Perro Come Perro: Entrevistas, Reseña y Fotos de la Premiere


EN RESUMEN:

Perro Come Perro sigue el camino de las últimas películas colombianas en su intento por mostrar historias mucho más universales. Es un thriller complejo, bien terminado, con un guión audáz y un humor negro agudo poco sutil.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:
Director: Carlos Moreno
Género: Thriller
Guión: Carlos Moreno y Alonso Torres
Reparto: Marlon Moreno (Victor Peñaranda), Oscar Borda (Eusebio Benitez), Blass Jaramillo (q.e.p.d) (El Orejón), Alvaro Rodríguez (Silvio Sierra), Paulina Rivas (Iris, La Bruja)
Duración: 1:46 Min
Página Oficial:Perro Come Perro

SINOPSIS
Vengar la muerte de William Medina y la prisa por recuperar unos dólares perdidos, son el pretexto inicial que une a los protagonistas de este relato, quienes tienen que someterse a las órdenes de ¨El Orejón¨, un poderoso empresario devoto de la brujería, deseoso de vengar la muerte de su ahijado y obsesionado por encontrar su dinero. Sin conocerse, Peñaranda y Benítez son contratados para un confuso operativo del que tienen pocos detalles. Comparten la habitación de un céntrico hotel, donde deben permanecer atentos y a la espera de instrucciones telefónicas.

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Lejos de Ella – Conmovedoramente Bella


EN RESUMEN
Tremenda ópera prima de Sarah Polley. Es una película que llega muy fácilmente al corazón del espectador, tocándole las fribas más íntimas. Conmovedora, inmensamente real, frágil y poderosa a la vez.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:

Directora y Guionista: Sarah Polley, basado en el relato “The bear came over the mountain” de Alice Munro

Género: Drama

Reparto: Julie Christie (Fiona Anderson), Olympia Dukakis (Marian), Gordon Pinsent (Grant Anderson), Michael Murphy (Aubrey), Kristen Thomson (Kristy), Wendy Crewson (Madeleine)

Duración: 2:23 Min

Año: 2006

País: Canadá


SINOPSIS
Grant y Fiona Anderson han estado casados durante muchos años. Ahora jubilados, viven confortablemente en una casa en el campo, pero su felicidad se ve afectada por los problemas de deterioro de memoria de Fiona. Para no cargar a su marido con más trabajo y cuidados, ella insiste en ingresar en centro médico especializado. A partir de ese momento, el universo de Grant también se desestabiliza, llevándole a una vida nueva en todos los sentidos.

RESEÑA CRÍTICA

El bajo recaudo que a primera vista se evidencia en esta película desde que se estrenó en Estados Unidos el pasado 4 de Mayo de 2007, y que es de un poco más de los 8.500.000 dólares, en nada refleja lo que representa esta excelente historia que la hizo merecedora a dos nominaciones a los Oscar 2008 en las categorías Mejor Actriz por Julie Christie y Mejor Guión Adaptado, escrito por la jóven y talentosisima Sarah Polley, quien a su vez es la directora. Lo que si obtuvo fue el merecido premio a Mejor Actriz Drama en los pasados Globo de Oro. Parte de este recaudo discreto, que no obstante recuperó su presupuesto calculado en unos 4 millones de dólares, se justifica plenamente dado el carácter independiente que posee y las pocas salas (relativamente) en las que se presentó en el país del norte, estoy hablando que se exhibió en 275 teatros.

Lejos de Ella es la ópera prima de Sarah Polley, basada en una historia de la escritora canadiense de cuentos cortos, Alice Munro, llamado “The bear came over the mountain”. Polley, una artista polifacética y revolucionaria que se mueve en el mundo del espectáculo desde temprana edad, presenta esta obra con un altísimo sentido social y demuestra su gran capacidad para explorar valores humanos desde una perspectiva novedosa, utilizando elementos visuales de forma ingeniosa que se combinan con un guión audaz y muy bien estructurado.

Away From Her, nos adentra en el mundo de Grant y Fiona, una pareja madura que tras muchos años de compartir juntos, deberán enfrentarse, a quizás, la prueba más difícil de sus vidas. Fiona sufre de Alzheimer y poco a poco su memoria se deteriora haciendo presumir, desde un principio, que la relación también lo hará. Pero sin tener que pasar por muchos minutos, pronto vemos que el manejo que esta pareja le va a dar a este problema es muy distinto a lo que nos han acostumbrado a ver en cine. A pesar de lo que representa esta enfermedad degenerativa, la vida de ambos no es un mar de incertidumbres, pesadumbres y dolores, por el contrario, es un proceso de lenta y natural aceptación, de una tranquilidad pasmosa, que no es más que el reflejo de la madurez que ambos poseen, es ese cúmulo de experiencias que solo el correr de los años es capaz de brindarnos y hacernos sabios.

La cinta se toma todo el tiempo necesario para mostrar el deterioro pausado de Fiona sin llegar a cansar al espectador. Por tanto los movimientos se hacen lentos, los diálogos son tranquilos, calmados y el ambiente físico que los rodeo es frío para incrementar esa sensación de estatismo. Un paso lento pero firme que los conducirá hacia un cambio inminente.

Sin duda, todo esto es un juego de elementos combinados de forma perfecta, elegante y sutil que Polley supo manejar audazmente. Así transcurre la primera parte de la historia, hasta cuando por razones que muchos conocerán, la enfermedad de Fiona se hace difícil de controlar a través de visitas periódicas al médico, por lo cual ella decide internarse en un centro especializado, algo que no resulta fácil tras la costumbre de la convivencia diaria. Ese hecho de lo que representa una separación se exhibe bellamente en la película, a través de una escena que contiene una despedida cargada de emotividad, de verdadero amor profundo y de mucha sabiduría. Y esa despedida marca el camino de un olvido que se veía venir y que cambia por completo el mundo de ambos. Se hace inevitable a este punto no detenerse a reflexionar profundamente acerca del amor desprendido, alejado del mínimo asomo de egoísmo, un amor sublime.

