleja tal condición, pues la relación de votos entre el primer y segundo puesto fue por más del doble (1683/ 772), además ni siquiera hubo diez personas distintas a los concursantes como para pensar que lo que se habló en tal chat fue determinante para tal diferencia. Por cierto, un chat muy mal moderado, cuyo efecto para el concurso fue cero, nada se habló verdaderamente comprometedor y contundente para las aspiraciones de cada blogger. Para rematar, la fecha de cierre era el pasado domingo 9 de septiembre y se pudo seguir votando, sin ningún previo aviso, hasta el siguiente martes, 11 del presente mes.

Todos estos hechos son reflejo de un desconocimiento casi total acerca de este maravilloso mundo, es reflejo de una inmensa improvisación, de falta de seriedad, de falta de dedicación, de investigación y de respeto con los participantes que nada refleja lo que conocemos como la revista más importante de nuestro país. Una lástima porque estos espacios podrían impulsar más el fenómeno cultural en que se han convertido los blogs. Este ejercicio hecho por la revista Semana solo será importante si los demás medios e incluso ellos mismos toman los correctivos necesarios y se dan a la labor de ahondar más acerca de la blogesfera.

Desde el jueves tras el Chat, yo particularmente tuve una inmensa decepción, pues quien moderó dio señales de desconocimiento y de falta de organización con las que quedé con muy pocas ganas de enfilar las listas del concurso. Además, ante las insistentes preguntas acerca del manejo del contenido de la páginas: la propia y la nueva, de cambio de plataforma, etc., que no fueron contestadas a entera satisfacción, ya se hacía suponer este confuso final.

P.d. Este mensaje fue enviado al contacto de la Revista Semana.

Les dejo una crítica respecto a este tema hecha en forma de podcast por el colectivo Blogotemático, quienes periódicamente publican interesantes podcasts acerca de la blogesfera.


Película Paranoia – Disturbia. No irrita pero tampoco encanta


Calificación CineVista:
Género: Thriller
Título Original: Disturbia
Director: D.J. Caruso.
Reparto: Shia LaBeouf (Kale), David Morse (Turner), Sarah Roemer (Ashley), Carrie-Anne Moss (Julie), Aaron Yoo (Ronnie)
Página Oficial: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

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SINOPSIS

Después de la muerte de su padre, Kale se convierte en un chico silencioso, retraído y perturbado hasta el punto de que el juez ordena su arresto domiciliario. Las paredes de la casa empiezan a oprimir a Kale, que acaba convirtiéndose en mirón a medida que empiezan a interesarle los pequeños acontecimientos que puede seguir desde las ventanas de su casa. Sospecha que uno de sus vecinos es un asesino en serie.

Hay tan poco que decir acerca de esta cinta que resulta dificil para mi darle un buen inicio a esta reseña. Paranoia o Disturbia se inspiró en la legendaria película “La Ventana Indiscreta” del maestro del suspenso Alfred Hitchcock del año 1954, quien hace en este filme una verdadera cátedra de cómo mantener el suspenso y entregar el mejor factor sorpresa basado en la temática del voyeurismo, tópico que además, ha inspirido unas cuentas cintas más.

El título de este filme, bien escogido, nada refleja lo que finalmente resulta ser Disturbia. Por este aspecto y por la base de donde partió, yo espera mucho, pero realmente mucho más; de hecho después de haberla visto, pienso que es un absoluto desacierto haber mencionado este factor inspirador. Paranoia es una película con una abrumadora simpleza, sin nada de pretensión y con una historia llena de varias temáticas alrededor del eje central. Resulta poco profunda, convirtiéndola por tal motivo en predecible y a veces un tanto aburrida especialmente en su desarrollo. Pareciera que su director tomó el manual de cómo hacer un thriller e intentó llevar a cabo cada paso pero sin éxito. Así pues podemos ver momentos de falsa tensión, escenas flojas de pánico con momentos de “sustos” creados a la fuerza, con un toque cómico y baladí que hace que la cinta pierda su real sentido, con algunas incoherencias en el tiempo, que a su vez se combinan; vale la pena resaltar, con una que otra escena realmente bien montada y diseñada, que son las que la hacen soportable por fortuna.

