Película Los Simpson: Los pecados de la película


Calificación CineVista:
Género: Animación, Comedia
Dirección: David Silverman.Reparto: En las voces de. Dan Castellaneta (Homer Simpson), Julie Kavner (Marge Simpson), Nancy Cartwright (Bart Simpson), Yeardley Smith (Lisa Simpson), Harry Shearer (Sr. Burns)

País: USA
Año: 2007
 
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SINOPSIS: Homero deberá salvar al mundo de una catástrofe que él mismo ha provocado.

(Contiene spoilers)

Después de ver la película de Los Simpson con sala totalmente llena que no veía así desde la saga del “El Señor de los Anillos”, hay que reconocer que esta película no se hizo para los más fanáticos de la serie que han expresado mil y unas inconformidades con la elaboración de la misma y aunque cabe mis respetos por ser los más asiduos seguidores y quizás los más llamados a juzgar esta cinta, considero a su vez que su pasión no les permite ser lo suficientemente objetivos. Y es que son ya 19 años desde su creación en 1988, que la serie ha llevado los capítulos de media hora de esta singular familia, semana tras semana, a los televisores de más de 45 países, como también ha sido una de las series animadas más premiadas, sino la más premiada, en los Emmy con 21 galardones. Así pues que con tanta historia y recorrido resulta rotundamente difícil saciar y sorprender a quienes palmo a palmo la han seguido.

Particularmente siempre esperé ir a ver un capítulo más de la serie pero con el atractivo de disfrutar en pantalla grande el desarrollo de una historia desencadenada por estos personajes y es que ¿por qué pedir, exigir y esperar algo diferente a lo que hemos visto en los últimos años? De ahí surge la simple y humilde intención de esta película, que no es más que la de hacer parte de ese importantísimo logro de ver a la familia de Los Simpson marcar huella en el mundo cinematográfico. Quizás entonces es por esta razón que muchos vayamos a verla, pues inconscientemente nos sentimos comprometidos a darle nuestro voto de agradecimiento por tantos momentos de relajación, frescura, reflexión y sobre todo mucha risa espontánea.

Esta primera idea básica se cumple a cabalidad y de ahí hacia delante todo resulta ganancia, si se tiene antes que nada la premisa que he mencionado. El respeto por la conservación de la imagen que siempre hemos visto de la serie es total, la insensatez, irreverencia, los valores mezclados con los anti-valores, la sátira y el humor negro hacen parte desde el primer minuto de la cinta. El argumento también me pareció ajustado, adecuado y muy de moda, ahora que todos hablamos de la contaminación y el calentamiento global. Los Simpson en su hora y 27 minutos de duración sin duda hace las delicias de grandes y chicos, aunque siempre he juzgado que esta serie escondida como serie animada se aleja de la entretención netamente infantil, con sus temas de tinte político, religioso-moral y social.

Más que fallos los pecados de la cinta radican en: primero, la incorporación de un nuevo personaje en la cinta que es el detonante de la historia, pero que al final dejan en el tintero al no saber qué ocurre con él. Segundo, el esperar 18 años para crear la película luego de varios intentos generados desde el 2001. Las razones dadas no resultan convincentes. Se ha dicho que se esperó todo este inmenso tiempo para poder crear una película robusta, con una poderosa trama, lo que en efecto no es. El tercer pecado, consecuencia del segundo, es la espera que generó tanta expectativa entre su audiencia y la realidad es que Los Simpson ni sumarán ni restarán más público, a pesar de aquellos que han querido boicotearla y expresar su profunda decepción.

El cuarto y último pecado, es el cometido por su director Silverman, quien comprometido dijo que la película no decepcionaría a quienes han vivido todas las historias de Los Simpson desde sus inicios. Graso error el cometido por él y de ahí el reclamo de una considerable cantidad de fans, por lo menos en Latinoamérica. De muchos artículos leídos de los verdaderos fanáticos de esta serie, lo que básicamente esperaban ver es lo que en breves palabras ha expresado uno de ellos (alias skinner.tamzarian) en una de las páginas de Yahoo.com: “….Homero es un tipo bastante bobo de Springfield, que TRABAJA EN UNA CENTRAL NUCLEAR, al que le gusta más que nada VER LA TELE, y que pasa largas tardes EN EL BAR DE MOE TOMANDO. Tiene una mujer, Marge, y tres hijos, dos de los cuales VAN AL COLEGIO DE PRIMARIA DE SPRINGFIELD. Bart suele HACER LOCURAS y Lisa suele SACAR BUENAS NOTAS, TIENE GRANDES IDEAS y además TOCA EL SAXOFÓN”. Las mayúsculas de su escrito resaltan justamente lo que deseaban ver.

Sin embargo, hago énfasis en que los Simpson es una buena película, que se debe ir a ver sin ningún tipo de prevención y ojo crítico. Además paga la boleta descubrir los siguientes valores agregados: 1. Por primera vez Bart nos muestra un desnudo frontal. 2. Maggie pronuncia su primera palabra, además, la parodia a reconocidos personajes y películas como Harry Potter, Al Gore con su película “Una Verdad Incómoda”, la banda Green Day, entre otros.

Lo Mejor de la Cinta: Me ofreció lo que esperaba, una película sencilla y honesta.

Lo Peor:  Se deja un vacío en la historia al no que contar qué sucede con el nuevo integrante de la familia.

¡Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.


