CineVistaZO #2 – Próximos Estrenos en España


1. Chuecatown
Género:
Comedia
Director: Juan Flahn
Reparto: Pepón Nieto (Leo), Pablo Puyo (Víctor), Concha Velazco (Antonia), Rosa María Sardà (Mila), Carlos Fuentes (Rey), Eduardo Soto (Luis)
País: España
Año: 2007

Sinopsis: Cuenta la historia de Víctor, un hombre encargado de una inmobiliaria en el barrio de Chueca en Madrid. Lo curioso de su historia es la forma poca usual para conseguir los “pisos” que posteriormente ofrece a sus clientes.

A propósito de la celebración anual del “Día del Orgullo Gay” ocurrida la semana pasada, llega este viernes a la pantalla gigante española esta película, con mucho acerca de este tema y con algo de tinte político. Es el estreno de su director dentro de este nuevo rol, pues se le conoce en este país más como escritor y guionista. Esta comedia negra se basó en los cómics del mismo nombre, pero a la cual se le hizo una rotunda adaptación conservando tan solo el nombre de la cinta y el nombre de sus personajes.

Mi Opinión: No sé si al final resulte tan buena, pero la “supuesta” irreverencia de su tema, seduce verla.

2. El ritmo salvaje (Stomp the Yard)
Género: Musical, Drama
Director: Sylvain White
Reparto: Columbus Shor (Dj Williams), Meagan Good (April), Ne-Yo (Rich Brown), Darrin Henson (Grant)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: Dj Williams es un chico con muchos problemas donde actualmente vive, Los Ángeles, por esa razón se ve obligado a trasladarse de ciudad a estudiar. Escoge Atlanta como su nuevo sitio para cambiar su vida y ahí conocerá un ritmo antiguo llamado “Stepping” que lo apasionará y le hará asumir nuevos retos.

Esta película le apuesta básicamente al baile y a dar a conocer este antiguo estilo afroamericano para conquistar a su público. Lo más curioso de la cinta es la escogencia de su protagonista, un coreógrafo americano que permitió hacer las escenas de baile sin ningún tipo de truco, aunque ya había hecho pequeñas apariciones en algunas cintas y programas de televisión en su país.

Mi Opinión: Los musicales no son mi predilección y esta cinta no me atrae en lo más mínimo.

3. Jindabyne
Género: Drama
Director: Ray Lawrence
Reparto: Laura Linney (Claire), Gabriel Byrne (Stewart), Debora-Lee-Furness (Jude), John Howard (Carl).
País: Australia
Año: 2006

Sinopsis: Un grupo de amigos acostumbrados a ir a Jindabyne en Australia para realizar la pesca anual, sufre un inesperado suceso al encontrar el cadáver de una muchacha. La reacción inesperada que toman frente a este descubrimiento traerá sus consecuencias.

Una gran expectativa genera esta cinta que ha sido premiada y exhibida en distintos festivales con notorio éxito. Entre los premios recibidos está el de Mejor Actriz y Mejor Banda Sonora en el Festival de Cine de Valladolid. Esta película se le reconoce como una auténtica cinta dramática.

Mi Opinión: Sin duda una cinta que espero ver. La sinopsis suena muy interesante y el trailer es también muy atractivo

4. El Final del Espíritu (End of the Spear)
Género:
Drama

Director: Jim Hanon
Reparto: Louie Leonardo (Mincayoni), Chad Allen (Nate Saint), Jack Guzman (Kimo), Christina Souza (Dayumae)
País: Estados Unidos
Año: 2005

Sinopsis: Unos misioneros viajan al Amazonas a visitar la legendaria tribu ecuatoriana Waodani. Su visita tiene como fin evitar la extinción que por ellos mismos se está dando, pero por desgracia esta violenta tribu ajusticia también a sus visitantes.

Esta película se basa en un documental que realizó este mismo director en el año 2002 y que a su vez se basó en una historia de la vida real que el mundo conoció en los años 50 y que por cierto, horrorizó a la humanidad.

Mi Opinión: La intención de llevar un documental a una película de ficción, más que reflejar la intención de querer mostrar su trabajo a más personas como se ha indicado, me suena más a cumplir un deseo de tipo comercial. Sin embargo, el colorido y lo vistoso de sus escenarios naturales anexos a una historia real, bien podría dar para verla sin aguardar en ella mayores esperanzas. El otro aspecto curioso es evaluar la similitud en cuanto a montaje con la última película de Gibson, Apocalypto, esta última realiza después.


Ratatouille: Le llegó el reemplazo a Stuart Little


Calificación:
Género:
Animación
Director: Brad Bird
Reparto: Voces – Patton Oswalt (Remy), Ian Holm (Skinner), Lou Romano (Linguini), Brian Dennehy (Django), Peter O’Toole (Anton Ego), Brad Garrett (Auguste Gusteau), Janeane Garofalo (Colette), Will Arnett (Horst), Julius Callahan (Lalo/François), James Remar (Larousse).
País: Estados Unidos
Año: 2007
 

Sinopsis: Remy es un ratoncito que sueña con convertirse en cheff nada más ni nada menos que en la reconocida cuna del buen comer, París. Pero dada su condición de ratón, éste será un sueño difícil de cumplir.