El target de esta película es para adolescentes e incluso me permitiría dudarlo, pues en ocasiones me resultó muy infantil. Así lo confirman sus protagionistas, encabezado por el que parece ser el jóven de moda tras su papel protagónico en Transformer, Shia Labeouf y quien soporta casi todo el peso de la cinta. Particularmente considero que no lo hizo mal, pero me sorprende la generosidad de apelativos con las que en un porcentaje importante, se califican las actuaciones de este actor. Igual opinión tengo de Carrie-Anne Moss, recordada por su papel de Trinity en la trilogía Matrix, pues no le suma ni le resta a la película, tal vez no fue su intención y si se le hubiese dado una mayor relevancia a su personaje dentro de la historia, probablemente la película hubiese tomado otro rumbo. Es una lástima lo sucedido con este filme, pues tiene un inicio arrollador que logra atrapar y tensionar al espectador a los pocos minutos de comenzada, haciendo crear la falsa esperanza de que la película va prometer. Paranoia no aburre del todo, se deja ver, pero tampoco encanta.

Lo que más me gustó de la cinta: Su inicio

Lo que menos me gustó: su desarrollo

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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

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Sin pelos en la lengua dice: “Como era de esperar, Disturbia carece de toda la magia y la profundidad de la película de Hitchcock para convertirse en una película de adolescentes más..”

Cine de horror dice: “Lo Bueno: Buenas actuaciones, excelente manejo de la tensión durante su parte final. Lo Malo: Demasiado predecible, demasiadisisimo. Lo Feo: Que ver al protagonista me recordaba ese bodrio de ”Transformers”, ojala nunca hubiera visto esa horrible película”.

La consulta del doctor mandingo dice: Cuando fui a ver Transformers al cine vi el trailer de esta película, y me llamó la atención. No sólo porque parecía una mala copia de “La ventana indiscreta” sino porque además la protagonizaban adolescentes. Estas cosas al final suelen resultar en películas de muy baja estofa, y esta no es una excepción. Si vas a ir a verla, no esperes demasiado de ella…”


Película Zodiac – Mucha dualidad


Calificación CineVista:
Género: Suspenso
Direcctor: David Fincher.
Reparto: Jake Gyllenhaal (Robert Graysmith), Robert Downey Jr. (Paul Avery), Mark Ruffalo (detective Dave Toschi), Anthony Edwards (detective William Armstrong), Brian Cox (Melvin Belli), Elias Koteas (sargento Jack Mulanax), Donal Logue (Ken Narlow), John Carroll Lynch (Arthur Leigh Allen), Chloë Sevigny (Melanie), Dermot Mulroney (capitán Marty Lee)
Página Oficial: Ver Aquí
País: Estados Unidos
Año: 2007
Ver Trailer: Aquí

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SINOPSIS
Thriller sobre el famoso “Asesino del Zodíaco”, un asesino en serie que entre los años 1966 y 1978 asesinó al menos a 37 personas en San Francisco, centrándose la historia en las pesquisas de 3 detectives que intentaron darle caza.

Está en la cartelera colombiana la quinta película del talentoso director David Fincher, después de sus dos mejores obras: “Seven” de 1995 y “El Club de la Lucha” de 1999, aunque esta última consiguió menos espectadores que la comentadisima “La Habitación del Pánico” de 2002 que a pesar de ser interesante, no logra superarla. En esta oportunidad trae de regreso el género policiaco basado en hechos reales contado con una perspectiva muy distinta a lo usual, poniéndole así un sello que ya comenzamos a identificarle como propio.

Zodiac la película que tomó alrededor de 5 meses su rodaje, se basó en términos generales en el caso del “Asesino del Zodiaco” para realizar la trama. Este fue un personaje que asotó a California del norte en la décadas de los 60 y 70 que causó mucho revuelo por la forma de asesinar y el interes particular por hacerse famoso, pues envió a diversos medios escritos 4 criptogramas con pistas sobre su identidad, que por cierto, hasta el día de hoy, 3 de ellos no han podido ser develados. Uno de estos medios fue San Francisco Chronicle en el que trabajó Robert Graysmith, un dibujante caricaturista que se interesó y se involucró sobremanera en este caso, a tal punto que lo llevó a escribir dos libros, uno “Zodiac” del año 1986, que en poco tiempo se convirtió en un super éxito y en un clásico del crimen policiaco real y el otro “Zodiac Unmasked” de 2002. Sobre estos dos libros especificamente se centra la historia de esta película.

Como podrán imaginarse quienes conocen, vivieron la época o recuerdan del caso, es mucho y nada lo que se tiene acerca de este asesino. Mucho por la cantidad infinita de documentación que se ha obtenido y nada porque hasta el día de hoy, no se reconoce un verdadero responsable detrás de los homicidios. De hecho, hasta marzo de este año la policia reabrió el caso después de 4 años de inactividad al respecto. Y justamente ese “todo y nada” al que me refiero, es lo que finalmente le ocurre a esta cinta y se vuelve a mi parecer el lema que mejor la describe. El TODO de Zodiac está en la presencia de su director que nos logra regalar escenas bastante tensas, oscuras e impactantes, está en lo acertado de su ambiente sobrio y siniestro, está en la forma como claramente se delimitan los momentos de mayor tensión y suspenso, está en sus personajes que fueron muy bien manejados tanto en su concepto creativo como en el perfil psicológico que se desarrolló para ellos, está en el visión que su director le dio a la cinta al centrar su historia no en el asesino en si, sino en el retrato de la obsesión de quienes mueren por atraparlo y está también, en el reconocimiento al inmenso trabajo documentativo que se realizó para desarrollar la cinta, muy apegada a la realidad y que además Fincher se encarga de hacernosla notar escena tras escena.