Noticias del Cine: Homenaje a Ulrich Mühe tras su muerte


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El día de ayer la prensa internacional registró el fallecimiento el pasado domingo 22 de Julio, en Waldbeck Alemania, del también actor alemán Ulrich Mühe, quien es recordado en la esfera mundial gracias a su papel del Capitán Gerd Wiesler, un agente de la Stasi en la película “La Vida de los Otros” ganadora este año a la Mejor Película de Habla No Inglesa en los Premios Oscar y que tuvimos la oportunidad de comentar en CineVista. Mühe falleció a los 54 años de edad, debido un cáncer de estómago del que justamente, tan solo semanas atrás, se atrevió a mencionar en público, en entrevista concedida a un diario alemán. Esta es una lamentable noticia, pues después del éxito recogido con dicho filme, muchos ya esperábamos verlo en significativas producciones. CineVista como homenaje hace un recuento de su vida y carrera.
 
Nació en Grimma, Alemania el 20 de junio de 1953, se encontraba casado con la también actriz alemana, Susana Luthar, nacida en Amburgo con la que tuvo cinco hijos. Su vida no siempre fue dedicada a la actuación, pues antes de esto hizo trabajos de construcción y posteriormente sirvió al ejército alemán en la época del Muro de Berlín en el que prestó guardia durante un tiempo. Mühe inició su carrera en el teatro, cuyo debut se hizo en el año de 1979. Después de ahí, le siguieron muchas más participaciones teatrales, convirtiéndose en un reconocido miembro de la compañía de teatro berlinés, consiguiendo además de esta forma saltar al ámbito internacional.
 
Estos antecedentes le dieron su ingreso al cine, realizando una que otra película, pues siempre se declaró apasionado por el teatro. Entre los filmes que la cinematografía recuerda de él, están: “Hard Days, Hard Nights” de 1989, “Funny Games”, de 1997, en la que participó también su esposa, “Amén” de 2003 y “La Vida de los Otros” de 2006, película con la que ganó el reconocimiento a Mejor Actor, en el Premio de Cine Europeo. Para Mühe, participar en esta última y gran película fue muy importante, pues en la vida real le tocó prestar servicio a esta policía secreta alemana, por tal razón, la experiencia obtenida en este oficio lo ayudó a realizar un papel absolutamente creíble y natural. Su última aparición en Hollywood fue en abril, cuando acompañó al director de La Vida de los Otros a recibir el galardón otorgado por los Oscar.
 
 
¡Buena Suerte!!!



Transformers: Los pro y los contra


Calificación Cinevista: Medianamente
Género: Ciencia Ficción
Director: Michael Bay
Reparto: Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Tyrese Gibson (sargento Epps), Josh Duhamel (capitán Lennox), Anthony Anderson (Glen Whitmann), Rachael Taylor (Maggie Madsen), Megan Fox (Mikaela Banes), John Turturro (agente Simmons), Jon Voight (John Keller), Kevin Dunn (Ron Witwicky), Michael O’Neill (Tom Banacheck), Julie White (Judy Witwicky).
País: Estados Unidos
Año: 2007

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SINOPSIS: Narra la saga de los Transformers – unos gigantescos seres androides (robots con sentimientos) venidos de un lejano planeta que deben ocultar su identidad transformándose en coches, aviones y varios tipos de artefactos electrónicos de nuestro mundo, mientras libran una épica batalla para salvar a la Humanidad.

Transformers es una película que llega cargada de muchos antecedentes que la hacen de entrada merecedora de unas cuentas estrellas. Es decir, por los preparativos realizados logran arrebatar una buena calificación, lo que además les representa un terreno ganado en este aspecto antes de su estreno. Pero lo que le sigue a la cinta, es decir, el producto terminado, ese que finalmente ve el público, se ha convertido tal vez en su mayor talón de Aquiles. Hoy día la crítica se encuentra dividida al respecto y opiniones van y vienen sobre si realmente Transformers es la película a ser llamada la mejor de la temporada de verano. Particularmente y gracias en gran medida a los preparativos con que se llevó a cabo, la califico de buena (no la mejor) y les explicará el por qué haciendo mención a los antecedentes, los pro y contra de esta cinta.

ANTECEDENTES
Este filme se convirtió en la primera película rodada en lugares gubernamentales, de interés público y/o turísticos cuidados celosamente después de los atentados del 11 de septiembre. Así pues se podrán ver en la cinta escenas filmadas en El Pentágono, El Campo de Misiles White Rage, las bases aéreas de Holloman, Kirtland, el barrio Adams, el más antiguo de los Ángeles, el centro de esta misma ciudad con los mismos fans de estos androides como testigos del rodaje, entre otros. Recibió por tal razón un apoyo absoluto del Ministerio de Defensa americano, quien acompañó y asesoró en cada una de sus escenas y la mayoría de los extras que se usaron eran soldados al servicio militar o retirados ya. También se convirtió en la primera cinta a la que se le permitiera su acceso después de la restauración hecha al Observatorio de Griffith Park. Y como si todo lo anterior no fuera suficiente, para hacer la película aún más atractiva y espectacular, les prestaron aviones militares como los CV-22, F117 y aviones fantasmas. Además del importante préstamo en diseños que le concedió la General Motors a Michael Bay, su director, para lograr transformar estos androides en verdaderos autos andantes.