Tal como lo decían en la producción, Away From Her es un filme que “confirma que la vida es cíclica y de que todos nos enfrentamos a los mismos desafíos en el amor, el matrimonio y el compromiso”. El papel que juega el Alzeheimer aquí es vital ya que, no solo es la portadora de una situación extrema, sino que también es el punto que nos pone a pensar acerca de las cosas que recordamos y de las que queremos olvidar consciente o inconscientemente. Lo que queda al final de la película es la extrema sensación de que todo en la vida debe ser tomado como parte de un proceso natural, que el hombre, en pareja o no, debe asumir y aceptar.

El reparto es otro de los aciertos de Polley, empezando por la pareja protagonista Julie Christie en el papel de Fiona. El toque de belleza y la grandiosa interpretación extrictamente realista que ella elabora, le aportan lo justo a este argumento sólido y que la hacen gran merecedora al galardón recibido en los Globo de Oro. Gordon Pinsent por su parte, le impregna esa profundidad y serenidad, de aquellos que llegan a la tercera edad, digna interpretación también de lo que representa este guión. Su papel está cargado de una emotividad impresionante que a pesar de ello, nunca se descompone. También está Michael Murphy, para nombrar otro, quién hace el papel de paciente del centro especializado donde va Fiona y que se convertirá en el centro su atención. Él nos regala un papel que no expresa una sola palabra, un papel absolutamente psicológico, complejo, difícil de llevar a cabo, pero muy bien logrado, que supone una dificultad no solo para él sino para el resto del reparto.

Lejos de Ella es una película súper recomendada. Es una obra honesta, expresiva, profundamente conmovedora que nos habla acerca de la lealtad y el amor.




El Contrato – Con una trama de los años 80


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EN RESUMEN
El Contrato es una película muy poco recomendable que pareciera haber sido hecho por dos directores. Tiene una introducción brillante y un desarrollo y deselance fatal.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:

Director: Bruce Beresford

Género: Drama, thriller.
Guión: Stephen Katz y John Darrouzet
Reparto: Morgan Freeman (Frank Carden), John Cusack (Ray Keene), Jamie Anderson (Chris), Alice Krige (Miles), Megan Dodds (Sandra), Corey Johnson (Davis), Jonathan Hyde (Turner), Bill Smitrovich (Wainwright), Anthony Warren (Royko), Ned Bellamy (Evans)
Duración: 1:36 Min
Trailer: El Contrato. En Castellano
Países: Estados Unidos y Alemania
Año: 2006

SINOPSIS
Durante un fin de semana en la montaña, Ray Keene, un padre de familia y entrenador de basquet, se cruza en el camino de Frank Carden, un ex militar que trabaja como asesino a sueldo. Keene quien siempre enfrenta desafíos, intenta llevarlo ante la Justicia, pero Frank y sus secuaces no están dispuestos a quedarse de brazos cruzados. Es así como empieza una intensa persecución contra Keene y su hijo.

RESEÑA CRÍTICA
No es la primera vez que el grandioso Morgan Freeman se enfrenta a la crítica que pone en duda su reputación como actor al participar en proyectos como éste, titulado El Contrato del año 2006. Muchas han sido las películas que lo han glorificando: “El Reportero de la Calle 42” de 1987, la fabulosa “Paseando a Miss Daisy” de 1989, “Sueños de Libertad” de 1994, “Seven” de 1995, “Million Dollar Baby” de 2004 e incluso las de “Todo Podereso” de los años 2003 y 2007. Pero también son ya varias las que han causado desazón como : “Dame 10 Razones” con la española Paz Vega, “Ciudad Sin Ley” de 2005, “El Cazador de Sueños” de 2003 o “El Coleccionista de Amantes” de 1997.

El contrato es una obra del australiano Bruce Beresford recordadísimo por dirigir “Paseando a Miss Daisy”, estelarizada también por Morgan Freeman. La trama de esta nueva película, gira en torno a un asesino a sueldo y un hombre bonachón que cruzan sus vidas por una circunstancia inesperada. El bueno de la película es John Cusack quien por vez primera actúa al lado de Freeman y quién también goza de un buen prestigio como actor. A él lo vimos hace poco participando en la película 1408 que solo hasta este año llegó a Colombia.

La película tiene a mi modo de ver un muy buen inicio, es tramador, muy digno de las cintas con el mejor de los suspensos y usando como trasfondo o punto de partida la ciudad de Nueva York. De esta forma nos introducen en el mundo oscuro de Frank Carden (Freeman) a quien le ha llegado un nuevo contrato que atender. La frialdad de sus palabras, de su carácter y la típica actitud maleante, burlesca y relajada de sus colegas le dan ese aire de cinismo perfecto que caracteriza este tipo de largometrajes y que hacen de una y otra forma, ilusionar al espectador con una descarga enorme de acción e intriga. Durante esos primero minutos, así continúa haciéndole el filme y para grata sorpresa, después de una escena donde nos enseñan cuáles son los terribles límites de estos asesinos a sueldo, la historia toma un giro inesperado. Como todo en la vida nada es perfecto y algo le sale mal a Carden (Freeman), lo que lo conduce a ser capturado por la policia y a buscar la manera de escapar para proseguir el plan de su último contrato. Entre tanto, como historia paralela nos cuentan quién es Ray Keene (Cusack), hasta que la trama los une de manera un tanto amañada pero a través de unas escenas intensas, creíbles y con la acción necesaria.