Pero como el todo o NADA refleja indudablemente una dualidad, pues es ahí en donde la película falla. Zodiac tiene un inicio que atrae al publico casi de inmediato, pero al pasar de sus largos minutos se vuelve tediosa, muy argumentativa con algunas escenas poco explicativas, que lleva lo sobrio al extremo, es pesada, con una intención clara y ganas exageradas por contar detalles que terminan por saturar al espectador gracias a una excesiva carga de información y por finalmente por su duración caprisocha de 2:33 min.

Zodiac es un filme que sin lugar a dudas se deja ver por las cualidades de su director, aunque esta no sea su mejor película. Hay que disfrutarla alejándose del precedente que él mismo impuso en las obras que al inicio mencionaba, “Seven” y El Club de la lucha”. Y una razón más es porque ha logrado dividir la opinión; algunos que como yo la desvaloran y otros que por el contrario la tildan de obra maestra. Juzguenla ustedes mismos!!!

Lo Mejor de la cinta: La dirección

Lo peor: La duración

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.
Lee Comentarios de Otros Bloggers sobre la película

Cinerama dijo: Z
odiaco es sin duda el material perfecto para que Fincher (’Fight Club’) demuestre como ha evolucionado su trabajo como director a pesar del tiempo que se ha mantenido alejado del cine ya que su última película ‘Panic Room’ fue hace algunos años atrás”.

Uruloki dijo: “Considero que esta película peca de tener un flojo guión … y sólo se salva gracias a la labor en la dirección del propio Fincher y el fenomenal hacer de los actores en particular Mark Ruffallo y Robert Downey Jr”.

Película Water: Con sentido de denuncia – Reseña


Calificación CineVista:
Género: Drama
Director: Deepa Mehta

Reparto: Seema Biswas (Shakuntula), Lisa Ray (Kalyani), John Abraham (Narayan), Sarala (Chuyia), Manorma (Madhumati), Waheeda Rehman (Bhagwati), Kulbushan Kharbanda (Sadananda), Raghuvir Yadav (Gulabi), Vinay Pathak (Rabindra), Ronica Sajnani (Kunti)
Países: Canadá e India

Año: 2005
 

SINOPSIS
La historia transcurre en 1938, en la India colonial, en pleno movimiento de emancipación liderado por Mahatma Gandhi. Se celebra una boda que bien podría ser un entierro: casan a Chuyia, una niña de 8 años, con un moribundo que fallece esa misma noche. Se quema su cuerpo en la orilla de un río sagrado y Chuyia se prepara para el destino que han escogido para ella. Se le afeita la cabeza e ingresa en un ashram para viudas donde deberá pasar el resto de su vida, convertida en un altar viviente consagrado a la memoria del fallecido.

En el CineVisTAZO del 16 de julio cuando les hablada de lo que estaba en cartelera en México, destacaba dentro del listado esta cinta nominada al Oscar como Mejor Película de Habla No Inglesa 2007. También comentaba que hacía parte de una trilogía que inició su directora, Deepa Mehta en 1996 con “Fuego”, dos años más tarde con “Tierra” y ahora esta última, llevada a cabo siete años después, llamada “Agua”. Pero la distancia en la elaboración de su última historia se debió a circunstancias ajenas a su propia voluntad.

La trilogía estaba planeada para ser presentada en un lapso de tiempo entre uno y otra de dos años, pero cuando se realizó “Fuego”, la primera, Deepa recibió muchas inconformidades, quejas y reclamos del mayor líder del grupo fundamentalista hindú más fuerte de extrema derecha. Sin embargo, el proyecto siguió su curso y generó “Tierra” dos años más tarde. Las presiones continuaron y aún así, en el 2000, comenzó el rodaje de “Agua” con todos los permisos requeridos por el gobierno de dicho país. La locación sentó sus bases en Varanasi, norte de la India, pero las amenazas se hicieron presentes de nuevo y un grupo de seguidores fundamentalistas, destruyeron y quemaron el estudio donde se llevaba a cabo el filme, además de amenazar a la directora y al grupo de actores. A este desafortunado suceso se le sumó enseguida, el intento de suicidio de uno de estos seguidores, motivo por el cual el gobierno retiró las garantías dadas a la producción y el proyecto fue suspendido. Tardaron cuatro años para encontrar y definir la viabilidad del rodaje en otro lugar y este fue Sri Lanka en donde prácticamente filmaron en secreto, en el lago más grande de la región.