Los encargados de tomar todas estas herramientas y plasmarlas a cabalidad en la cinta fueron: Steven Spielberg (productor), George Lucas (dueño de la empresa de los efectos especiales “Light & Magic”) y Michael Bay (director). Pues con todo lo que supone una película con toda esta envergadura, en tan solo 83 días lograron llevar a cabo esta cinta, cuyo rodaje inició el 2 de abril de 2006. La elaboración de los transformers suponía el reto más grande y para ello se valieron de 25 diseñadores que armaron dos prototipos, los únicos que se utilizaron para realizar el resto, que fueron armando como un rompecabezas, pues cada uno de ellos se encargaba de una parte especial de los dos androides. Aquí lo importante era conservar las características esenciales de los verdaderos seres de los años 80.

LOS PRO
En primera medida son los efectos especiales que, tal vez, sea lo único en lo que la crítica está enteramente de acuerdo. La acción es otro punto interesante en la cinta, pues a los contados minuto con treinta segundos ésta se desencadena hasta su final. Sus dos horas largas mantienen al espectador metido de lleno sin perder detalle de cada escena. El hecho de contar la trama partida en tres historias que a la final se unen junto a sus personajes son las causantes de este favorable efecto en el público. El ritmo también cumple su cometido y se conserva a lo largo de la película. Lo mismo puedo decir de las locaciones que son un refresco a los ojos de quienes disfrutan la cinta y un atractivo el poder volver a ver aviones reales, el pentágono, la presa Hoover, que según cuentan está en la lista no de las siete, pero sí de las 9 maravillas del mundo.

En cada una de estas escenas está la mano impecable de Bay, quien es un experto en mantener al público al vilo de la trama. Aunque esta no es su mejor película, pues en particular, la cinta futurista “La Isla” la supera, es cierto que este director ha ganado mucha experiencia en este campo y a pesar que muchos lo critican de bélico, le pone su sello peculiar a cada filme donde participa. La historia con una simpleza evidente es atractiva, llena de instantes cómicos. Finalmente, la elección de los transformers Bumblebee, Optimus Prime y Megatron para esta primera versión fue la más acertada sin lugar a dudas, pues estos según encuesta previa a la realización de la película, resultaron ser los favoritos del público.

LOS CONTRA
El punto desfavorable que se destaca sobre los demás de la cinta es el poco detalle con el que se pueden ver los Transformers a lo largo de su duración. Las escenas en las que hacen su aparición son alejadas o por el contrario los giros abruptos de la cámara no permiten que el público se toma unos minutos para detallarlos a la perfección. Otro punto es el target a quien quisieron llegar con esta cinta. En la mayoría de las entrevistas que leí, me enteré que la producción pensó sobre todas las cosas en aquellos que están o nos acercamos a los 30 años, que en su momento, disfrutamos de la serie y que aún siguen comprando los muñecos, vieron la primera película que se rodó basados en ellos en el año de 1986 y no pierden oportunidad para seguirlos. Si tomo a consideración esto, puedo decirles que entonces la producción no fue consecuente con esta premisa, ya que muchas de las escenas son tremendamente infantiles, el guión es sin lugar a dudas infantil, ligero y con poca elaboración. Dentro de la cinta hay escenas dignas de ser vistas por los más pequeños, mientras que en otras son dignas de taparles los ojos por su clara acción violenta. Ahí es donde fallan los productores de este filme y creo que es el principal motivo que la crítica ha tomado a consideración para desvalorarla. La causa en sí está es su trama, la historia como dije es atractiva (un pro), pero resulta tremendamente ligera, apenas como para concentrarse en ella, pues la acción y los efectos especiales son los que mandan la parada en esta primera versión.

A pesar de ello les diré que es una cinta no excelente, pero sí buena que vale la pena disfrutar en cine, porque los impecables efectos no se podrían disfrutar de otra forma. Además, yo no esperaba un filme con una historia excepcional y muy elaborada, pues Spielberg junto a Bay así lo hacían suponer. Recordemos que estos dos personajes apasionados por los temas futuristas y de acción cumplen con este tipo de cintas los sueños de su imaginación.

¡Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a ésta película. Gracias.


Película El Violín – Muy auténtica


Calificación Cinevista:
Género: Drama
Director: Francisco Vargas Quevedo
Reparto: Ángel Tavira (Don Plutarco), Dagoberto Gama (El capitán), Fermín Martínez (El teniente), Gerardo Taracena (Genaro), Mario Garibaldi (Lucio).
País: México
Año: 2005
 
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SINOPSIS:
Don Plutarco (Ángel Tavira), su hijo Genaro (Gerardo Taracena) y su nieto Lucio (Mario Garibaldi) llevan una doble vida. Por una lado, son humildes músicos rurales, y por el otro, apoyan activamente al movimiento guerrillero campesino contra el gobierno opresor. Cuando el ejército invade el pueblos los rebeldes deben huir y abandonar las municiones.

Esta película independiente ya dejó las carteleras de los cinemas más populares de mi país, pero por fortuna está devuelta en la Cinemateca Distrital de la capital colombiana y gracias a ello le dedicaré unas notas a este filme que no había tenido la oportunidad de ver, a pesar de su rotundo éxito mundial y de que muchos ya la conozcan.

El violín primer largometraje de su director y guionista, fue cortometraje inicialmente. Esta es una cinta por sobre todas las cosas “auténtica” que consolida el nombre de México como uno de los mejores cines latinoamericanos del momento, a pesar del poco apoyo que se le da a sus representantes. Sin embargo, esta falta de apoyo ha hecho a su vez que cada película se convierta en un super reto para demostrar a sus contradictores las buenas herramientas creativas con las que cuenta dicho país. De hecho, esto es lo que más motivó a Vargas a realizar esta cinta y se convirtió en una obsesión el demostrar que si se puede hacer buen cine, de buena calidad, que guste al público en general y con un presupuesto escaso.