Pero toda esta emoción dura tan solo hasta el minuto 27. A partir de ahí, los diálogos, la dirección, las escenas, el argumento, el ritmo parecen haber sido realizados por otra persona totalmente distinta a la que realizó la introducción. Incluso las instrucciones impartidas a los actores fue muy distinta. De ese frio y calculador asesino interpretado por Freeman, por ejemplo, paso hacer un hombre calmado, pasivo con toques de bondad y con unas expresiones en la cara mucho menos tensas, a tal punto que el sentido inicial del bueno capturando al malo, muy malo se pierde. Desde ahí comienza una cantidad descarada de aspectos irreales: podemos comenzar con el hecho de que el bueno tras encontrarse con el malo en una situación un tanto absurda, tomá la decisión o el camino más complejo a sabiendas (porque imposible no ser consciente y más teniendo al hijo al lado) en lo que se estaba metiendo, el escape en una peña que me hicieron recordar a la “tecnología” usada en el “Chavo del Ocho” cuando en alguna escena querían mostrar rocas o piedras de gran tamaño. Y a todo esto se le une los diálogos flojos, combinado con peleas tremendamente insulsas.

Cada minuto es una desilución aún mayor, pues todo decae; el ritmo, los personajes, la trama, la acción, la estructura narrativa que por fortuna tienen su final a la 1:36 Min. En general, es muy fácil deducir que va a seguir, cual va hacer su desenlace a lo largo de su metraje, no solo por el mal manejo que se le dio a cada uno de estos elementos, sino porque cada escena reafirma que lo realmente estamos viendo, es una película policiaca de los años 80, muy similar incluso a las que pasaban por televisión. El Contrato es casi una compilación de todos los estereotipos vistos antes en las cintas detectivescas; el asesino a sueldo torpe, el traicionero, el polícia gordo que solo come y trabaja poco ó la aparición de una figura femenina de la nada para unirla al personaje central. Aunque los mayores causantes de que Freeman no salga bien librado en este film, son los diálogos y su flojo argumento, tampoco es que él haya hecho mucho por sacar lo mejor de sí al igual que Cusack y la mayoría del reparto.

Lo Mejor: La actuación de Alice Krige y los primeros 27 minutos

Lo Peor: Los diálogos y el poco elaborado argumento.

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Horton – "Digo lo que siento y pienso lo que Digo"


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EN RESUMEN
Horton es una película divertida, relajada con un mensaje sencillo y contundente muy característico de las obras del Dr. Seuss, su creador, que trasmite el mensaje con una alta dosis de humor.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:
Director: Jimmy Hayward y Steve Martino
Género: Animación, comedia
Título Original: Horton hears to Who!

Guión: Cinco Paul y Ken Daurio; basado en el libro del Dr. Seuss
Doblaje original: Jim Carrey (Horton), Steve Carell (alcalde), Carol Burnett (cangura), Will Arnett (Vlad), Isla Fisher (Dra. Mary Lou LaRue), Amy Poehler (Sally O’Malley), Seth Rogen (Morton), Josh Flitter (Rudy), Jaime Pressly (Srta. Quilligan), Laura Ortiz (Jessica), Jonah Hill (Tommy), Jesse MacCartney (Jo Jo)
Duración: 1:28 Min

Trailer: En las voces originales
País: Estados Unidos

Año: 2008

SINOPSIS
Cuenta la historia de un elefante, llamado Horton, que un día escucha un grito de auxilio proveniente de una pequeñísima partícula de polvo que va flotando en el aire. Su imaginación le hace pensar que puede haber vida dentro de esa partícula y a pesar de que la comunidad de lo rodea no le crea y considere que ha perdido la razón, Horton está dispuesto a confirmarlo y a prestarles su ayuda.

RESEÑA CRÍTICA
Con casi un mes de comportamiento atípico, que semana tras semana hacía declinar las cifras de recaudo en taquilla en las salas de cine nortemaricanas y canadienses, Horton y El Mundo De Los Quién se convirtió en la cinta salvadora, pues ya se ganó el título de “Mejor Estreno del Año” al recoger alrededor de los 45 millones de dólares durante el fin de semana de su estreno tanto en Estados Unidos como en Canadá. Gracias a Horton, la cinematografía hollywoodense por fin despega y les da un respiro en el cumplimiento de la proyección, después de 3 meses de iniciado el año 2008.

El artífice de esta bella historia es el bien conocido por los ciudadanos nortemaricanos, el escritor Ted Geisel un hombre que usaba como seudónimo en sus obras “El Doctor Seuss”. Su legado incluye una serie de incontables tiras cómicas de tinte político, cuentos infantiles y para adultos y hasta películas cortas relacionadas con la guerra cuando formó parte del primer Departamento de Producción de Películas de la Armada de su país que lo llevaron a obtener un premio de la Academia en el año 1950, una década brillante en su carrera en donde produjo la mayoría de los éxitos recordados hoy día como: “Si yo dirigiera el zoológico” de 1950, “Súper Huevos Revueltos” de 1953 o “Cómo el Grinch se robó su navidad” del año 1957 que ha sido adaptado para cine y televisión en dos oportunidades; una en 1966 y la otra en el año 2000 con la participación protagónica de Jim Carrey. Esta última obra es considera un clásico de la literatura infantil y ahora del cine, que año tras año, igual como ocurre en Semana Santa, es película obligada en los canales de la televisión del norte.

No fue fácil llevar a la pantalla gigante esta película, gracias a la experiencia desafortunada que tuvo la esposa del escritor quien heredó su legado después de su fallecimiento en el año 1991, con la adaptación en cine de El Gato, un film del año 2000 interpretado por Mike Myers que no solo la esposa del Dr Seuss repudió, sino la crítica especializada debido a que poco o nada respetó el lenguaje y la esencia de este escritor, que no es otra cosa que el hecho de escribir con un lenguaje extremadamente sencillo, común, nada adornado y utilizando la mínima cantidad de palabras. Cada una de sus mayores obras se caracterizan por eso, pues después de leer una noticia en la que decían que los niños no leían por que no comprendían, hacerlos entender se convirtió en su principal objetivo. Así que realizar adaptaciones distintas no tiene sentido y justamente la película animada de Horton y El Mundo de los Quién, respeta y deja intacto este objetivo.