Pasados los estrenos esperados de películas como Spiderman 3, Los 4 Fantásticos 2, Shrek Tercero y Piratas del Caribe 3, que generaron grandes polémicas y dividieron la opinión tanto del público en general como de la crítica cinematográfica, llega RATATOUILLE, un filme animado que rompe todos estos esquemas y seguro globalizará los comentarios hacia ella.

Después de super éxitos como Buscando a Nemo, Cars y Los Increíbles, este último con el que su director, Brad Bird, ganó premio Oscar y junto a los estudios Pixar, guionistas en esta oportunidad, dieron origen a esta gran historia. De las historias que este talentoso grupo ha creado hasta ahora parte su primer acierto, pues ninguna de las películas antes realizadas se comparan a la anterior, haciéndolas únicas y absolutamente originales. Cada una de ellas, con inteligencia, habilidad y audacia han traído magia a la pantalla gigante.

Ratatouille no es la excepción a esto que parece ser ya una premisa dentro de este grupo. Son muchas las versiones que se han hecho acerca de este “espeluznante” animal”, poco querido por la mayoría de los humanos, pero a pesar de ese repudio, ratas, ratoncitos y/o ratones, han sido la inspiración de varias películas e incluso de innumerables cuentos; tal vez por su estrecho y desagradable acercamiento con nosotros. De este modo, podemos recordar historias como las de “Stuart Little” con el que el nos encariñamos profundamente y del que se hicieron dos películas, “Ratónpolis, y el “Ratón Pérez”, esta última argentina y ambas del año pasado.

Con este antecedente, y siendo un ratón de nuevo el protagonista, esta cinta en absoluto pierde su encanto. Ratatouille es impecable, su calidad es excepcional. Toda la película está llena de detalles altamente cuidados, con mucho colorido y una magia muy especial. Algunos críticos se han arriesgado a calificarla como “Obra Maestra” del cine animado y en realidad hay muchos elementos a su favor. Su historia es noble, bella y creativa. Toda la cinta es entretenida, con un humor sutil y apropiado. El realismo que se maneja en ella es de lo mejor. Es un placer disfrutar cada detalle de la cinta: las calles, los carros, la bicicleta, las motos, el vestuario, la comida y dejarse asombrar con el cabello de uno de sus personajes, sobre todo del color, el brillo y la textura (gran logro técnico).

La locación es otro de los aspectos muy bien pensados, por supuesto, escoger a Paris le ayuda a crear una atmósfera indicada para lo que pretende su protagonista, además de hacer la historia aún más pretenciosa, graciosa e impensable de ocurrir. Finalmente podemos mencionar sus personajes, pues cada uno físicamente es una copia muy bien calcada de su personalidad o lo que representan: el bonachón, gordo y barrigón, el malo o criticón, con su figura lánguida, el bueno, con ojos vivos, y así sucesivamente.

Desde su eslogan “cualquiera puede cocinar”, se desprende el derroche de originalidad y buenas ideas que se supieron culminar en esta bella cinta o, acaso, a quién se le ocurre que un ratón puede ser ese “cualquiera” que aparte de saber cocinar y el gusto por la alta cocina, deleite el apetito de los exigentes visitantes a estos restaurantes parisinos, es decir, el término “cualquiera” llevado al estricto límite de su significado.

Para lograr cada uno de los detalles mencionados, la producción cumplió varios retos como el de tomar más de 4.500 fotografías a París y elaborar más de 270 platos reales que después se fotografiaron. Ratatouille es una cinta para ver y disfrutar tanto grandes como chicos que con lo que hasta ahora hemos visto, podemos ir colocando en la lista de preferidas a los Premios Oscar en su categoría.

¿Será que con el ratón Remy, el reinado de Stuart Little terminó? Hasta ahora todo lo que se había hecho con este adorable – en las películas – animalito, no conseguía opacar la figura de Stuart, pero con la llegada de Remy creo que muchos lo olvidarán o al menos dividirán su corazón en dos.

Para concluir les dejo estas palabras que con gracia dice su director respecto a Ratatouille: “…Ahora tendré que aclarar a los niños que mejor empiecen como mascotas con ratas de laboratorio que con ratones de cloaca”.

 




CineVistaZO a la Cartelera Mundial


A partir de hoy daré inicio a una nueva sección en la que daremos un vistazo a la cartelera de cine mundial para enterarnos juntos de lo que se está viendo y/o se verá en los demás países. Espero les guste y a medida que avancemos le iré adicionando nuevas cosas. De todos modos si algo se te ocurre o tienes alguna idea o sugerencia, te invito a que nos la compartas.

CineVistaZO #1 – Cartelera de EE.UU.