Como lo mencionaba en la sección de noticias de CineVista semanas atrás, esta película ha logrado recoger más de 30 premios y a hoy ha recorrido medio globo terráqueo con un impresionante éxito. Los premios van desde Mejor Actor, Mejor Guión, Mejor Fotografía, hasta Mejor Película. A la cabeza de todos estos galardones está el otorgado por el Festival de Cannes en el 2006 con el premio a Mejor Actor en la sección “Una Cierta Mirada”. Entre otros festivales está el de San Sebastián, el de Kerala en India, el Iberoamericano de Huelva en España, el de Gramado en Brasil y para no extender más el listado e ir más lejos en el Festival de Cine de Bogotá, se reconoció con el premio a Mejor Fotografía y Mejor Guión este año.

La película lejos de mostrar una violencia agresiva y tosca, nos muestra, de forma cruda, una historia real con una exquisita riqueza en la trama y fotografía. El blanco y negro es el recurso destacado con el que se envuelve cada una de las escenas de la película y se convierte en un detonante impresionante y por demás impactante del suspenso que minuto a minuto se refleja en ella, gracias también, a su ritmo “In Crescendo” que es vital y muy bien manejado. Pero estos no son los únicos aspectos favorables de la cinta, pues las actuaciones son también memorables, en especial la de su personaje principal, Don Plutarco, interpretado por Ángel Tavira, un músico, campesino y orfebre que desde niño y por tradición familiar nació con el don y el gusto para tocar el violín y que a pesar de un accidente a los 13 años que lo dejaría manco de su mano derecha, no le impidió continuar disfrutando su gran pasión y como lo vemos en la cinta, en la vida real se hizo la forma para seguir haciéndolo. Tavira en una oportunidad anterior ya había tenido contacto con el mundo del cine, gracias a un documental llamado “Tierra Caliente” que realizó con el mismo director de esta cinta, Francisco Vargas Quevedo, por tal razón, diré sin temor a equivocarme, que esa primera experiencia con el mundo cinematográfico le hizo obtener la “cancha” necesaria en este asunto para asumir el reto de realizar esta película con una grandiosa naturalidad.

El violín a pesar de la cruda y dolorosa realidad que maneja, no lejos de una realidad que existió o que aún existe en muchos países del mundo dentro de los grandes conflictos sociales en los que nos vemos involucrados, tiene un trasfondo hermoso, cargado de significado y reflexión. Su director hace desde este violento panorama de la historia mexicana, un llamado a la lucha por los ideales, la paciencia, la compostura y la entereza de los seres humanos, cualquiera que sea su condición, su raza, su educación y su “estirpe” a la hora de enfrentarnos a situaciones adversas. A lo largo de la historia siempre existieron, existen y existirán en los peores casos esos “héroes” que nos dejan una gran lección de vida y se convierten en un motor para seguir adelante, no sin antes dejar en su camino una huella muy grande para el resto de la humanidad. De ahí lo valiente de su cinta.

Para los que aún no la han visto en mi país, vale la pena que la disfruten aprovechando su retorno en la Cinemateca Distrital y para los que están en otros países y aún no la conocen, ojalá les llegue para que la puedan disfrutar.

Lo Mejor de la Película: El actor principal y la fotografía.

Lo Peor: La duración.

¡Buena Suerte!!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes califiquen la película. Gracias.




Por Sexo O Por Amor / Combien tu M’aimes? Los créditos son para Bellucci


Calificación CineVista:
Género: Comedia
Título Original: Combien Tu M’aimes??
Director: Bertrand Biler
Reparto: Monica Bellucci (Daniela), Bernard Campan (François), Gérard Depardieu (Charly), Jean-Pierre Darroussin (André), Edouard Baer (Edouard), Farida Rahouadj, Sara Forestier (Muguet)
País: Francia
Año: 2005
 
 
SINOPSIS: La vida de François (Bernard Campan), un solitario y gris oficinista parisino, está a punto de cambiar. Al ganar la lotería llega a un extraño pacto con una hermosa prostituta italiana de la que está enamorado; le dará 100.000 € al mes si vive con él indefinidamente, hasta que se acabe el dinero. Daniela (Monica Bellucci) acepta empezando así una original y tortuosa historia de amor no exenta de romanticismo, pasión y sexo.De entrada debo decir que esta película no es para todo el mundo y no se deben dejar llevar por su género. No es que la cinta no sea cómica, pues en realidad lo es, pero es un tipo de comedia absolutamente diferente al que solemos ver. La propuesta que nos plantea este filme resulta ser novedosa y diferente al menos para el público de mi país. Bertrand Biler, el director, nos trae esta historia bastante atrevida. Biler, a lo largo de su carrera ha explorado siempre los temas más polémicos como la prostitución, las relaciones humanas, el sexo, la violencia, los desafíos, etc.