La cinta es supremamente sencilla tanto en su técnica que combinó elementos de la animación tradicional con otros altamente modernos, como en el mensaje que se pretende trasmitir. Es sin duda un film cuyo público objetivo son los niños pero que detrás de un mensaje simple se esconde muchos otros que se podrían aplicar perfectamente a la política, al racismo (tema por cierto, este escritor tocó varias veces en sus obras), la relación que lleva el ser humano con sus semejantes y general con su entorno.

De principio a fin, la cinta utiliza una alta dosis de humor con la que uno se siente confortable y con la que se llega más fácil al mensaje final que dicho en distintas palabras es: Todos los seres/entes del universo tienen y merecen un espacio que se debe respetar sobre todas las cosas. Un mensaje que se repesa en toda la película a través de otras reflexiones directas e indirectas. Directas como el hecho de aconsejar “decir lo que siente pensando primero en lo que se va a decir” y otras indirectas en las que se pone de manifiesto la soberbia del ser humano frente a un universo tan grande. Aquí los humanos no nos vemos identificados con el mundo de Horton, sino por el contrario con Villa Quién y es que así, somos frente al entorno que nos rodea, somos los “reyes” de una parte muy insignificante del universo y por tal razón, no vale la pena sacar a relucir nuestra gallardia. Otra lectura interesante es la de enseñar a los más chicos y recordarle a los más viejos que en el mundo hay una cantidad importante de seres indefensos que debemos respetar y ayudar, sean estos o humanos o no. Un mensaje también claro y contundente sobre el trato que le damos a la naturaleza y los animales que por las diferencias de código se ven enfrentadas a la crueldad humana.

El reparto de la película en las voces originales es otro de los atractivos de Horton que une, una vez más, a dos actores excepcionales para el género de la comedia, hablo Steve Carrel y Jim Carrey que por primera voz presta su voz en una cinta animada. Aunque en términos generales la estructura narrativa, el ritmo y la duracción son las apropiadas, lo cierto de Horton y El Mundo de los Quién es que no es la gran película y su extrema simplicidad en todos los aspectos la hacen parecer una historia débil y carente de la emoción necesaria para que el público realmente se comprometa con ella. Sin embargo no se le puede desconocer que es una película que nos deja un gran mensaje, que a pesar de haber sido escrita en los años 50 aún sigue encajando en la actualidad y es perfectamente adaptable a varios ámbitos de la sociedad.

Lo que más me gustó: El elemento cómico

Lo que menos me gustó: la excesiva simplicidad a veces es un defecto

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.



Teresa: En el Cuerpo de Cristo – Inusitada polémica de la Iglesia Católica


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EN RESUMEN:
Teresa en el Cuerpo de Cristo no es necesariamente una mala película, se deja ver a pesar de su evidente sensacionalismo. A la final resulta exagerado la campaña de desprestigio realizada por la Iglesia Católica hacia esta cinta que no ha de representarles el mínimo riesgo de quebrantar la fé de sus creyentes.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:
Director y Guionista: Ray Loriga

Género: Drama
Reparto: Paz Vega (Santa Teresa de Jesús), Leonor Watling (doña Guiomar de Ulloa), Geraldine Chaplin (priora del convento), José Luis Gómez (fray Pedro de Alcántara), Eusebio Poncela (Gaspar Daza), Álvaro de Luna (padre de Santa Teresa), Paula Errando (Juana), Ángel de Andrés (obispo de Toledo), Amparo Valle (Mari Briceño), Javier Mejía (Francisco de Borja)
Duración: 1:37 Min
Página Oficial: Teresa: En el cuerpo de Cristo
Trailer: Teresa En El Cuerpo de Cristo
Países: España, Reino Unido y Francia
Año: 2007

SINOPSIS
Teresa de Cepeda y Ahumada es la hija de un hidalgo de Ávila que se resiste a aceptar su rol de mujer en un mundo de hombres: no quiere limitarse a ser esposa y madre. Siente que tiene que hacer algo más elevado. Quiere escribir, quiere leer, quiere aprender. En busca de ese “algo” que le falta, ingresa en un convento de clausura. Su decepción no puede ser mayor ya que tras las paredes del claustro reina el materialismo y la misma frivolidad de los que ella viene huyendo. Así, decide iniciar una cruzada de oración y sacrificio que la convierten primero en una rebelde y una loca, más tarde en una líder y, finalmente en una santa.

RESEÑA CRÍTICA

Y apenas para Semana Santa se presenta en pantalla esta película realizada entre España, Francia y el Reino Unido que se estrenó el año pasado y que ha representado en la madre patria una cierta e inusitada polémica que se justifica en una determinada medida y que supongo no estará excenta de repetirse en Colombia. Su bajo recaudo una vez su estreno en España, estuvo precedido por una campaña intensa de la iglesia católica que pretendió desanimar a sus fieles de ir a verla, catalogándola como una película blasfema y anti-católica. En una agencia de prensa religiosa llamada ACIPRENSA el Cardenal Antonio Cañizares y Arzobispo de Toledo decía que esta cinta merecía “olvido por lo blasfemo de la foto publicitaria y por la gravedad de la visión tan distorsionada, insultante, falsa y denigratoria de la figura, de la mujer, de la santa más grande de la España de todos los tiempos…”.

Son muchos los films que han llevado a la pantalla grande y chica la vida y obra de Doña Teresa de Cepeda y Ahumada o Santa Teresa de Jesús como se le conoce alrededor del mundo. La mayoría de éstas avaladas por la iglesia católica. Tal es el caso de “Teresa” del director francés Alan Cavalier del año 1986, o un poco más recientes “Teresa” del director italo-americano Leonardo Defilippis del año 2003, que tuvo una muy buena acogida en los Estados Unidos y recibió varios premios u otra del mismo año llamada “Teresa Teresa” del también director español llamado Rafaél Gordón. Todos estos antecedentes hacían suponer de antemano, que la nueva versión de Teresa: En el Cuerpo de Cristo, traería consigo ingredientes novedosos que cautivaran a la audiencia. Y sin duda, Ray Loriga su director así lo hizo, apostándole a una historia con perspectiva mucho más carnal y mucho más centrada en la condición humana, aspecto que no necesariamente es un punto positivo.