1. Evan Almighty (Sigo como Un Dios)
Género: Comedia
Protagonistas: Steve Carell (Evan Almighty), Morgan Freeman (Dios)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: Evan Baxter es elegido al Congreso de Estados Unidos y se muda de ciudad junto a su familia. Allí Dios se le aparece para que cumpla una curiosa misión que pondrá a dudar a su familia acerca de su cordura.

Si esta sinopsis les suena parecida a alguna película ya vista, pues si, ésta es la nueva versión de Todo Poderoso o Como un Dios, como se le llamó en español, y que contó con la participación de Morgan Freeman y Jim Carrey en el año 2003. Esta película encabeza la lista de taquilla en Estados Unidos recaudando durante su semana de estreno 32 millones de dólares.

Mi opinión: Después del éxito con la anterior, espero verla.

2. Duro de Matar o La Jungla 4 (Live Free or Died Hard)
Género: Acción
Protagonista: Bruce Willis (John McClane)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: La infraestructura informática estadounidense sufrirá un golpe. El artífice de dicho plan tendrá que vérsela con John McClane (Bruce Willis).

Después de 12 años, se está viendo en pantalla gigante el retorno de la Jungla junto a su héroe policiaco John McClane, a la que desde ya, no se le descarta la posibilidad de elaborar una quinta versión, pero sin determinar cuándo será.

Mi opinión: No me anima.


3. El Atardecer (Evening)
Género: Drama
Protagonistas: Claire Danes (Ann Grant), Toni Collette (Nina Mars), Vanessa Redgrave (Ann Lord), Patrick Wilson (Harris Arden)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: Las hijas de una mujer deberán enfrentar la inminente muerte de su madre. Mientras tanto ella recuerda su etapa de la juventud junto al amor de su vida.

Esta película es una adaptación de la novela de la escritora Susan Minot que reúne entre su reparto a las reconocidas Meryl Streep y Glenn Close.

Mi Opinión: Suena interesante.

4. Sicko
Género:
Documental

Dirección: Michael More
Redgrave (Ann Lord), Patrick Wilson (Harris Arden)
País: Estados Unidos
Año: 2007

Sinopsis: Documental que critica el sistema de salud estadounidense.

De regreso en la esfera cinematográfica, Michael Moore, presenta en las pantallas gigantes este documental tres años después de su última cinta “Fahrenheit 9/11”, que le dio la vuelta al mundo y que por cierto se prepara su segunda versión para el 2008. El director ha dicho que la intención de esta nueva cinta es que la quejas de sus compatriotas llegan al congreso y para ello en la página web le permite a los norteamericanos subir sus vídeos con las quejas y opiniones.

Mi opinión: Para ver por irreverente y satírica como Borat.


El Arco: El silencio del cine con visión Contemporánea


Calificación:
Género: Drama
Director: Kim Ki-Duk
Reparto: Jeo Sung-Hwan (El Viejo Pescador), HanYeo-Reum (Muchacha), Seo Ji-Seok (Joven Pescador)
País: Japón y Corea del Sur
Año: 2005
 
 

Sinopsis:
Un viejo pescador se enamora de su protegida, una jovencita menor de edad. Ahora solo piensa en casarse con ella cuando cumpla la edad necesaria para hacerlo. 
 
Esta cinta comenzó su rodaje en enero del año 2005 y utilizó un barco real, relativamente pequeño, que se restauró para llevar a cabo la película, lo que representó todo un trabajo para su producción el realizar toda la adecuación pertinente y permitir que toda la producción, alrededor de 50 personas, ingresaran dentro de él. El Arco más que una película dramática como el género que prima, es una película mágica y fantasiosa que contiene el drama dentro de estos dos elementos.Y sí, analizándola a profundidad puedo asegurarles que la cinta toda está llena de una magia especial, dada por sus personajes y la música principalmente. Como al parecer es costumbre de su director surcoreano, reconocido ya en la esfera internacional, la carga de la historia se la llevan los dos personajes centrales quienes a través de la “ausencia de palabras”, se encargan de crear intensidad, drama, emoción y romance. Al existir esta ausencia de palabras, el ritmo visual se torna muy importante, y por ello el director se valió de recursos muy acertados como el mar, un barco, un arco (título del filme) y la música para darle continuidad. Son los objetos en este caso, los que le dan un sentido a la película. Además este aspecto hace compleja la historia que tiene, por cierto un montaje bastante básico.

La música por las razones anteriormente mencionadas, se impone dentro del filme, tanto así que uno como espectador, se acostumbra, se compenetra con ella rápidamente y hasta la extraña cuando no aparece en la siguiente escena. Pero retornando a la historia, esta película me conmovió por los pensamientos del supuesto “antagonista”, por la fragilidad e inocencia de los sentimientos que se develan ahí y por el giro en cierto punto inesperado y sorpresivo que la historia toma. Sí debo reconocer que en general el ritmo es muy analítico lo que la hace un tanto monótona. De hecho pienso que este es el punto que algunos críticos han tomado como principal referente para calificarla de regular. Sin embargo, de nuevo voy en contra de esto y en mi calidad de cinéfila, les diré que la cinta tiene a su favor la historia, pues es bonita, es creativa y casi como un cuento.