Por Sexo o Por Amor es una película difícil de abordar teniendo en cuenta cada uno de los elementos que componen el lenguaje cinematográfico, como el espacio, el tiempo psicológico, el ritmo, etc; pues hasta en esto, el director es innovador y rompe muchas de las reglas a seguir; podemos ver en ellos otro tipo de comedia, en donde será común que se vean cambios bruscos en el ritmo, en el espacio, en la iluminación, en el drama que se maneja de una escena a otra y demás. Puedo decir que estos elementos los fusiona plenamente a la trama de la película para ayudar a su historia a ser aún más absurda, cómica y a veces incomprensible. Entonces, teniendo como precedente el gusto especial de este director por abarcar estos temas espinosos para muchos, desde el punto de vista más crudo, más polémico y sin ningún tipo de prejuicio, pienso que lo más justo es criticar esta cinta netamente desde su historia. Y en este aspecto, Por Sexo o Por Amor, pasa la prueba. En ella hay emoción, mucho sentimiento, amor, drama, intriga, suspenso y muchísisisima pasión. Además el mensaje es claro y posible dentro del mundo de las mujeres que han tomado este camino. El amor no discrimina y hasta en las relaciones más extrañas logra brotar. Obviamente en esta cinta con bares y prostitutas de por medio, el amor que nace es de lo más extravagante que se pueda uno imaginar, pero igual no es de esperarse lo contrario. También tiene un determinante elemento sorpresa, pues nada de lo que va ocurriendo es realmente imaginado por el espectador. Este punto es lo más notable de la cinta, pues desde el inicio hasta su final es inesperado.

La carga pasional de la película sin duda está a espaldas de Mónica Bellucci. Y no es difícil envolverse en su rol, el porte y sus movimientos altamente atractivos. Pareciera que nadie más que ella debió estar en ese papel, pues encaja a la perfección. Y eso es justo lo que su director creó, puesto que este personaje se hizo única y exclusivamente para ella. Por su parte, el que considero debió sentirse un “afortunado” actor, envidia de muchos hombres y por qué no de mujeres también, que acompaña a Belluci, es Bernand Campan, un reconocido cómico dentro de su país, Francia. Su rol dentro de la cinta le da un brillo especial a la sensual actuación de esta mujer, quien como les decía soporta el peso de toda la película con gran brillantez.

Cuando la cinta se estrenó en Francia, Bellucci, actriz italiana, hizo unas declaraciones bastante dicientes sobre su trabajo en esta película. Ella dijo: “No tuve dificultades para meterme en la piel de Daniela, al fin y al cabo, todas las mujeres somos un poco prostitutas en la vida real. Lo que más me gustó de esta película es que comienza con la pregunta: ¿Cuánto cobras? Y termina con la palabra “amor”. Esta última parte en definitiva resume muy bien lo que la película representa.

Yo recomiendo esta cinta para aquellos amantes a este mundo cinematográfico, aficionados como yo que les gusta de vez en vez salirse de las películas comerciales tradicionales y explorar otras formas de hacer y construir cine.


CineVistaZO #3 – Cartelera de Cine Mexicana


1. Griffin & Phoenix – Una Lección de Vida
Género: Drama / Romance
Director: Ed Stone
Reparto: Amanda Peet, Dermot Mulroney, Sarah Paulson, Blair Blown, Alison Elliot

País: Estados Unidos
Año: 2006

SINOPSIS: Narra la historia de un hombre con un terrible diagnóstico de cáncer. Él se ha divorciado y ahora vive alejado de todo el mundo. Su único compañero son las páginas de un libro que decidió escribir. Pero la vida le pondrá en el camino una persona con la que su vida tomará un nuevo aire.

Desde el pasado 13 de Julio, los mexicanos tienen en su cartelera esta película que es un remake de una película que se realizó para televisión en el año de 1976 y que obtuvo un memorable éxito, pues en ese entonces se hizo merecedora a una nominación en los premios Emmy. También es el estreno de su director, recordado más en el mundo de la actuación en películas como “Especies” del año 1995. La historia de esta película es enternecedora y cargada de mucho sentimiento y fragilidad.

Mi Opinión: Estas películas contienen una carga emotiva que me gusta ver, pues me recuerdan lo sentimental y frágiles que resultamos ser todos frente a este tipo de temas. La mezcla entre dolor y amor son de mi agrado, aunque en apariencia su temática no nos ofrezca nada de innovación. Las películas que son una lección de vida siempre me dejan algo que pensar y reflexionar y por tal razón vale la pena mirarla.

2. White Noise 2: The Light – Luces del Más Allá
Género: Terror
Director: Patrick Lussier
Reparto: Nathan Fillion (Abe Dale), Katee Sackhoff (Sherry Clarke), Craig Fairbrass (Henry Caine), Adrian Holmes (Marty Bloom), David Milchar (Kurt), Aaron Pearl (Stanley), Vanesa Tomasino (Laura).
País: Estados Unidos
Año: 2007

SINOPSIS: Tras la muerte de su mujer y su hijo, Abe (Nathan Fillion) intenta suicidarse, pero es devuelto a la vida por los médicos. A partir de ese día, Abe ve y oye cosas extrañas a través de los aparatos electrónicos. Su médico cree que se trata de EPV (Electronic Voice Phenomenon), un fenómeno a través del cual los muertos se comunican con los vivos. Abe, además, ve un extraño aura en algunas personas. Pronto descubre que éste aura precede a la muerte de quien la posee.

“Luces del más allá” llegó a la cartelera después del éxito obtenido con su primera versión, “Voces del Más Allá”, como se conoció en mi país. Este vez la película trae cambios significativos en cuanto su historia (lo que genera miedo ahora es otro elemento), sus personajes (son otros) y su director (es otro). La producción de esta película ha mencionado que ésta nueva parte va mucho más allá que la primera y es mucho más personal. Hay que recordar que su antecesora recaudó más de 100 millones de dólares en taquilla.