Tomar la decisión de narrar el “otro lado”, para llamarlo de alguna forma, de la vida de la Santa Teresa, suponía un riesgo enorme que yo personal y díficilmente tomaría como director porque es muy fácil caer, ya sea en la reiteración de hechos ya contados o en el exceso irresponsable de narrar eventos que de una u otra manera “desmeritan” la labor de la figura de alguien tan importante para quienes creen en el o lo veneran. Diversos han sido los personajes que como humanos han cometido algún tipo de error, han tenido tropiezos o excentricidades, pero que a la final brillan por alguna cosa que los “dignificó”, los hizo “grandes” y en definitiva esta debería ser, por respeto a su legado, la esencia que prevalezca y la que se trasmita de generación en generación. Puede sonar mojigato, pero la realidad desmuestra que este tipo de “verdades” o “realidades” inocultables en las que se ven envueltos muchos de nuestros héroes, en conclusión no funcionan. Cuando veía esta película recordaba un poco lo sucedido con “El Cantante” , el film de Marc Anthony y Jennifer López que en esencia no dijo mentiras, pero destacó en todo momento la debilidad del cáracter de don Héctor Lavoe sobre su legado y la influencia que ejerció en la salsa y la música latina.

Para que esta cinta pueda agradar toca verla desde la visión más objetiva posible, alejada de toda creencia. No soy una católica ferviente, así que esto me permitió disfrutarla sin sentirme ofendida. La película tiene como punto de partida la convulsionada época de la iglesia y su transición hacia la contrareforma, de ahí el origen de algunas de sus escenas polémicas e irritantes para los fieles, pero que pensándolas con cabeza fria son más sensasionalistas que provocadoras. En realidad son menos de las que uno podría suponer en un film controversial y son en general tratadas a la ligera, lo que demuestra aunque no se quiera, el respecto hacia la institución católica. De hecho, es tanto el respeto que se manejó que cohibió no solo muchas de las escenas sino al mismo director.

Una vida tan intensa como la de la Santa Teresa en una época que parecía no ser la de ella gracias a sus pensamientos revolucionarios en el buen sentido de la palabra, es inevitable no tomarlos como primer punto de partida para determinar que si y que no mostró esta cinta. A grandes rasgos se describe su paso por el convento que la acogió antes de fundar la primera “Orden de las Carmelitas Descalzas” y el primer “Monasterio de San José” en Ávila, su entrega e inmensa devoción hacia Jesús, el parasismo que le duró 4 días por el cuál la creyeron muerta y de pasó le sirvió para acrecentar su fé, más la persecución de la Santa Inquisición que no logró su cometido gracias según esta versión, a los encantos y el gran carisma que Doña Teresa de Cepeda y Ahumada ejercia sobre hombres y mujeres, un argumento poco creíble y poco documentado también, en una época donde la condición de mujer era el motivo suficiente para desvalorar a su mínima expresión y restar la mínima importancia a sus ideales. La historia dice que su fortaleza, el espíritu de lucha y entrega e incluso “la fuerza divina”, fueron los que finalmente permitieron que ella cumpliera su objetivo.

Esta intención de proponer un punto de vista más humano y más feminino de Teresa, es el que dio como resultado la elección de la actriz más atractiva que hasta ahora ha encarnado a la santa canonizada 40 años después de su muerte, Paz Vega con el que además, se pretende imprimir un toque de sensualidad e intimidad “prohibida” sobre todo en las escenas donde ésta intimida con Jesús. Su interpretación dista de una profunda interiorización y se queda en el plano superficial y netamente corporal. El resto de actores incluído el de la conocida Geraldine Chaplin son de trámite y no revisten mayor importancia. Pero no toda la “arriesgada irresponsabilidad” de este director le salió mal, por el contrario tuvo varios elementos interesantes que vale la pena ver y destacar. Por ejemplo, los elaborados y estudiados diálogos dignos de la época, la fotografía delicada, cuidadosa y altamente detallista, como también, el muy bien logrado vestuario que se vuelve un atractivo muy importante de la cinta, el ritmo ágil y su metraje (1:37 Min) apenas lo justo para no terminar por aburrir al espectador.

Lo Mejor: El Vestuario

Lo Peor: Su propuesta sensacionalista


Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.


10.000 A.C. – Emmerich Buen Director, Mal Guionista


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EN RESUMEN:

10.000 A.C. es una película que utiliza la historia como referente para mostrarnos una leyenda entretenida, sensible a los valores humanos pero con unos diálogos que muestran una vez más el talón de Aquiles de su director.

FICHA TÉCNICA
Calificación de CineVista:
Director: Roland Emmerich
Género: Aventuras, drama, acción
Reparto: Steven Strait (D’Leh), Camilla Belle (Evolet), Cliff Curtis (Tic’Tic), Joel Virgel (Nakudu), Ben Badra (Warlord), Mo Zainal (Ka’ren), Nathanael Baring (Baku), Marco Khan (Un-Ojo), Reece Ritchie (Moha), Kristian Beazkey (padre de D’Leh), Mona Hammond (Vieja Madre)
Guión: Roland Emmerich y Harald Kloser.
Duración: 1:49 min
Página Oficial: 10.000 B.C.
Trailer: Subtitulado
País: Estados Unidos
Año: 2008

SINOPSIS
En una época donde el hombre y la bestia eran salvajes y el gran mamut recorría la tierra, nacieron las ideas y las creencias que forjaron a la humanidad para siempre. 10,000 A.C. persigue a un joven cazador en su misión de guiar a un ejercito a través de un vasto desierto, luchando contra tigres dientes de sable y predadores prehistóricos, mientras descubre una civilización perdida e intenta rescatar a la mujer que ama de un guerrero malvado empeñado en poseerla.