Otro de los aspectos desvalorados ha sido su desenlace, pues se aduce que el director exageró y dejó volar demasiado su imaginación, haciendo pensar a la crítica que quiso de repente darle un final. Ante este aspecto, considero que ese justamente es el elemento sorpresa que el director incorporó para dar giro a una historia con carácter casi monótono como lo explicaba. Aunque no es una película que gusta y conquista al público en general, yo sí les recomiendo esta cinta que es interesante, diferente, bella, poética, reflexiva y nos regresa al “silencio” del cine con una perspectiva contemporánea.

El Arco ha participado en varios Festivales con buen éxito como: El Festival de Cannes, el de San Sebastián y el Festival de Cine de las Palmas, entre otros. Para finalizar les regalo un pequeño aparte de una entrevista realizada a Kim Ki-Duk a propósito de este filme, en el marco del Festival de San Sebastián en el 2005:

· En su última película, El arco, volvemos a encontrar, como en Hierro 3 y La isla, a un personaje principal que no pronuncia palabra alguna, ¿qué papel juega el silencio en su cine?

Kim:Mis guiones originales incluyen siempre diálogos al principio. Luego, durante el proceso del rodaje, los voy omitiendo y sustituyendo por gestos o expresiones. Así, el público al verla empieza a crear los diálogos por sí mismo”.
 
· En el Arco hay un personaje que porta un objeto, un arco, con una carga tan simbólica como el palo de golf del protagonista de Hierro 3. ¿Qué función cumple para usted el simbolismo de los objetos en su obra?
 
Kim: Uso conscientemente los objetos para que los espectadores no vean sólo lo evidente o lo que sucede, sino también otra dimensión. En las películas de Hollywood se entiende todo al verlas una sola vez. En las mías no siempre sucede así, por lo que dije antes. Las segundas y terceras visiones siempre tendrán significados diferentes”.

(La entrevista completa en: http://www.cineismo.com/reportaj/kim-ki-duk.htm).




Los 4 Fantásticos: Irritantemente floja


Calificación:
Género: Ficción
Director: Tim Story
Reparto: Jessica Alba (La Mujer Invisible), Ion Gruffudd (Señor Fantástico), Chris Evens (Antorcha Humana), Doug Jones (Silver Surfer), McMahan (Dr. Muerte)
País: Estados Unidos
Año: 2007
 
Escucha Aquí, este Artículo:

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Sinopsis
En esta oportunidad los cuatro fantásticos deberán enfrentarse a Silver Surfer (Estela Plateada), quien vendrá a la tierra trayendo destrucción.

No se necesita ser un crítico profesional para poder adivinar de antemano que esta serie de películas de los 4 Fantásticos no son lo suficientemente atractivas. Yo puedo empezar por decirles que a mi particularmente su reparto no me llamaba la atención y así lo pude constatar. Justamente hace algunas semanas atrás, en una de las secciones de CineVista, comentada que, por ejemplo, Jessica Alba estaba en el ojo del huracán de la crítica norteamericana gracias al estreno esperado de este filme. Pues después de haber visto la última parte de los 4 Fantásticos, me temo que la crítica seguirá catalogándola como una niña simpática pero con actuaciones desafortunadas.

La película es irritante en muchos aspectos, por ejemplo, su guión es demasiado simple, tan simple que no vi el sentido de originar una historia para ser llevada al cine. Pienso que con el cómic creado por Stan Lee desde 1961 y las versiones para la pantalla chica que se han realizado, hubiesen sido más que suficiente. En cuanto a las actuaciones, habiendo hecho ya un abrebocas con Jessica Alba, les comento que en igual calificativo se encuentra el resto del reparto que no me transmitió absolutamente nada. Nada en las partes de acción y nada en la partes románticas.

Como todas las películas que conllevan a más de una versión, pues esta obviamente no se escapó en anunciar que traería mucho más drama, mucha más acción y mucho más romance, considerando que la primera quedó en deuda con su público en este aspecto, a pesar de haber tenido una buena taquilla relativamente, al recaudar en el 2005, 330 millones de dólares. Sin embargo, la acción a la que hacen referencia, yo la aprecié bastante limitada y los momentos en que aparece se cuentan con una sola mano y lo mismo ocurre con los demás elementos. Los efectos especiales no logran convencer, no son del otro mundo y para nada sorprendentes, de hecho conté dos escenas en las que claramente se ve que son una recreación hecha a pequeña escala. A este punto debo también decirles que en efecto, esta versión sí tiene cosas nuevas en comparación con la primera, lo que representan un atractivo para aquellos amantes de la misma. La aparición de Silver Surfer o Estela Plateada es una de ellas. Este personaje recreado enteramente en computador y copia exacta de su fuente en el cómic, fue el único atractivo para mi, aunque sin deslumbrarme. Otro aspecto “innovador” es que en esta oportunidad el panorama cambia y se verán escenas en otros lugares aparte de New York como sí ocurrió con la primera versión.