Mi Opinión: Voces del más allá no fue algo que llamara la atención cuando se asomó en cartelera en mi país. Incluso me parecía más interesante la primera y hasta más creíble, ya que exploraba el fenómeno de F.V.E. ( Fenómeno de voz electrónica) fenómeno bastante documentado mundialmente, que permite escuchar voces del más allá a través de aparatos electrónicos.

3. Vainilla y Chocolate
Género: Romance
Director: Ciro Ippolito
Reparto: Maria Grazia Cucinotta, Alessandro Preziosi, Joaquín Cortés, Roberta Aliberti
País: Italia
Año: 2004

SINOPSIS: Penélope es una profesora de música casada con Andrea desde hace 20 años y con el que tiene tres hijos. Tras enterarse de las infidelidades de su marido, Penélope decide huir hacia la vieja casa de su abuela para reflexionar, mientras que su marido tiene que ocuparse por primera vez de sus hijos. En su solitario momento, Penélope recuerda que en algún momento de su matrimonio, ella también tuvo una relación extra matrimonial con un pintor fascinante que quería casarse con ella. En ese momento, se entera de que dicho artista está enfermo gravemente y corre a su lado.

Esta película marca el regreso de su director, recordado por películas como “Alien 2”, después de 20 años de ausencia en la dirección cinematográfica. Vainilla y Chocolate es una cinta basada en un libro homónimo de Sveva Casti Modigliani. Su nombre se toma de una especie de masa con crema bastante popular en Nápoles, que sirvió además de escenario principal para la ambientación de esta película. Otra de las novedades de la cinta es el debut del famoso bailarín Joaquín Cortés.

Mi Opinión: Su historia supone ser una película intensa, cargada de pasión, amor y dolor a juzgar también por su nombre bastante sugestivo. Pero no sé realmente si todos estos elementos reunidos en su guión finalmente terminen siendo bien llevados a la pantalla gigante. Para verla en casa.

4. Water
Género: Drama
Director: Deepa Mehta
Reparto: Seema Biswas (Shakuntula), Lisa Ray (Kalyani), John Abraham (Narayan), Sarala (Chuyia), Manorma (Madhumati), Waheeda Rehman (Bhagwati), Kulbushan Kharbanda (Sadananda), Raghuvir Yadav (Gulabi), Vinay Pathak (Rabindra), Ronica Sajnani (Kunti).
País: India y Canadá
Año: 2005

SINOPSIS: La historia transcurre en 1938. Según las creencias hindúes cuando una mujer se casa se convierte en la mitad del hombre. Por lo tanto, si él muere, se considera que la mitad de la esposa ha muerto. Los libros sagrados dicen que una viuda tiene tres opciones: casarse con el hermano más joven de su marido; arder con su marido;  o llevar una vida de total abnegación. Se celebra una boda que bien podría ser un entierro: casan a Chuyia (Sarala), una niña de 8 años, con un moribundo que fallece esa misma noche. Se quema su cuerpo en la orilla de un río sagrado y Chuyia se prepara para el destino que han escogido para ella. Se le afeita la cabeza e ingresa en un “ashram” para viudas donde deberá pasar el resto de su vida.

Hay que indicar que la película es la última cinta de una trilogía, de la aclamada directora y guionista de ésta filme, que fue nominada a los Oscar este año como Mejor Película de Habla No Inglesa. Las cintas que forman parte de la trilogía son: “Fuego” de 1996 y “Tierra” de 1998. Este filme ha sido gratamente admirado por su belleza visual y por la forma como explora la historia desde lo más profundo de sus personajes.

Mi Opinión: No cabe duda desde lo que se lee en su sinopsis y se ve en el trailer, lo profundo que es su historia y el espinoso tema que toca. He de suponer las reflexiones o incógnitas que deja este filme acerca de la mujer, sus valores y el sometimiento en el que muchas mujeres aún hoy se han visto envueltas, gracias a la religión y el origen de la creación. Para no perderse.

 

Harry Potter y la Orden del Fenix: Se despide de su audiencia infantil


Calificación Cinevista:
Género: Fantasía, Aventuras
Director: David Yates
Interpretación: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), Michael Gambon (Albus Dumbledore), Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Brendan Gleeson (Alastor ‘Ojoloco’ Moody), Jason Isaacs (Lucius Malfoy), Gary Oldman (Sirius Black), Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall)
País: Estados Unidos, Reino Unidos
Año: 2007
 
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SINOPSIS: Tras unas largas y solitarias vacaciones, Harry regresa al colegio a su quinto año en la academia de magos. Ahora deberá poner todos sus conocimientos a prueba para enfrentarse al terrible Voldemort.

David Yates es el afortunado y primíparo director en este campo, que se alzó el gran peso y responsabilidad a sus espaldas para dirigir la entrega número cinco de esta película. Su experiencia basada en televisión básicamente, lo llevó a asumir el grandísimo reto de sintetizar y condensar el libro más largo de toda la saga, con casi 900 páginas. Este ingrediente, más el hecho de ver a su personaje principal junto a sus amigos más crecidos y transformados en todos unos jóvenes adolescentes, se convirtieron en el principal atractivo de Harry Potter y la Orden del Fénix.

Tan denso como el libro de Joanne Rowling, resulta ser la película con una duración de dos horas veinte minutos, lo que de entrada me pareció muy extenso para un filme que aún mantiene en vilo a una gran audiencia infantil. Este punto lo fui ratificando a medida que pasaban los minutos, pues así como sus personajes crecen, la historia también lo hace.