A menos de dos semanas de su estreno mundial, 10.000 A.C. se acerca a los 136 millones de dólares en recaudo, convirtiéndola hasta el momento en la segunda película más vista en los Estados Unidos. El director y guionista Roland Emmerich nos trae una historia que se ubica justamente en el final de la etapa conocida como el Pleistoceno, la época más antigua del cuaternario. El año 10.000 a.c. limita el final de esta etapa marcada por las últimas glaciaciones y caracterizada por animales prehistóricos como el ciervo gigante irlandés, el oso de las cavernas y el mamut o el gigante del hielo, parte importante e inspiradora de esta leyenda.

Lo más rescatable, sin duda, de este director es su capacidad para vislumbrar grandes historias carentes de documentación certera; así lo ha hecho con sus mayores y más recientes referentes comerciales, “El día de la Independencia” del año 1996 que se convirtió en todo un fénomeno taquillero que con un bajo presupuesto de alrededor de los 75 millones de dólares logró recaudar 816 millones y “El Día Después de Mañana” del año 2004, que aunque recaudó menos y su presupuesto fue muy mucho mayor, tampoco se quedó atrás al recoger aproximadamente 542 millones en taquilla. No creo que este filme logre superar o al menos alcanzar estas dos películas, pero si tal vez lo haga, a juzgar por las expectitivas que se han generado desde ya, el guión de su proyecto “2012” y próxima película apocalíptica que tras la disputa de varias productoras consiguió quien la financiera.

Lo bonito de esta historia tal como lo decía su protagonista Steven Strait quien interpreta a D’Leh radica en ratificar como la “condición humana no ha cambiado mucho a lo largo de los años”. Desde aquel entonces los valores de reflexión, amor, misericordia y gracia son inherentes al hombre y por tal razón no han de ser distintos ahora. Tal vez se han transformado hacia mejores o peores conductas pero siguen estándo presentes en el carácter humano. Y partiendo de estas características, se crea una tribu imaginaria llamada Yagah que gracias a la lucha de uno de sus cazadores, encontrarán el camino para migrar hacia tierras mejores, tierras que les brinden un mayor bienestar, ya que debido a las glaciaciones, su único sustento y motor de vida, los mamuts que cada año pasan en manada por sus terrenos, lo hacen en menor proporción. Ellos son los que los proveen de la indumentaria necesaria para vestir, para construir sus viviendas y obviamente para alimentarse.

El bello paisaje y los espectaculares planos que acompañan esta historia, se lograron gracias a tres ambientes naturales, hablo de las gélidas tierras de Nueva Zelanda o la isla Aotearoa como la llama la tribu Maorí, la más grande en esta región, la calurosa ciudad de Cape Town en Sudáfrica que es una península que une el océano Atlántico con el Índico y la zona desértica de Namibia. Estos ambientes naturales se combinan con los efectos computarizados para simular a los mamuts, el tigre con dientes de sable que podemos ver en gran detalle en un par de escenas e inmensos pájaros voladores inspirados en la historia sudamericana que da cuenta de ellos. La incorporación de estos animales requirió de un trabajo inmenso que necesitó del apoyo de dos compañías del Reino Unido para poderles dar vida. Este aspecto ha sido uno de los motivos de controversia para esta película, ya que la producción recalcó mucho en esto antes de su estreno y lo que se aprecia en el resultado final no refleja todo el trabajo que debió suponer su realización. Como muchas de las cintas de su estilo, “simples” detalles carentes de toda realidad o el hecho de la falta de apreciación en el caso de las grandes aves voladoras para los espectadores, la desmeritan, pero que a su vez se balancean con varias escenas memorables como la monstruosa pisada de los mamuts o el agua que cobija a el tigre, con la utilización de otros elementos reales como el hecho de usar 800 extras para la escena final y caballos reales, no pura sangre, que también representaron un reto en cuanto a adaptación a condiciones ambientales extremas se refiere.
Otro punto acertado de 10.000 A.C. es la elección del casting, pues se fue detallado al escoger personas con características morfológicas o físicas toscas y fuertes. Aquí no vemos narices perfiladas o el mínimo asomo de retoque, sino por el contrario, generosamente amplias, no vemos pieles iluminadamente blancas, sino puramente oscuras o mestizas. Claro está, a excepción de su otra protagonista Camilla Belle interpretando a la casi diosa “Evolet”, una jovencita con talento, muy hermosa y que muchos recordarán por su anterior trabajo en “Cuando Un Extraño Llama” del año 2006. Un filme de terror en el que Belle, interpreta a una niñera que debe atender a unos niños una noche en la que todo cambia cuando empieza a recibir unas llamadas inquietantes.

El contraste que causa esta actríz no solo con su tribu, sino con todas las demás que van apareciendo, es clara y explicada de forma convincente en la historia y aunque a muchos les incomodó ver su presencia tan fina, tan delicada para la época, su elección es absolutamente válida gracias a el carácter de leyenda que la película posee y que está por encima de toda perspectiva histórica, de acción o de aventuras como se ha pretendido vender esta cinta. La presencia física de esta niña, realza el carácter “extravagente” que posee toda leyenda y le imprime un toque de mística apropiado. Recalco mucho la presencia física de esta jóven actriz, más que su interpretación porque es lo que más se destaca de su participación en la historia, para los que la hayan visto o pretendan vérsela, más que las pocas palabras que pronuncia, es su sola presencia y su lenguaje corporal; distinto al resto, la esencia de su existencia en 10.000 A.C. Todo esto sumado a un ritmo bastante bien manejado y una estructura narrativa clara y bien delimitada.