Aparte de todo lo anterior, la película recibió una advertencia “PG” dada por el comité de calificación de los Estados Unidos. Esta calificación cuyo significado en español es “Control de Padres Sugerido”, lo que indica es que no es apropiada para todos los niños. Este aspecto es un hecho desafortunado para la película, sin ninguna duda, pues justamente esta cinta con su argumento, solo puede conquistar a chiquitines entre los 7 y 10 años. Sin embargo, la película tiene la aceptación justa para considerar desde ya, realizar una nueva parte en el año 2009 con Pantera Negra, otro de los personajes del cómic. Digo esto, pues ya lleva 154 millones de dólares recaudados, de los cuales 54, se dieron en su primera semana de exhibición y aún falta por estrenarse en muchos países.

Esta película es para ver en casa, es aburrida y cuesta trabajo permanecer en la silla los 90 minutos que dura. Aclaro eso sí que me gustan y bastante, las películas hechas para niños. Pero no hay derecho, ni con el creador del cómic, ni con el cine y mucho menos con los niños, bastante desarrollados hoy día y acostumbrados a ver súper producciones, crear una película tan “irritantemente floja”.

Qué es lo Mejor: Silver Surfer.

Y lo peor: el guión y la actuación de Jessica Alba.

¡Buena Suerte!


Sophie Scholl / La Rosa Blanca: El Limite de la Convicción


Calificación:
Género: Drama
Reparto: Julia Jentsch (Sophie Scholl), Alexander Held (Robert Mohr), Fabian Hinrichs (Hans Scholl), Florian Stetter (Christoph Probst), Johannes Suhm (Alexander Schmorell), Jörg Hube (Robert Scholl), Petra Kelling (Magdalena).
Dirección: Marc Rothemund
País: Alemania
Año: 2005

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Sinopsis
Narra los últimos días de Sophie Scholl, quien sufrirá un duro castigo después de ser descubierta por el gobierno nazi en sus actividades de disidente pacífica.

Son muchas las películas que hemos visto sobre la oscura época del nazismo y que ha entregado innumerables elementos a los cineastas. De hecho, cada vez que una nueva versión aparece, pareciera como si estos elementos fueran interminables. Este es el caso de la película La Rosa Blanca o Sophie Scholl que indiscutiblemente es una extraordinaria historia de la vida real, lo que la hace aún más sorprendente e interesante. Esta cinta es profundamente emocional e impactante que logró sacarme varias lágrimas.

Sophie Scholl perteneció a un grupo anti nazi que basó sus principios en la libertad, la justicia y el cristianismo. Conformada inicialmente por cinco jóvenes universitarios en Munich. Entre sus miembros también pertenecía el hermano de Sophie, un profesor de ella que se unió más adelante y compañeros de clase. El éxito conseguido en el anonimato se vio opacado el 18 de febrero de 1943 cuando ella y su hermano son descubiertos por los nazis realizando sus actividades. De ahí parte la historia que Rothemund, su director, nos trae al cine de forma brillante y que ya había tenido un versión previa, pero la diferencia con su predecesora es que en esta oportunidad el director pudo utilizar las actas reales de su protagonista.

La película es sencilla, sin una producción extravagante, pero muy impecable en fotografía y argumento. Este último elemento supremamente esencial en lo que significa la historia. Los diálogos son muy trabajados y están muy bien definidos, además de ser extensos, determinantes, fríos y calculados, que además utiliza una música sensible que acompaña a Sophie en su corto, pero duro y triste “peregrinaje”. Ayuda también a generar suspenso, hacer aún más dramático los momentos de la película y ayuda a comprimir el corazón de quien la ve.

Esta es un película para ver, pues nos invita a realizar muchas reflexiones. Reflexiones sobre los límites de la convicción humana, el cumplimiento a cabalidad de nuestros ideales, la ausencia de egoísmo, la determinación, la tranquilidad, el valor, la causa y el efecto. Cada uno de estos valores los puede vivir con intensidad, quien ve la película y esto gracias a quien interpreta el papel de Sophie (Julia Jentsch). Ella ha obtenido varios premios en su país e internacionalmente, entre ellos, el Oso de Plata en Berlín. En términos generales las interpretaciones de su reparto son extraordinariamente naturales, moderadas y absolutamente creíbles.

Este es un súper recomendado para ir a disfrutar en Cine o alquilar, para quienes ya lo pueden conseguir de esta forma. Sophie Scholl se ha presentado hoy por hoy, en más de 20 festivales con gran éxito, obteniendo premios a Mejor Película, Director y Actriz Protagónica, también fue nominada a los Premios Oscar en el 2006 como Mejor Película de Habla No Inglesa, llevándose el Premio Totsi, película que se exhibió hace poco en Colombia. Ver la cinta es hacerle un tributo a esta jovencita que murió a los 21 años convencida de sus creencias y de producir un cambio. Por fortuna y gracias al cielo, a su vida y su inmensa convicción se logró.