La trama es más madura y compleja, alejando a su público infantil definitivamente. De hecho, cuando fui a ver la película, entre los espectadores de la cinta habían muchos niños entre los 8 y 11 años, hasta incluso pude ver a muchos de ellos distraídos, yendo por crispetas, gaseosa, al baño, saltando en los pasillos y uno hasta cayó en manos de morfeo y de forma tan profunda que tuvo tiempo hasta para roncar, y todo esto que les cuento, ocurrió en medio la película. Tal vez esto se dio gracias a su historia, que está cargada de elementos argumentativos y muy poca acción. Los diálogos son más extensos y profundos en esta oportunidad.

HarryPotter mantiene en general su ritmo durante toda la cinta, pero de forma lenta y con planos extremadamente largos y una utilización algo excesiva del recurso del “flashback”, que en ocasiones consiguieron cansarme como a los niños, aunque declaro que no soy la amante ideal que ésta película quisiera tener.

A tanta espera de acción, hace suponer que su parte culminante será todo un acontecimiento contundente, cargado de mucha emoción y acción, pero la verdad para mí no fue así. Fueron más las expectativas que generó la producción con el tema de la última batalla, que lo que realmente se puede ver reflejado en ella. Y me refiero estrictamente a la acción y la emotividad que se pueda transmitir. Al contrario del desarrollo de la cinta, las escenas finales son un collage de imágenes cortas y sin cabida a mucha explicación. Pero por otra parte, la realización y puesta en escena no solo de esta batalla sino del resto de la película, son impecables. La utilización de una cámara de mano que permite al espectador inmiscuirse en la escena de acción y trama que viven en ese momento sus personajes, realmente es excelente.

Otro punto es sin lugar a dudas su reparto que logra destacarse y hacer pasar gratos momentos en la película, a excepción de Daniel Radcliffe, quien interpreta a Harry Potter, pues aún no logra salir avante. Me temo que la crítica lo seguirá criticando por su poca fuerza interpretativa. Un chico a la final con una suerte inmensa, casi envidiable, que ha sabido aprovechar al máximo y con la fortuna de tener aún tiempo para reivindicarse con sus detractores.

Harry Potter y la Orden del Fénix no me convenció pero es indudablemente entretenida, que por cierto consiguió un muy buen recaudo el primer día de su estreno en Estados Unidos con 12 millones de dólares  y 44 más al día siguiente. Igual suerte corrió en España donde se acercó a los 2 millones de Euros en recaudo el día de su estreno. Además de romper el récord de exhibición al presentar simultáneamente en 44 países del mundo.

Lo Mejor: La puesta en escena, ambientación y algunos de sus personajes

Lo Peor: Demasiado argumentativa.

 
¡Buena suerte!
 

Primitivo / Primeval: Engaño mortal


Calificación Cinevista:

Género: Acción, Suspenso
Director: Michael Katleman
Reparto: Dominic Purcell, Orlando Jones, Brooke Langton, Jürgen Prochnow
País: Estados Unidos
Año: 2007
 
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SINOPSIS: Un grupo de expedicionarios americanos son llevados a una remota zona del África en búsqueda de un asesino primitivo que se ha cobrado la vida de más de 300 habitantes del lugar.

(Contiene spoilers)

Antes de empezar quiero ofrecer mis disculpas porque seré absolutamente destructiva con este filme. Primitivo es un engaño mortal como he titulado este post por muchísimos aspectos. Primero su póster, al igual que su trailer (los que llegaron a mi país), nos invitan a ver una verdadera película de suspenso y acción. En ambos elementos tan importantes para los fines comerciales de la película la trama real es total y hábilmente escondida. Esto es sin dudas lo mejor de la cinta y cabe mi reconocimiento a los “magos” que la realizaron, pues muchos espectadores asistieron y asistirán a verla, gracias a estos dos elementos.

Primitivo narra unos hechos reales ocurridos en ese país, cuando un cocodrilo ancestral y de grandes proporciones azota a los habitantes de la región donde se hospeda. ¿Un cocodrilo? Pues sí, ésta es la trama principal de la cinta. Los ataques de un inmenso y mal creado cocodrilo, cuyos efectos especiales son de lo peor. Partiendo de ahí y como bola de fuego o de nieve, los sinsabores de la cinta continúan.

África, tierra agraciada, a quien sus hombres y la naturaleza los dotó de mucha fuerza, tesón, un cuerpo atlético y resistente, buena altura y demás, no consiguen dar por cerrado el trágico capítulo de muertes por este despiadado animal y por eso son los “superhéroes” americanos quienes tendrán la sucia tarea de perseguirlo, hallarlo, darle caza y poner fin a esta situación de una vez por todas. Yo puedo entonces tomar dos lecturas de este desacertado suceso: una es la de un leve toque racista y la otra, la muestra típica de la “idiosincrasia” americana llena de orgullo que como potencia cree poder salvarnos a todos. Posteriormente a esto, y tal vez conociendo de antemano su director la floja historia creada alrededor de este cocodrilo, se “ingeniaron” un subtema con guerrilla a bordo y con balas de bandos buenos y malos por doquier. El resultado final son dos historias unidas a la fuerza pero que por más que se intentaron unir terminaron siendo inmensamente aisladas. Para completar, esta trama con una absoluta falta de claridad, su fotografía es penosamente oscura. Y es que así pueden ocultar todas las fallas bastante visibles en cada una de sus escenas. A este punto puedo destacar esa capacidad del equipo de trabajo de esta cinta para utilizar los recursos necesarios que ayudan ocultar sus fallos.