(Abstente de leer este párrafo contiene un spoiler)
Desafortunadamente su mayor falla ya detectadas en las otras películas de este director, son los diálogos fuera de contexto e irritantes que nos ofrece. El ejemplo que describe con precisión lo que acabo de mencionarles, es la escena en la que el gran cazador se ve atrapado junto a el tigre, en una trampa que otra tribu le ha tendido a este feróz animal. El cazador tiene una ventaja evidente de salir con vida, ya que el león está literalmente atascado; sin embargo, su instinto de compasión hace que se apiade del animal. Esta aquí todo perfecto a no ser por la frase “heróica, intimidante y absurda” que pronunció a este animal y que palabras más o palabras menos decía: “te ayudaré pero ni se te ocurra comerme cuando te libere”. Que palabras tan irritantes, dignas de películas en las que participaba Arnold Schwarzenegger o Silvester Stallone, díficiles de imaginarse para alguien de aquella época o de alguien de nuestros tiempos en tal situación. Muchos de los diálogos son totalmente descolados y con cierto tinte cómico absolutamente innecesario.

Lo Mejor de la Película: Los pasajes naturales

Lo Peor: Los diálogos

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Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.


CineVistaZO al trailer: El Increíble Hulk – Subtitulado


Desde hoy está disponible el primer trailer subtitulado de una de las sagas esperadas de este año, El Increíble Hulk, próxima a estrenarse el 13 de Junio en los Estados Unidos. Ya habíamos mencionado que la taquilla a vencer comparándola con su antecesora, Hulk 1 del año 2003, es de un poco más de los $245 millones de dólares. El guionista de esta versión, Zak Penn, es el mismo que elaboró los guiones para Los 4 Fantásticos y X-Men.

Al ver este trailer podría pensarse que esta nueva parte, tendrá mucho del fallido intento de su primera versión, sin embargo la producción ha dejado en claro que se trata de una historia completamente diferente a la contada anteriormente acerca de este monstruo verde. De hecho la imagen del nuevo Hulk es distinta y los personajes originales, Jennifer Connely quien interpretó a Betty Boss y Eric Banna que hizo el papel de Bruce Banner, no son los mismos. El turno en esta ocasión es para Edward Norton el mismo que protagonizó la cinta El Ilusionista del año 2006 y Liv Tyler (Betty Boss), muy recorda por su papel de Arwen en el Señor de los Anillos de los años 2001, 2002 y 2003.

En la actualidad Hulk está en etapa de postproducción y se ha rodado en Canadá (Ontario y Toronto), en New York y en Rio de Janeiro (Brasil).

Sinopsis

Hulk es el monstruoso alter ego del Dr. Banner, que sufrió una explosión de rayos gamma que le provoca en sus momentos de excitación emocional la conversión en la criatura verde. Aunque Hulk no es un villano, el ejército le buscará ante la antipatía del General Ross, padre de la novia de Banner, Betty. Además, Hulk/Banner deberán enfrentarse a un enemigo fuera de los límites humanos, “La abominación”.

Género: Acción, Ciencia Ficción
Protagonistas: Edward Norton (Bruce Banner), Liv Tyler (Betty Boss), Tim Roth ( Gen. Thaddeus “Thunderbolt” Ross)
Página Oficial: The Incredible Hulk
País: Estados Unidos
Año: 2008

Sin Rastro / Rastro Oculto – Entretenido Proyecto Televisivo


Si lo prefieres puedes escuchar esta reseña aquí:

EN RESUMEN
Película entretenida que se deja ver perfectamente pero que su bajo recaudo pone en duda si realmente este proyecto era viable en cine.

FICHA TÉCNICA
Calificación CineVista:
Título Original: Untraceable
Director: Gregory Hoblit
Género: Thriller
Reparto: Diane Lane (Jennifer Marsh), Billy Burke, Colin Hanks, Joseph Cross, Mary Beth Hurt
Guión: Robert Fyvolent, Mark R. Brinker y Allison Burnett.
Duración: 1:40 Min
Página Oficial: Rastro Oculto

Trailer: Castellano
Año: 2008
País: Estados Unidos


SINOPSIS
El FBI cuenta con un departamento que se dedica únicamente a investigar y perseguir a los delincuentes que actúan en Internet. La agente especial Jennifer Marsh creía haberlo visto todo… hasta ahora. Un depredador cibernético cuelga torturas y asesinatos en su página web. El destino de sus prisioneros depende del público: cuantas más visitas registre su página web, más deprisa morirán las víctimas. Cuando el juego del gato y el ratón se convierte en algo personal, Jennifer y su equipo deberán lanzarse a una carrera contrarreloj para encontrar a este asesino.

RESEÑA CRÍTICA
Llegó el viernes pasado a cartelera esta película bajo el título Sin Rastro, cuyo estreno en España será a finales del próximo mes de Abril con el nombre de Rastro Oculto. El recaudo pobre, pobrísimo en taquilla de apenas 30 millones de dólares que no alcanza ni siquiera a superar su presupuesto, no le hace justicia porque sin ser la gran cinta, entretiene bastante es mucho más real y mejor trabajada que su referente más cercano, FIREWALL del año 2006. Recordemos que esta película fue protagonizada por Harrinson Ford quien interpreta a un veterano programador que debe enfrentar a un terrible hacker que hace de las suyas al burlar el sistema de seguridad de un importante banco. Recuerdo además, que muchos programodores fueron los primeros en descalificar esta cinta que contó con varios hechos irreales que la desvaloraron.

En esta oportunidad no hay un hacker de por medio, pero si un hostigador violento y descarnado que pone en jaque lo que sería en mi país, la Unidad de Delitos Informáticos de nada más ni nada menos que el FBI. La libertad en todos los aspectos que hasta ahora va implícita en la Internet es el tema que ocupa a los legisladores desde hace unos años y se ha intensificado después de la crisis del 11 de Septiembre. Estados Unidos es pionera no solo en seguridad informática, sino también en la creación de una normatividad precisa que contrarreste la oleada de delitos que se producen en la red y que es la mejor ventana hacia el mundo de estos impostores, gracias a la clandestinidad y el fácil acceso que ofrece. Propuestas claras de ley como el hecho de reconocer a la Internet como una herramienta de propagación de terroristas, hasta otras que a simple vista resultan más exageradas, como el hecho de considerar delito federal un correo enviado de forma anónima con contenidos que insinúen un ataque, son ejemplos de ello, pero que aún no son lo suficientemente consistentes ya que no se aplican en todos los Estados americanos y mucho menos en el resto del mundo.