Hostel II: Mejores Elementos pero no convence


Calificación:
Género: Terror
Director: Eli Roth
Reparto: Bijou Phillips (Withney)Lauren German (Beth), Heather Matarazzo (Lorna), Vera Jordanova (Axelle),
País: Estados Unidos
Año: 2007

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Muchos o, quizá, la mayoría de los aficionados al cine, sabrán que ver películas de Quentin Tarantino o apadrinadas por él son filmes cargados de escenas realmente sangrientas y de mucha crudeza visual, lo que además se ha convertido en su característica infalible. Pues entonces, la segunda entrega de Hostel no podría ser la excepción a esta filosofía “tarantinezca” que por cierto no es del agrado de todo el mundo. Así que quien vaya a ver esta película, deberá juzgarla considerando este aspecto.

A la primera parte, estrenada el año pasado, le otorgaría una calificación de regular, tal como sucede en esta última versión aunque aclaro que la cinta se apunta más hacia lo bueno que lo malo. La primera parte recordemos que se trataba de unos típicos jóvenes americanos, a quienes les gustaba divertirse y hacer las locuras de su inmadurez alrededor del mundo, es decir, los auténticos mochileros. De ahí nace la historia y se va desenvolviendo en un relato de horror, cuando ellos comienzan a vivir situaciones aberrantes que por su naturaleza llegan a generar mucho miedo entre los espectadores por el hecho de hacerlos pensar que esta situación no está lejos de ser un espejo de una realidad oculta para muchos, y me estoy refiriendo a los fenómenos del voyerismo, sadismo, los videos snuff, etc.

Este aspecto catapultó la primera parte, convirtiéndola en récord de taquilla durante la primera semana de estreno, pues recaudó $19.000.000 usd, además de convertirse en la película preferida americana durante el 2006. Por su parte, Hostel II continúa lo empezado durante la primera versión y ahonda en el origen de éstas terribles torturas y trata de personas. De hecho, una parte considerable del filme, Roth el director, se lo dedica a este aspecto. Casi 45 minutos de su parte inicial son dedicados a esta historia que no es de horror y que sirve de antesala para lo que después se convertirá en terror. Profundizar el argumento, hace que la historia se torne más creíble y mucho más interesante. A mi particularmente me gustó mucho.

Hostel II llevó la película un punto más allá que la primera y eso se logró y la enriqueció. La fotografía para este filme comenzó en Praga en el 2006 y se rodó en Francia y el norte de Islandia. Adicionalmente pudieron utilizar un Motel de Eslovaquia llamado “Big Sister”, conocido establecimiento de ese país pues ofrece una amplia gama de servicios gratuitos a sus usuarios, siempre y cuando permitan publicar en vivo a través de Internet lo que cada uno hace. Mientras que el Motel se lucra cobrando un rubro a todos aquellos que deseen ver los videos por la red.

Para esta versión a diferencia de la primera, Hostel II utilizó como protagonistas a mujeres y para ello se valió de algunas conocidas en la esfera internacional como Bijou Phillips (Withney), Heather Matarazzo (Lorna), entre otras. El cambió de sexo para este película se dio cumpliendo la premisa que película de horror que se respete debe tener la cara de una mujer horrorizada, que grita sin cesar y de forma espeluznante. Tal como lo dijeron algunas de ellas en entrevistas realizadas que tuve la oportunidad de leer, realmente lograron meterse dentro de cada uno de sus personajes, gracias a la escenografía creada y al rodaje en “Big Sister”, sitió que las impresionó, pues fue para ellas confirmar que realmente este fenómeno existe.

Finalmente, hablemos del discutible elemento “tarantinezco” que a mí particularmente en esta última versión se me hizo menos exagerado. Sí hubo momentos en que hizo su aparición, pero es un recurso infaltable e inevitable para su director y productor, pero en términos generales este elemento se restringió en gran medida. Así que verán mucho menos torturas pues como les decía, esta versión se basa principalmente en el origen de este fenómeno.

Ahora bien, se estarán preguntando a este punto, por qué entonces mi calificación de regular, si poco o nada la he desvalorado. Pues bien, aunque la película tiene muchos elementos a su favor y se trabajó mucho más que la primera, no me terminó por convencer. Su final aunque reconciliador con el espectador me dejó esperando algo más. El filme quedó en deuda conmigo.

Lo Mejor de la Cinta: La hipótesis entregada por su director al origen del fenómeno.

Lo Peor de la Cinta: Su final.

Sinopsis
Tres jovencitas que viven y estudian en Roma, son invitadas por una compañera de universidad a pasar un fin de semana en lugar muy especial, pero al parecer este lugar estará lejos de convertirse en el sitio indicado para el descanso y la diversión inocente.

¡Buena Suerte!!!


Piratas del Caribe 3: Y el Final?