En resumen, esta película tiene los más flojos elementos, es un desastre universal y altamente infantil. Recuerdo que en una de sus escenas, los expedicionarios se encuentra en medio del fuego cruzado en un valle abierto cubierto de espeso pasto. Los dueños de estas balas a diestra y siniestra los tienen acorralados a escasos 6 o 7 metros, pero las balas les son inmunes de forma descaradamente mentirosa hasta cierto punto de la película. Así mismo las actuaciones de estos personajes son de trámite y en nada ayudan a la historia.

Primitivo no es para verla ni en cine, ni en casa. A mí por ejemplo, su casi justa hora con 33 minutos de duración se me hicieron una eternidad.

 

Lo Mejor: El trailer
Lo Peor: El resto

 

¡Buena Suerte!!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes califiquen la película. Gracias.


Mentes en Blanco: Se queda en blanco


Calificación CineVista:
Género: Suspenso
Título Original: Unknown
Director: Simon Brand
Reparto: Jim Caviezel (Chaqueta Vaquera), Greg Kinnear (Nariz Rota), Joe Pantoliano (Hombre Atado), Barry Pepper (Camisa Granjera), Jeremy Sisto (Hombre Esposado), Bridget Moynahan (Eliza Coles), Peter Stormare (Botas de Serpiente), Clayne Crawford (detective Anderson).
País: Estados Unidos
Año: 2006
 
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SINOPSIS: Cinco hombres encerrados en una fábrica abandonada se despiertan de repente sin recordar quiénes son. Al pasar de las horas irán descubriendo el motivo por el cual se encuentran en aquel lugar. El problema radica en identificar en quién se puede confiar.

El viernes pasado se realizó el estreno nacional de esta película que tuvo como antesala el preestreno de la misma, el día anterior, con la visita de Simón Brand y uno de los actores de la misma, Jeremy Sisto, a la capital del país colombiana, Bogotá. Como muchos ya lo saben es la primera cinta del director colombiano y que además se proyecta en la esfera internacional como es el caso de España que junto a Estados Unidos la vieron en diciembre del año pasado.

Muy probablemente al leer la sinopsis de la cinta a muchos su memoria les comenzará a trabajar, tratando de recordar otra película con similar temática. Pues sí, justamente de esto es de lo que más se le acusa a “Mentes en Blanco”, ya que su trama se parece a las películas “Saw I” y “Cube”. La primera, del año 2004, cuenta la historia de dos hombres encerrados en un baño que descubren al encender las luces un tercer cadáver. Mientras que la segunda, del año 1998, con muchísima más similitud narra la historia de seis hombres desconocidos con diversas actividades y personalidades que despiertan atrapados en una extraña prisión, pero su deseo de escapar los obliga a planear juntos su huída. Y es que sobre todo con “Cube” se hace inevitable su comparación. El problema entonces no es hacer una cinta similar a otras, pues justamente esto pasa a menudo, sino lograr superarlas para borrar esa barrera de comparación. Pero desafortunadamente esto no le ocurre a la primera cinta de nuestro director colombiano.

La idea original es sin duda interesante, puesto que imaginarnos levantarnos de la noche a la mañana con la mente en ceros, supone muchos retos para afrontar o asumir, y si a eso se le añade el ingrediente de despertamos junto a otras personas en igual condición y encerrados, pues se hace aún más dramática la situación y aún más difícil superar el trauma.

Partiendo de esto una película puede conseguir muchos elementos de donde tomarse, por ejemplo, del instinto irremplazable de supervivencia, los prejuicios, la superación de obstáculos, la fe, etc, etc, etc. Y es aquí donde yo podría decir que el desarrollo de la película se quedó en una copia de “Cube” sin ahondar en estos elementos. La humildad de su director, por ser su primer filme supongo, ocasionó una cinta sin mayores pretensiones, demasiado simple y con una gran ausencia de argumento. Los diálogos resultan ser flojos, muy de trámite y que no ayudan mucho a la historia.

Mentes en Blanco tiene un buen inicio pero al paso de los minutos la cinta se sumerge en un letargo aburridor. En efecto, pudo haber sido mucho más ágil y no dar rodeo a muchas de las situaciones que se presentan sin alguna necesidad. Particularmente no logró sorprenderme su final algo inesperado, porque cuando el clímax de la cinta llega y debido al letargo en que la película se adentra en su desarrollo y desenlace, este se me hizo ya hasta predecible.

Se rescata y se reconoce en la película que se conservó de principio a fin el ritmo, al igual que la tonalidad que se manejo en el escenario principal (la fábrica), pues ayuda a recrear el efecto anímico de estos personajes sumidos en su Mente en Blanco. Además de la pericia de Brand como director novato para adquirir un reparto bastante considerable como: Jim Caviezel de “La Pasión de Cristo” del año 2004, Greg Kinnear, de “La Pequeña Miss Sunchine”, del año 2006 y Joe Pantoliano, de “Memento”, del año 2000, entre otros. Tal vez ellos, sin una brillantez en sus interpretaciones y sin lograr que alguno se destaque en particular, permiten resistir la película hasta su final.

Lo Mejor de la Cinta: La idea original

Lo peor: Los diálogos

¡Buena Suerte!!!  Y no olviden ser ustedes mismos quienes califiquen la película.


No importa cuanta violencia, pues cada acción es por el bien de mi gente