Todo lo anterior nos lleva a decir de antemano que la película es un intento valiente por denunciar el abuso y maltrato hacia la mujer, dada la auto-interpretación que sus más importantes líderes han hecho de sus textos sagrados, transmitiéndolas a sus fieles seguidores de generación en generación. Muchas han sido las guerras lidiadas entre los humanos por el factor religioso y lo sucedido a esta producción tras la denuncia de Deepa no es la excepción. Las religiones tienden a unir a los pueblos, pero también los separa con un odio y sin razón asombrosos. Aunque la película está ambientada en la época en la que Ghandi vivía su mayor apogeo (1938), acorde al último censo realizado en la India en el 2001, las cifras de mujeres viudas sacrificadas por este flagelo es alarmante.

La polémica desatada inicialmente en dicho país sobre este tema, es un aspecto que se ha transferido a la esfera internacional gracias a Deepa y ahora nos solidarizamos con ese sentimiento de compasión al que ella hace referencia en una de sus tantas entrevistas: “Quiero transmitir la importancia de despertar compasión”. Y pienso que lo logró en esta última cinta, que a propósito ha sido catalogada, la mejor de las tres.

A pesar de la notoria auto-crítica y reflexión que Deepa hace de los textos sagrados, el filme guarda una armonía absoluta. Mantiene una fragilidad y emotividad generosísimas con el espectador, que más que llenarlo de ira, rabia y dolor, lo dirige a la inminente reflexión desde un punto de vista humano, conmovedor, amoroso y hasta tierno, gracias a la incorporación de una niña de poca edad, con una inmensa capacidad interpretativa, que nos atrapa con su dulzura y espontaneidad desde un inicio.

Aunque la historia es profunda y lamentable, la fortaleza de su fotografía hace que el corazón del público no se comprima del todo, lo que me parece muy interesante en la propuesta de esta directora ya que la cinta, por esta razón, no se vuelva un ejercicio doloroso y depresivo, sino más bien, lo convierte en un espacio para la misericordia y comprensión, que nos va develando inteligentemente en cada una de sus imágenes. En cuanto aspectos técnicos y como les decía, la fotografía de la película es bella, cargada de imágenes que refrescan el drama y apoyan la historia amorosa que viven sus personajes. También está la música que resulta hermosa y apropiada.

Se las recomiendo.

Lo Mejor de la Cinta: La historia,  la actuación de la niña Sarala y la sutileza de la directora para presentarnos su inconformismo.

Lo que menos me gustó: Algunas escenas (muy pocas) carecen de lógica.

¡Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

Homenaje al Cineasta Jaime Osorio Gómez


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Ayer 3 de septiembre se cumplió un año del sentido fallecimiento del director, actor, libretista y productor Jaime Osorio Gómez, más conocido como “El Mono Osorio” quien nos dejó quizás, el legado más importante en la historia del cine colombiano. Su ópera prima “Confesión a Laura” del año 1986 recibió varios premios en Festivales como el de Cartegena, el de Huelva entre otros y ha sido considerado el filme mejor terminado de nuestro cine nacional.

Por tal razón y como homenaje, su hija Talía Osorio y su novio Emilio Orson Díaz realizaron un documental que fue presentando en el 47º Festival de Cine de Cartagena y en el que se reúne en muy buena forma el paso del “Mono Osorio” por el maravilloso mundo de la cinematografía. Son 18 minutos aproxidamente, que bajo la perspectiva de quienes lo rodearon: actores, directores, escritores, familia y amigos nos hacen una agradable narración de su carácter y las obras más destacadas

Sergio Becerra, profesor y crítico de cine en una completísima biografía sobre Osorio decía: “Pocos individuos reúnen en sí mismos los distintos engranajes de la creación cinematográfica. Pocos también los destinos que se confunden con los de un proceso en gestación; de la aventura artesanal a la semilla de una industria naciente. En esa tortuosa vía de la pasión al raciocinio, son las de este personaje y del cine colombiano trochas que convergieron en un mismo camino”.

Los invito a ver el documental en la siguiente dirección: http://orsondiaz.blogspot.com/2007/09/1-ao.html y si quieren conocer la biografía completa lo pueden hacer en: Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano.


¡El mundo es muy grande! Imposible que no pueda encontrar algo para mí