Calificación:
Género: Aventuras
Director: Gore Verbinski
Reparto: Johnny Deep (Capitán Jack Sparrow), Orlando Bloom (Will Turner), Keira Knightley (Elizabeth Swan), Geofrey Rush (Capitán Barbosa), Bill Nighy (Davy Jones), Naomi Harris (Tía Dalma), Chow Yun Fat (Capitán Sao Feng), entre otros.
País: Estados Unidos

Año: 2007
Escucha Aquí este Artículo: 

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(Abstente de leer el artículo si no viste la película. Comento algunos detalles con el fin de poder dar mi opinión).

Durante este pequeño ciclo de películas infantiles y/o juveniles que he ido comentando y que han llegado a la pantalla gigante con grandes expectativas, tocó el turno de hablar de Piratas del Caribe 3. Empiezo por anticiparles que nunca fui asidua seguidora de esta historia, de hecho no fui a cine a verlas. Pero en mi calidad de aficionada que ahora comparte sus comentarios con ustedes, me fui a ver esta última versión con el mínimo de expectativas. Aclaró sí, que me encargué de documentarme muy bien acerca de las anteriores para poder entregarles la siguiente opinión.

Voy a ir al grano con mis impresiones, pues como habrán visto en el lateral izquierda en la sección “El 1, 2 y 3, Detrás de las Películas”, comento aspectos técnicos y curiosidades de la elaboración de esta última versión. Como digna trilogía, esta película al igual que las demás de su tipo, tiene una duración de casi tres horas. Aquí se nos presenta el primer problema, pues resulta ser demasiado larga para una historia demasiado simple que a veces resulta un poco “tonta”. Sin embargo, supongo que para los seguidores de esta trilogía este será o se convertirá en un regalo “plus” para una serie que marca un supuesto fin.

Durante los primeros 10 minutos de la cinta, todo se enmarca dentro de una sombra lúgubre, aspecto positivo y acertado para ser un filme de piratas que de entrada me llamó la atención, pero poco a poco esto cambia abruptamente, al igual que su ritmo. Después de este tiempo y durante unos 35 minutos aproximados (que minuciosamente me tomé el trabajo de tenerlos en cuenta), la película se vuelve sosa, pues nos embarca una historia explicativa que cansa y aburre acerca del resurgimiento de Jack Sparrow; pareciera como si el hecho del retorno de este carismático capitán requiriera de muchas explicaciones cuando en la mente obvia de cualquier espectador esto era algo de esperarse.

Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, como la han llamado, es una película totalmente arrítmica que utiliza el recurso de la comedia para aliviar la mente de los espectadores y ocultar los vacíos de su historia. Por esta razón esta cinta no logró concentrarme del todo, a ratos me distrajo, a ratos me lograba meter de nuevo dentro de su historia y este fue el común denominador dentro de las casi tres horas de duración.

Otro punto que me decepcionó fue la última batalla, pues de ella se habló mucho, antes de su estreno. Los efectos especiales – nada especiales en mi opinión – no se asomaron en lo medianamente esperado dentro de esta batalla, bastante larga por cierto. No hay nada nuevo, ni sorprendente y aquí sí quería yo saciar mi curiosidad después de leer tantos artículos y entrevistas acerca de la elaboración de la misma. En Piratas del Caribe 3 son muchas más las historias anexas a la central que se van presentando y surgen nuevas interrogantes que poco a poco, a paso de tortuga, las van develando sin mucha intensidad. Para completar, su último error va por cuenta de su final abierto dejando entretelones la esperanza de la creación de una nueva película al menos con algunos de sus personajes. Comparto entonces un comentario que aplica perfectamente para este cinta: “una película con buena taquilla no necesariamente es consecuente con su calidad técnica”. Y este sí que es el caso.

Pero entonces dejando a un lado el sabor amargo de los aspectos negativos, voy a mencionar dos que sí me gustaron y vale la pena resaltarlos. Uno, al que ya hicimos referencia, es el resurgimiento de Jack Sparrow cobrando mayor importancia en esta versión que en sus antecesoras. Y segundo, es un evento que le ocurre a Davy Jones que me gustó mucho y tal vez sin ser estrictamente necesario, se esperaba.

Qué es lo que más me gustó de la cinta: El evento con Davy Jones.

Qué es lo que menos me gustó de la cinta: El ritmo, la última batalla y el final abierto.

Sinopsis

La nueva misión será liberar a Jack Sparrow (Johnny Deep) de la prisión que fue preso gracias a Davy Jones (Bill Nighy). Pero éste les tendrá una sorpresa en aguas de Singapur y en los terrenos del pirata capitán Sao Feng (Chow Yun Fat). De esta manera todo se confabula en los confines del mundo y una nueva batalla se dará inicio.

¡Buena Suerte!!!