La debilidad de la ley sobre el tema, es la base en la que se apoya esta cinta para aterrarnos con un sádico que posee una imaginación perversa, que encuentra una forma novedosa de obtener tráfico en la red y a su vez dar por saldado una venganza personal que lo atormenta y no lo deja vivir. En este aspecto, podría decirse que Rastro Oculto tiene otro referente cercano, hablo de la película Hostel

también del año pasado (su segunda parte), pues en ambas nos plantean los negocios oscuros que se realizan por la red con el tráfico ilegal personas que no está ausente de una realidad, por increíble que parezca. Es sin duda un elemento factible de los tiempos modernos que resulta efectivo a la hora de hacer un thriller. En general, un ritmo contínuo, un muy buen argumento, una buena historia, un montaje acorde y un guión que refleja la investigación sobre el tema es lo que principalmente caracteriza este film.

La pelicula tiene algo positivo. Su inicio hace suponer que todo será predecible y que no tendrá un factor sopresa que ofrecer; sin embargo al paso de los minutos y no muy lejanos, esta situación cambia y lo que parece evidente realmente no lo es. Sin Rastro no se preocupa por ocultar hasta su final el verdadero culpable, pero si se toma su tiempo en desmontar la telaraña de acontecimientos para darnos una explicación convincente de porqué estos suceden.

Y es convincente porque su director, Gregory Hoblit, trabajó con agentes especiales del FBI y su padre fue agente especial de esta misma entidad. Hoblit es el mismo director de la película Fracture del año anterior, que comentamos en CineVista y que como lo decía en aquél entonces, Hoblit es el especialista en toda clase de filmes que tengan que ver con líos jurídicos o judiciales, pues así lo demuestran los 5 filmes que tiene en su haber hasta el momento.

La credibilidad del argumento es tan evidente y se hace tan protagonista en en la trama que no hace destacar la actuación de sus protagonistas. No es precisamente que lo hagan mal, que se vean forzados, ni mucho menos que les falte fuerza; de hecho no incomodan pero tampoco son el pilar. Pudieron ser ellos, pudieron ser otros. La lista la encabeza Diane Lane, con esta su segunda película del 2008 después de Jumper que aún hace parte de la cartelera mundial y Billy Burke quién también actuó en Fracture y es un actor reconocido de series televisivas norteamericanas como “24” y “Wonderland”.

Incurre esta cinta en los típicos clichés de casos policiacos que le restan importancia y hacen preguntarse si realmente este proyecto debió darse para pantalla gigante. Ya son tantas las series buenas y complejas las que han elaborado los americanos para televisión, que creo que Rastro Oculto no les representó mayor novedad, a pesar que en teoría no debería discutirse su autencidad, al menos en cine y de ahí su floja taquilla. Autenticidad porque pone de manifiesto varias necesidades y falencias. Necesidades encaminadas a desarrolllar sistemas informáticos cada vez más poderosos que de forma ágil y eficaz detecten y controlen posibles situaciones como estás; que entre tanto loco hoy día, esta película podría incluso servirles de inspiración, y falencias como la falta de globalizar y poner en marcha una normatividad más precisa.

Lo Mejor de la Cinta: El argumento

Lo Peor: Poco pretensiosa, hace suponer que debió quedarse como proyecto para televisión

Buena Suerte!!! Y no olviden ser ustedes mismos quienes le den una calificación a la película. Gracias.

Taquilla de la Semana: Película Semi-Pro – No Superó la Prueba


La película Semi-Pro se estrenó en Estados Unidos el pasado 29 de Febrero y hoy día ocupa la primera posición en la taquilla norteamericana con un tímido recaudo hasta la fecha de 19.611.461 millones de dólares. Digo tímido porque esta cinta que costó un poco más de 57 millones de dólares esperaba recuperar tan solo en su primera semana 20 millones. Esta cifra es mucho menos de lo que logró recaudar su protagonista Will Ferrell en sus dos cintas anteriores; Blades of Glory (Patinazo a la Gloria) del año anterior y Stranger than Fiction (Más Extraño que la Ficción) del año 2006.

Para su director, Kent Alterman destacado productor, esta es su primera obra. Alterman ha participado como Productor Ejecutivo en películas como: Mr. WoodCock o Cuestión de Pelotas, comedia del año pasado protagonizada entre otros por Susan Sarandon, Juegos Secretos o Little Children un drama del año 2006 con 3 nominaciones en los Globo de Oro, Elf del año 2003, otra comedia estelarizada por Will Ferrel, entre otros.

SINOPSIS
Jackie Moon es la maravilla del balón que usó las ganancias de su exitosa canción “Love Me Sexy” para alcanzar su sueño de tener un equipo de baloncesto. Pero la franquicia de Moon, la Flint Michigan Tropics, es el peor equipo en la liga y en peligro de caer cuando el ABA anuncia sus proyectos de unirse a la NBA. Si quieren sobrevivir, Jackie y los Tropics deben hacer ahora lo aparentemente imposible: ganar.

Director: Kent Alterman
Guión: Scot Armstrong
Género: Comedia
Reparto: Will Ferrel, Woody Harrelson, André Benjamin, Maura Tierney, DeRay Davis, Josh Braaten, Jackie Earle Haley, Jay Phillips, Peter Cornell
Página Oficial: Semi-Pro
País: Estados Unidos
Año: 2008

Buena Suerte!!!


Usted no hace mas que improvisar. Sufrir no siempre es malo