 


Shrek Tercero: La evolución del ogro verde que podría llegar a su final


Calificación:
Género: Animación
Director: Chris Miller
Reparto: En las Voces de: Mike Myers (Shrek), Cameron Diaz (Fiona), Eddie Murphy (Asno), Antonio Banderas (Gato con Botas)
País: Estados Unidos
Año: 2007

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Ir a ver Shrek Tercero es ir a presenciar la evolución absoluta de este querido ogro verde. Evolución en todos los aspectos: en la historia, en los personajes y en su físico. Considero que este es el punto que se debe tener en cuenta a la hora de ir a mirar esta nueva versión.

Si nos ponemos hacer un recuento de lo que ha sido Shrek a lo largo de su historia, podemos ver que esta ha seguido una perfecta hilaridad. En la primera, él consideraba que no era digno de nadie. En la segunda, no se consideraba digno de ser esposo de Fiona y ahora en la tercera, digno de sus temores, no se considera digno de ser rey y sufre de miedo con la noticia de ser padre. Hemos podido ver también cómo han ido aumentando sus responsabilidades y hemos ido conociendo todo el entorno que lo rodea: conocimos a su enamorada Fiona, conocimos la familia y padres de su esposa, y ahora lo que muchos estábamos esperando ver: podemos conocer a sus hijos.

Desde la primera versión en el año 2001, Shrek ha cultivado muchos éxitos. En la primera, recordemos que obtuvo Premio Oscar a la Mejor Película Animada. En la segunda, estrenada en mayo de 2004, se convirtió al poco tiempo en la película más taquillera en su momento, al recaudar mundialmente alrededor de 920 millones de dólares. Todo esto convirtió a Shrek Tercero en un rotundo reto para los productos.

La tecnología usada para esta cinta permitió dar más vida a cada uno de los personajes, podemos ver y disfrutar de más detalles en la expresión de sus caras, de más accesorios, con un absoluto control de la cara y como valor agregado de muchos más personajes con igualdad de detalles que los principales. A lo largo de la historia se pueden ver alrededor de unos 5000 personajes secundarios que son puestos con mayor o menor importancia en cada una de sus escenas. A todo esto la producción la llama “realidad estilizada”,  es decir, la construcción de personajes con una realidad marcada. Podemos ver en la cinta de forma muy evidente, muy perceptible a cualquier espectador que no conozca mucho de este tipo de tecnología (como yo) cosas como: el movimiento del pelo (que es excepcional), la textura de los vestidos, el tejido, el brillo y su suavidad. Yo particularmente rescato este último aspecto de la cinta, pues me encantó y siento que es de la cosas que más se resaltan en el filme y hacen que cobre más vida cada uno de los personajes dentro de la historia.

La música fue otro aspecto con el que se quiso dar un punto único en esta versión y este fue la utilización de canciones clásicas con versiones nuevas y canciones originales. Así pues, se pueden escuchar en Shrek Tercero canciones como: “Immigrant Song” de Led Zeppellin y “Live and Let Die” de Wings Group.

Hasta ahora con pocos días de haberse estrenado mundialmente y que falta por estrenar en otros países como es el caso de España, cuyo estreno será el próximo 22 de junio, la cinta lleva un recaudo de 293 millones de dólares. Además recordemos que esta franquicia ha logrado recaudar ingresos de taquillas por más de 1.400 millones de dólares y unos 90 millones de dólares más en DVDs.

Los comentarios acerca de esta nueva versión vienen y van. Muchos de ellos no le favorecen, pues mencionan que la película es mala, demasiado simple, los combates dejan mucho que desear, etc. Yo puedo decirles que sin ser la mejor de las tres, es una bonita película, que con el hecho de los detalles tecnológicos que les mencioné vale la pena disfrutarla. Además conocer los hijos de Shrek es un broche de oro que cierra la cinta.

Yo insisto que estas son películas infantiles que por su naturaleza se han ganado un público adulto. Pero no se puede dejar de lado la simpleza de su historia y de sus personajes justamente por su carácter infantil. Considero que la crítica olvida este aspecto y es dura con este tipo de películas. Cuando fui a verla con sala a reventar, por cierto, estuve totalmente rodeada de chiquitines, de edades bien pequeñas. En lo que sí me pondré a favor de la crítica es en considerar que la historia del dulce ogro hasta aquí puede llegar. Yo particularmente he saciado todo lo que quería ver y podía esperar de este personaje. Una historia más la tornaría aburridora y sin recursos en su historia de donde agarrarse.

Qué es lo que más me gustó: La tecnología que permitió ver una “realidad estilizada” de sus personajes

Qué es lo que menos me gustó: Se me hizo un poco larga. Aunque la película es de 90 min con la simplicidad de su historia podría haberse acortada algo más.

Sinopsis

El padre de Fiona ha muerto y ahora Shrek deberá sucederlo en el trono a menos que encuentre a Arturo, hijo abandonado del rey, para que él lo asuma. Esta será la nueva aventura en la que se embarcarán Shrek, el burro y el gato con botas.

¡Buena Suerte!!!


“Profesora: ¿Leyendo a oscuras? – Anina: Por lo menos estoy leyendo”